Brice Marden och den kalligrafiska behandlingen av linjen

Förutom traditionella penslar ligger på ett bord i New York-studion hos Brice Marden dussintals pinnar. Bara vanliga pinnar från trädens grenar, förutom att varje pinne är färgad i ena änden, ett resultat av att den har doppats i bläck. Marden ritar med dem och skapar gestural symboler i kolumner och rader på papper, i kompositioner som påminner om poesi skriven på en rulle. Symbolerna dras intuitivt från Mardens fantasi och är delvis inspirerade av kinesisk kalligrafi. De påverkas också av föremål som kallas gongshí, annars kända som kinesiska lärda stenar. Gongshí-stenar finns i, eller snarare väljs från, naturen. De värderas för sina abstrakta fysiska egenskaper och används av lärda för kontemplativa syften. Mycket kan läras av att studera deras former, deras rynkor, deras perforeringar, deras asymmetriska balans, glansen på deras ytor, deras texturala kvaliteter, deras färger och deras likhet med naturliga ting. Som i de målningar Marden gör, väntar potentialerna inom gongshí på att bli upptäckta, dolda i klar sikt inom lagren och linjerna.

Planbilden

Brice Marden kom i rampljuset som målare på 1960-talet. Han fick sin MFA från Yale University 1963 och flyttade till New York City samma år. Han fick snabbt ett jobb som säkerhetsvakt på Jewish Museum. Där kunde han studera verken av sina mest framstående samtida. Runt den tiden kände många av hans kollegor en allmän olust inför måleri. Vissa hånade den ålderdomliga rektangulära duken och experimenterade med dukar formade i ovanliga former. Och många konstnärer förklarade till och med öppet att måleriet var dött.

Men Marden kunde inte ha varit mer oense. Enligt honom fanns det fortfarande mycket för måleriet att göra. Runt 1964 började han fokusera sin uppmärksamhet på målningens plan. Uttryckt på ett annat sätt, refererar planet till helheten av ytan på en målning. Allt som en målare lägger till i målningen existerar inom planet. Mycket av modernismen fokuserade på att platta till planet så mycket som möjligt, eliminera perspektiv, tryck och drag, eller något som skulle tillföra djup till bilden. För att uppnå essensen av det målet började Marden måla monokromer, som han ansåg vara den ultimata manifestationen av platthet. Han kallade sin version av monokrom den Plane Image, eftersom, som han sa, "planet var bilden".

Brice Marden - The Dylan Painting, 1966. Olja och bivax på duk. 153,35 x 306,07 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

I Hyllning till Rektanglar

När det gäller den förakt som målare på 1960-talet kände för den rektangulära duken, var Brice Marden, och är fortfarande, definitivt inte i hatlägret. Han anser att rektangeln är den ultimata formen för en målning. I en intervju med National Gallery of Art 2014 sa han: “Rektangeln är en fantastisk mänsklig uppfinning. På 60-talet fanns det mycket av den här formade målningstrenden. Men jag gillade verkligen rektangeln. Och jag tänkte att om du kunde få exakt rätt färg för den formen, och du verkligen hade det rätt, om du hade absolut korrekthet i formen, gud vet vad den målningen var kapabel att göra.”

Den idén, att en målning kan göra något, avslöjar i Marden en djupt förankrad respekt för konst i allmänhet, och särskilt för måleri. Under de år han skapade sina monokromer pågick en större diskussion om vad konst var och kunde vara. Den populära idén var att konst kunde vara vad som helst, och att allt potentiellt är konst. Marden höll inte med. Han försvarade konsten som en humanistisk strävan, och insisterade på att ett konstverk måste skapas av mänskliga händer. Under 1960- och 70-talen byggde han sitt rykte genom att försvara måleri med sina djärva monokromer målade på obekväma rektanglar. Detta arbete gjorde honom berömd, och år 1975 ansågs han vara en av mästarna inom Minimalism, och fick en soloutställning på Guggenheim i New York.

Brice Marden - Årstiderna, 1974-75. Olja på duk. 243,8 x 632,5 cm. Menil-samlingen, Houston, TX. © Brice Marden

Väst möter öst

Precis som Marden nådde höjden av sin berömmelse på 1970-talet, började han också söka efter nya riktningar för sin konst. I början av 1980-talet fann han den inspiration han hade letat efter, när en serie möten med österländsk kultur hjälpte till att inspirera honom till en ny relation med den målade bilden. I synnerhet lade han märke till kinesisk kalligrafi, och beundrade både de gesturaliska linjerna av de individuella symbolerna och det rutnätsliknande kvaliteterna av kolumnerna och raderna av de skrivna couplets.

Han började en serie målningar, baserade på kalligrafisk estetik, kallad Cold Mountain paintings. För att skapa dem målade han ett lager av intuitiva, abstrakta kalligrafiska symboler, skrapade sedan bort färgen och målade ett annat lager av symboler, och upprepade processen tills kompositionen var löst. Namnet Cold Mountain inspirerades av Cold Mountain Poems, en serie av hundratals dikter skrivna av en hermetisk kinesisk munk vid namn Hanshan på 900-talet. Den strikta paletten och den kalligrafiska looken av målningarna talar till estetiken av diktrullarna, medan deras gestural, lager av bilder väcker andan av dikterna, som omfamnade frihet, natur och strävan efter harmoni.

Brice Marden - Cold Mountain 6 (Bro), 1989-1991. Olja på linne. 108 × 144 tum. 274,3 × 365,8 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

The Scholar Rocks

Förutom kalligrafi var den andra stora östliga influensen på Marden hans möte med gongshí, eller kinesiska lärdastenar. I stenarna sägs det att hela världen och allt liv är synligt. Under de senaste åren har Marden samlat en samling lärdastenar i sin studio. Han utforskar deras intrikata mönster, deras lager, deras färgrelationer och de komplexa harmonier som han observerar i dem. Dessa observationer har manifesterat sig i en serie som kallas Red Rocks-målningarna.

I Red Rocks-målningarna arbetar Marden återigen i lager, skapar linjära former, skrapar dem, målar över dem och bygger gradvis upp färgen tills bilden löser sig. De slutliga formerna i dessa målningar verkar relatera mer direkt till de naturliga former som är uppenbara i stenarna. Men de innehåller fortfarande den gestural energi från hans kalligrafiska märken, vilket ger en konstant känsla av rörelse till kompositionerna.

Brice Marden - Orange Rocks, Red Ground 3, 2000-2002. Olja på linne. 75 x 107 tum. © Brice Marden

Det är allt i målningen

Dessutom, i sina Red Rock-målningar, sträcker Marden ut sin användning av linje till de yttersta kanterna av duken, och använder linje som ett sätt att skissera kanten av ramen, vilket förstärker känslan av de rektangulära gränserna för verket. När han nyligen talade om dessa verk, noterade han att hans val att använda linje på detta sätt relaterade till frågor om målningarnas natur och hur de tolkades. Han sa: “Denna bild är inte en detalj. Denna bild är sig själv. Ingenting pågår utanför den. Det är vad hela detta inramningskoncept handlar om.”

Det uttalandet, att inget pågår utanför målningen, och att allt väsentligt finns inom den, är avgörande för de övergripande teman i de östra traditioner som har inspirerat de kalligrafiska linjearbeten som Marden gör. Det är ett alternativ till den kulturella uppfattningen att människor på något sätt existerar utanför naturen, och kan fungera oberoende av den. Verkligheten är att människor är en del av naturen, inte separerade från den och observerande den från utsidan. Allt finns i naturen, inklusive oss. Inget pågår utanför den.

Brice Marden - Return I, 1964-65. Olja på duk. 50 1/4 x 68 1/4" (127,6 x 173,4 cm). MoMA-samlingen. Fraktionell och lovad gåva av Kathy och Richard S. Fuld, Jr. © 2019 Brice Marden / Artists Rights Society (ARS), New York

Suddiga linjer

När man ser över de senaste sex decennierna av Brice Mardens arbete finns det konsekvenser som genomsyrar hela hans verk. Hans palett är konsekvent dämpad, och han har konsekvent omfamnat rektanglar, antingen direkt i sina rektangulära panelmonokroma verk eller indirekt i sina kalligrafiska linjekompositioner. Men det har också skett djupa förändringar, eftersom han har gått från att söka total platthet med Plane Image till att omfamna en lagerkänsla av djup i sitt linjearbete.

För Marden representerar dessa förändringar ett element av måleri som han uppskattar. Varje målning han ser från varje skede av sin karriär är en påminnelse om vem han var vid den tiden. Att kunna gå tillbaka och möta dessa verk ger honom en känsla av att han är rotad i något oförändrat, trots den ständiga förändringen. Som han en gång uttryckte det, “En av sakerna med en målning är att den förblir så. Och du kan gå tillbaka till den. Och varje gång du går tillbaka till den är du annorlunda, men den är densamma. Det är en stabil sak.”

Utvald bild: Brice Marden - Andra brevet, Zen vår (detalj), 2006 – 2009. Olja på linne. © Brice Marden
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio