Hur Ad Reinhardt lärde oss att se på modern konst

Vad betyder det att vara en purist? Är det som att vara trångsynt? Eller är jakten på renhet i sig ädel, som strävan efter fullkomlighet? För den amerikanske abstrakte konstnären Ad Reinhardt var renhet avgörande för bildkonsten. I sin essä från 1953, “Tolv regler för en ny akademi,” definierade Reinhardt bildkonst som “konst tömd och renad från alla andra än konstnärliga betydelser.” Han förklarade vidare att, “Ju fler användningar, relationer och ”tillägg” en målning har, desto mindre ren är den. Ju mer saker i den, desto rörigare är konstverket, desto sämre är det. ’Mer är mindre’.” Detta kan låta som ett märkligt uttalande från en målare som förknippas med abstrakt expressionism, konstnärer som definitivt lade till mer på sina dukar, inte mindre. Men även om Reinhardt började sin karriär med att måla uttrycksfulla, dynamiska dukar, förändrade hans strävan efter renhet hans arbetssätt drastiskt över tid. Han minskade så dramatiskt innehållet i sina målningar under sin karriär att han under sina sista år endast målade med svart färg. När han dog 1967 var han så säker på renheten i sina ansträngningar att han förkunnade att han hade målat de sista målningarna som någonsin behövdes.

Konst gjord fin

Jakten på renhet kan tyckas höra hemma i ett kloster snarare än i en konststudio. Men Ad Reinhardt var lika mycket filosof som konstnär. Och en av hans bästa vänner var faktiskt en munk i ett kloster. Reinhardt utbytte regelbundet brev med honom, där de lekfullt bytte synpunkter på livets och konstens natur. På forskarutbildningen studerade Reinhardt konsthistoria, ett ämne han visste mer om än kanske någon annan konstnär i sin generation. Kanske hade hans intresse för att upptäcka den ultimata manifestationen av renhet i konsten lika mycket att göra med intellektuell och andlig nyfikenhet som med hans önskan att definiera sin egen betydelse i konsthistoriens kontinuitet.

När han först började ställa ut sina målningar i New York på 1940-talet låg de i linje med den dominerande framväxande stilen vid tiden, abstrakt expressionism. De var måleriska, gestikulerande, fulla av livfulla färger och levde med abstrakta markeringar. Mindre än ett decennium senare tog han passionerat avstånd från allt detta och publicerade ett dogmatiskt, nästan komiskt specifikt och ofta motsägelsefullt manifest som beskrev den exakta metoden för att skapa rena, moderna målningar: målningar som för övrigt inte alls liknade hans egna tidiga verk. Om det verkar paradoxalt hjälper det att minnas Reinhardts egna berömda ord: “Konst är för allvarligt för att tas på allvar.”

Ad Reinhardt - Abstrakt målning, 1960. Olja på duk. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Nedmontering av avantgarden

För att förstå den kulturella miljö där Reinhardt verkade är det hjälpsamt att se tillbaka på modernismens historia. Före andra världskriget uppstod nästan alla avantgardistiska konströrelser utanför Amerika. Efter andra världskriget födde Amerika några av århundradets mest inflytelserika modernistiska rörelser, inklusive abstrakt expressionism, minimalism och postexpressionism. Vad hände som utlöste denna förändring i amerikansk konstpåverkan? Det hade mer att göra med politik än med konst.

Efter den tyska revolutionen i kölvattnet av första världskriget kom en representativ regering till makten i Tyskland kallad Weimarrepubliken. Denna demokratiskt valda regering införde omfattande sociala, politiska och ekonomiska reformer som ledde till stora kulturella förändringar i hela Tyskland. Inom denna omvandlande miljö blomstrade tysk modernism. Bauhaus grundades samma år som Weimarrepubliken, och i samma stad, och under de följande 14 åren utvecklades Tyskland till en ledande progressiv kraft inom konsten.

Ad Reinhardt - Tidningscollage, 1940. Utskuren och inklistrad tryckt papper och svart papper på board. 15 7/8 x 20 tum (40,6 x 50,8 cm). MoMA-samling. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Purismens mörka sida

När börskraschen inträffade 1929 kollapsade Tysklands ekonomi, liksom i de flesta andra västländer. Den följande globala depressionen orsakade stor frustration i vanliga arbetares liv. När nazistregimen kom till makten i Tyskland 1933 var det under förespeglingen att återställa Tysklands historiska storhet och vända trenderna från den senaste tiden. En av de första sakerna nazistpartiet gjorde var att utöva inflytande över tysk kultur. Modern konst blev ett huvudmål.

Under ledning av Adolf Hitler utvecklade nazisterna en idé om ren tysk konst. Den inkluderade endast traditionell, klassisk konst som följde deras definition av ras- och nationalistisk identitet. All konst utanför denna definition kallades degenererad. Så började en exodus av avantgardistiska konstnärer från Tyskland. Och när nazisternas inflytande spreds utanför Tyskland fann sig moderna konstnärer över hela Europa under samma förföljelse.

Ad Reinhardt - Studie för en målning, 1938. Gouache på papper. 4 x 5 tum (10,2 x 12,8 cm). MoMA-samling. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Återsamling av avantgarden

Under slutet av 1930-talet och början av 1940-talet fann varje europeisk modern konstnär med medel ett sätt att resa utomlands. Som en av de få globala huvudstäder som inte låg under fascistiska makters belägring blev New York en ledstjärna för avantgardistiska konstnärer från hela världen. De nyanlända konstnärerna blandade sig med den redan livfulla abstrakta konstscenen i New York, som inkluderade amerikanskt födda konstnärer som Jackson Pollock samt konstnärer som Willem de Kooning och Arshile Gorky som immigrerat dit efter första världskriget. Ur denna kultur växte de första amerikanska modernistiska konströrelserna fram.

Ad Reinhardt nådde konstnärlig mognad som medlem av denna generation av avantgardistiska New York-konstnärer efter andra världskriget. Han var fullt engagerad i den livfulla blandningen av politiska, filosofiska, sociala och kulturella samtal som ägde rum i denna mångsidiga, internationella gemenskap. Han deltog i protester och var delaktig i scenen på alla tänkbara sätt. Men han var oenig med sina samtida i en grundläggande fråga. Medan de ansåg att deras liv och konst var sammanflätade som en helhet, trodde Reinhardt att det var fel väg. Som han uttryckte det: “Konst är konst. Liv är liv.”

Ad Reinhardt - Studie för en målning, 1939. Gouache på papper. 3 7/8 x 4 7/8 tum (10 x 12,5 cm). MoMA-samling. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Sökandet efter det oföränderliga

Som ett sätt att utveckla sin konst bort från sina samtida formulerade Reinhardt en idé om det ”upplysta objektet,” ett konstverk som inte refererade till något utanför sig självt, ingen yttre idé, utan helt enkelt existerade som ett unikt exempel på sitt rena jag. Det upplysta objektet var en form av vad en andlig person skulle kalla ”det oföränderliga,” det stora yttersta, den oföränderliga substansen som även mitt i förändring inte förändras. I grund och botten sökte han konstversionen av Gud.

Reinhardt sökte det oföränderliga genom negation, vilket betyder att istället för att definiera vad ren konst är, definierade han vad ren konst inte är. Hans 12 regler för en ny akademi, publicerade 1953, innehöll hans lista över negationer, formulerade som regler för hur man når ren konst. Dessa regler inkluderade: Ingen realism, ingen impressionism, ingen expressionism, ingen skulptur, ingen plastisk konst, ingen collage, ingen arkitektur, ingen dekoration, ingen textur, inget penseldrag, ingen skissning av idéer i förväg, inga former, ingen design, inga färger, inget ljus, inget rum, ingen tid, ingen storlek, ingen rörelse, inget motiv, inga symboler, inga bilder och inget nöje. Han tillade, “Utåt, håll dig borta från alla relationer, och inåt, ha inga längtan i ditt hjärta.”

Ad Reinhardt - Papperscollage, 1939. Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington DC. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Förändras med förändring

Det är viktigt att ha i åtanke när man läser 12 regler för en ny akademi att Reinhardt arbetade som komediförfattare på universitetet, och också att han var en andlig och filosofisk person. Han hade ett vasst sinne och talade ofta medvetet i paradoxala uttalanden. Även om han trodde att alla hans regler var möjliga att följa var för sig, måste han också ha vetat att om man följer dem alla samtidigt kommer några att brytas.

Till exempel, när det gäller de svarta målningarna han målade under de sista 12 åren av sitt liv, kallade han dem, “En fri, omanipulerad, omanipulerbar, värdelös, osäljbar, oredigerbar, ofotograferbar, oreproducerbar, oförklarlig ikon.” Men de var inte fria; de var produkten av ett ideologiskt, dogmatiskt system. Och vad gäller att vara ofotograferbara och osäljbara så såldes de faktiskt snabbt och fortsätter att regelbundet säljas på auktion idag, med fina fotografier inkluderade i katalogerna. Så gjorde Reinhardt ett skämt? Eller gjorde han ett djupare uttalande om komplexiteten i att skapa och tala om abstrakt konst?

Ad Reinhardt - Untitled, 1947. Olja på duk. National Gallery of Art, Washington DC. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Det oföränderliga tillståndet

Att förstå Reinhardt innebär att förstå hans kultur. Reinhardt var en del av en konstscen dominerad av passionerad, känslosam, personlig och målerisk konst. Hans svar på detta var att förespråka motsatsen. När konstnärer passionerat förespråkade att konsten skulle återintegreras i vardagslivet insisterade Reinhardt på att konst och liv är separata. Han påstod sig ha målat de sista målningarna, men som konsthistoriker visste han att målningens slut aldrig skulle komma, så länge det finns konstnärer villiga att måla.

En viss förståelse för Ad Reinhardt finns i detta citat från Bruce Lee: “Att förändras med förändring är det oföränderliga tillståndet.” Genom att erbjuda ett alternativ till de dominerande trenderna i stunden säkerställde Reinhardt att konsthistorien skulle fortsätta. Liksom Svarta kvadraten av Kasimir Malevich avslutade inte Ad Reinhardts svarta målningar målningen, utan drev snarare kontinuiteten framåt. Genom att vara dogmatisk insisterade han inte på att det bara fanns ett sätt, han gav en gåva till nästa generation: en fiende att kämpa mot: en purist att motsätta sig och en ideologi att trotsa.

Framhävd bild: Ad Reinhardt - Nummer 6, 1946. Olja på masonit. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio