Brice Marden och den kalligrafiska behandlingen av linjen

Förutom traditionella penslar ligger dussintals pinnar utspridda på ett bord i Brice Mardens studio i New York. Bara vanliga pinnar från trädgrenar, förutom att varje pinne är färgad på ena spetsen, ett resultat av att ha doppats i bläck. Marden ritar med dem och skapar gestiska symboler i kolumner och rader på papper, i kompositioner som påminner om poesi skriven på en rulle. Symbolerna, som är intuitivt dragna från Mardens fantasi, är delvis inspirerade av kinesisk kalligrafi. De är också påverkade av föremål som kallas gongshí, även kända som kinesiska lärdomsstenar. Gongshí-stenar finns i, eller snarare väljs ut från naturen. De värderas för sina abstrakta fysiska egenskaper och används av lärda för kontemplativa ändamål. Mycket kan läras genom att studera deras former, deras veck, deras håligheter, deras asymmetriska balans, glansen på deras ytor, deras texturala egenskaper, deras färger och deras likhet med naturliga ting. Precis som i de målningar Marden gör, väntar möjligheterna inom gongshí på att upptäckas, dolda i öppen dager inom lager och linjer.

Bildplanet

Brice Marden blev känd som målare på 1960-talet. Han tog sin MFA från Yale University 1963 och flyttade till New York samma år. Han fick snabbt ett jobb som vakt på Jewish Museum. Där kunde han studera arbetet av sina mest framstående samtida konstnärer. Under den perioden kände många av hans konstnärskollegor en allmän olust inför måleriet. Vissa förlöjligade den ålderdomliga rektangulära duken och experimenterade med dukar formade till ovanliga former. Och många konstnärer förklarade till och med måleriet för dött.

Men Marden kunde inte ha varit mer oenig. Enligt honom fanns det fortfarande mycket kvar för måleriet att göra. Runt 1964 började han fokusera sin uppmärksamhet på målningens plan. Uttryckt på ett annat sätt syftar planet på hela ytan av en målning. Allt som en målare lägger till i målningen existerar inom planet. Mycket av modernismen fokuserade på att platta till planet så mycket som möjligt, eliminera perspektiv, tryck och drag, eller något som skulle tillföra djup till bilden. För att uppnå det yttersta målet började Marden måla monokromer, som han ansåg vara den ultimata manifestationen av platthet. Han kallade sin version av monokromen för Bildplanet, eftersom, som han sade, ”planet var bilden.”

Brice Marden - The Dylan Painting, 1966. Olja och bivax på duk. 153,35 x 306,07 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

I lovsång till rektanglar

När det gäller den förakt som målare på 1960-talet kände för den rektangulära duken, var Brice Marden, och är fortfarande, bestämt inte en del av hatarlägret. Han anser att rektangeln är den ultimata formen för en målning. I en intervju med National Gallery of Art 2014 sade han, “Rektangeln är en stor mänsklig uppfinning. På 60-talet pågick mycket av det här med formade målningar. Men jag gillade verkligen rektangeln. Och jag tänkte att om man kunde få exakt rätt färg för den formen, och verkligen hade det rätt, om man hade absolut korrekt form, gud vet vad den målningen kunde göra.”

Den tanken, att en målning kan göra något, visar på en djupt rotad respekt hos Marden för konsten i allmänhet och särskilt för måleriet. Under de år han gjorde sina monokromer pågick en större diskussion om vad konst var och kunde vara. Den populära idén var att konst kunde vara vad som helst, och att allt potentiellt är konst. Marden höll inte med. Han försvarade konsten som en mänsklig gärning och insisterade på att ett konstverk måste vara skapat av mänskliga händer. Under 1960- och 70-talen byggde han sitt rykte genom att försvara måleriet med sina djärva monokromer målade på oförsonliga rektanglar. Detta arbete gjorde honom berömd, och år 1975 ansågs han vara en av mästarna inom minimalismen och fick en soloutställning på Guggenheim i New York.

Brice Marden - The Seasons, 1974-75. Olja på duk. 243,8 x 632,5 cm. The Menil Collection, Houston, TX. © Brice Marden

Väst möter öst

Just när Marden nådde höjden av sin berömmelse på 1970-talet började han också söka nya vägar för sin konst. I början av 1980-talet fann han den inspiration han sökt, när en rad möten med östlig kultur hjälpte honom att utveckla en ny relation till den målade bilden. Särskilt lade han märke till kinesisk kalligrafi, och beundrade både de gestiska linjerna i de enskilda symbolerna och det rutnätsliknande mönstret i kolumner och rader av skrivna par.

Han började en serie målningar, baserade på kalligrafiska estetiker, kallade Cold Mountain-målningarna. För att göra dem målade han ett lager av intuitiva, abstrakta kalligrafiska symboler, skrapade sedan bort färgen och målade ett nytt lager symboler, och upprepade processen tills kompositionen var klar. Namnet Cold Mountain inspirerades av Cold Mountain Poems, en serie med hundratals dikter skrivna av en eremitisk kinesisk munk vid namn Hanshan på 800-talet. Den strama färgskalan och det kalligrafiska utseendet på målningarna anknyter till estetiken i dikt-rullarna, medan deras gestiska, lager-på-lager-bilder åkallar dikternas anda, som omfamnade frihet, natur och strävan efter harmoni.

Brice Marden - Cold Mountain 6 (Bridge), 1989-1991. Olja på linne. 108 × 144 tum. 274,3 × 365,8 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

Lärdomsstenarna

Förutom kalligrafin var den andra stora östliga influensen på Marden hans möte med gongshí, eller kinesiska lärdomsstenar. I stenarna sägs hela världen och allt liv vara synligt. Under de senaste åren har Marden samlat på sig en samling lärdomsstenar i sin studio. Han utforskar deras invecklade detaljer, deras mönster, deras lager, deras färgförhållanden och de komplexa harmonier han ser i dem. Dessa iakttagelser har manifesterats i en serie kallad Red Rocks-målningarna.

I Red Rocks-målningarna arbetar Marden återigen i lager, skapar linjära former, skrapar ut dem, målar över och bygger gradvis upp färgen tills bilden löser sig. De slutliga formerna i dessa målningar verkar relatera mer direkt till de naturliga former som syns i stenarna. Men de innehåller fortfarande den gestiska energin från hans kalligrafiska märken, vilket ger en ständig känsla av rörelse i kompositionerna.

Brice Marden - Orange Rocks, Red Ground 3, 2000-2002. Olja på linne. 75 x 107 tum. © Brice Marden

Allt finns i målningen

I sina Red Rock-målningar förlänger Marden dessutom sin användning av linjer ända ut till dukens ytterkanter, och använder linjen som ett sätt att markera ramens kant, vilket förstärker känslan av verkets rektangulära gränser. När han nyligen talade om dessa verk noterade han att hans val att använda linjen på detta sätt hade att göra med frågor om målningarnas natur och hur de tolkades. Han sade, “Den här bilden är inte en detalj. Den här bilden är sig själv. Ingenting händer utanför den. Det är vad hela det här inramningsgrejen handlar om.”

Det uttalandet, att ingenting händer utanför målningen, och att allt väsentligt finns inom den, är avgörande för de övergripande teman i de östliga traditioner som inspirerat de kalligrafiska linjära verk Marden skapar. Det är ett alternativ till den kulturella uppfattningen att människor på något sätt existerar utanför naturen och kan verka oberoende av den. Verkligheten är att människor är en del av naturen, inte separata från den och betraktar den utifrån. Allt finns i naturen, inklusive oss. Ingenting händer utanför den.

Brice Marden - Return I, 1964-65. Olja på duk. 50 1/4 x 68 1/4 tum (127,6 x 173,4 cm). MoMA Collection. Delvis och utlovad gåva från Kathy och Richard S. Fuld, Jr. © 2019 Brice Marden / Artists Rights Society (ARS), New York

Uppblandade gränser

När man ser tillbaka på Brice Mardens arbete under de senaste sex decennierna finns det enhetliga drag som löper genom hela hans produktion. Hans färgskala är konsekvent dämpad, och han har konsekvent omfamnat rektanglar, antingen direkt i sina rektangulära panelmonokromer eller indirekt i sina kalligrafiska linjära kompositioner. Men det har också skett djupgående förändringar, då han gått från att söka total platthet med Bildplanet till att omfamna en lager-på-lager-känsla av djup i sitt linjära arbete.

För Marden representerar dessa förändringar ett element i måleriet som han uppskattar. Varje målning han ser från varje skede i sin karriär påminner honom om vem han var då. Att kunna gå tillbaka och möta dessa verk ger honom en känsla av att vara rotad i något oföränderligt, trots ständig förändring. Som han en gång uttryckte det, “En av sakerna med en målning är att den förblir sådan. Och du kan gå tillbaka till den. Och varje gång du går tillbaka är du annorlunda, men den är densamma. Det är något stabilt.”

Framträdande bild: Brice Marden - Second Letter, Zen Spring (detalj), 2006 – 2009. Olja på linne. © Brice Marden
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio