Hur Ad Reinhardt lärde oss att se på modern konst

Vad betyder det att vara en purist? Är det som att vara inskränkt? Eller är strävan efter renhet i grunden ädel, som jakten på perfektion? För den amerikanske abstrakte konstnären Ad Reinhardt var renhet avgörande för fin konst. I sin essä från 1953, “Twelve Rules for a New Academy,” definierade Reinhardt fin konst som “konst tömd och renad från alla andra än konst betydelser.” Han fortsatte att förklara att, “Ju fler användningar, relationer och "tillägg" en målning har, desto mindre ren är den. Ju mer grejer i den, desto mer upptagen är konstverket, desto sämre är det. 'Mer är mindre'.” Detta kan låta som ett konstigt uttalande från en målare som är associerad med de abstrakta expressionisterna, konstnärer som definitivt lade mer på sina dukar, inte mindre. Men även om Reinhardt började sin karriär med att måla uttrycksfulla, dynamiska dukar, förändrade hans strävan efter renhet drastiskt hans tillvägagångssätt över tid. Han reducerade så dramatiskt innehållet i sina målningar under sin karriär att han under de sista åren av sitt liv endast målade med färgen svart. Vid tiden för hans död 1967 var han så säker på renheten i sina ansträngningar att han proklamerade att han hade målat de sista målningarna som någonsin behövdes.

Art Made Fine

Sökandet efter renhet kan verka bättre lämpat för ett kloster än en konststudio. Men Ad Reinhardt var lika mycket en filosof som han var en konstnär. Och en av hans bästa vänner var faktiskt en munk i ett kloster. Reinhardt utbytte regelbundet brev med honom, lekfullt bytte synpunkter om livets och konstens natur. I forskarutbildningen studerade Reinhardt konsthistoria, ett ämne som han visste mer om än kanske någon annan konstnär i sin generation. Kanske hade hans intresse för att upptäcka den ultimata manifestationen av renhet i konsten lika mycket att göra med intellektuell och andlig nyfikenhet som med hans önskan att definiera sin egen relevans i konsthistoriens kontinuitet.

När han först började ställa ut sina målningar i New York på 1940-talet, var de i linje med den dominerande framväxande stilen vid den tiden, Abstrakt expressionism. De var måleriska, gestikulerande, fulla av livfulla färger och levande med abstrakta markeringar. Mindre än ett decennium senare avvisade han passionerat allt detta, publicerade ett dogmatiskt, nästan komiskt specifikt, ofta motsägelsefullt manifest som beskrev den exakta metoden för att skapa rena, moderna målningar: målningar som för övrigt var helt olika hans egna tidiga verk. Om det verkar paradoxalt, hjälper det att komma ihåg Reinhardts egna berömda ord: “Konst är för allvarlig för att tas på allvar.”

Ad Reinhardt - Abstrakt målning, 1960. Olja på duk. © 2018 Ad Reinhardt-stiftelsen / Artists Rights Society (ARS), New York

Att avveckla avantgarden

För att förstå det kulturella klimat där Reinhardt verkade, är det bra att se tillbaka på modernismens historia. Före andra världskriget hade nästan alla avantgardistiska konstnärliga rörelser sitt ursprung utanför Amerika. Efter andra världskriget födde Amerika några av de mest inflytelserika modernistiska rörelserna under seklet, inklusive abstrakt expressionism, minimalism och postexpressionism. Vad hände som ledde till denna förändring i den amerikanska konstens inflytande? Det hade mer att göra med politik än med konst.

Efter den tyska revolutionen i kölvattnet av första världskriget kom en representativ regering till makten i Tyskland som kallades Weimarrepubliken. Denna demokratiskt valda regering införde omfattande sociala, politiska och ekonomiska reformer som ledde till stora kulturella förändringar i hela Tyskland. Inom denna transformativa miljö blomstrade den tyska modernismen. Bauhaus grundades samma år som Weimarrepubliken, och i samma stad, och under de kommande 14 åren utvecklades Tyskland till en ledande progressiv kraft inom konsten.

Ad Reinhardt - Nyhetstryck Collage, 1940. Klippt och klistrat tryckt papper och svart papper på skiva. 15 7/8 x 20 tum (40,6 x 50,8 cm). MoMA-samlingen. © 2018 Ad Reinhardts egendom / Artists Rights Society (ARS), New York  

Purismens mörka sida

När aktiemarknaden kraschade 1929, såg Tyskland, precis som de flesta andra västerländska länder, sin ekonomi kollapsa. Den efterföljande globala depressionen orsakade mycket frustration i livet för vanliga arbetande människor. När naziregimen kom till makten i Tyskland 1933, var det under förevändningen att återställa Tyskland till sin historiska storhet och vända trenderna från den senaste tiden. En av de första sakerna som nazistpartiet gjorde var att utöva inflytande över den tyska kulturen. Modern konst var ett nyckelmål.

Under ledning av Adolf Hitler utvecklade nazisterna ett koncept av ren tysk konst. Det inkluderade endast traditionell, klassisk konst som följde deras definition av ras- och nationalistisk identitet. All konst utanför den definitionen kallades degenererad. Så började en exodus av avantgardekonstnärer från Tyskland. Och när den nazistiska påverkan spreds utanför Tyskland, fann moderna konstnärer över hela Europa sig själva under samma förföljelse.

Ad Reinhardt - Studie för en målning, 1938. Gouache på papper. 4 x 5 tum (10,2 x 12,8 cm). MoMA-samlingen. © 2018 Ad Reinhardts egendom / Artists Rights Society (ARS), New York

Återmontering av avantgarden

Under slutet av 1930-talet och början av 1940-talet fann varje europeisk modern konstnär med medel ett sätt att åka utomlands. Som en av de enda globala huvudstäderna som inte var belägrad av fascistiska makter blev New York City en fyr för avantgardekonstnärer från hela världen. De nyanlända konstnärerna blandade sig med den redan livliga abstrakta konstscenen i New York, som inkluderade amerikanskfödda konstnärer som Jackson Pollock samt konstnärer som Willem de Kooning och Arshile Gorky som hade immigrerat dit efter första världskriget. Ur denna kultur uppstod de första amerikanska modernistiska konströrelserna.

Ad Reinhardt kom in i konstnärlig mognad som medlem av denna generation av post- andra världskriget avant-garde New York-konstnärer. Han var fullt engagerad i den livliga blandningen av politiska, filosofiska, sociala och kulturella samtal som ägde rum i denna mångsidiga, internationella gemenskap. Han deltog i protester och var delaktig i scenen på alla tänkbara sätt. Men han var oense med sina samtida på ett grundläggande sätt. Medan de ansåg att deras liv och deras konst var sammanflätade som en holistisk upplevelse, trodde Reinhardt att det var fel väg. Som han uttryckte det: “Konst är konst. Livet är livet.”

Ad Reinhardt - Studie för en målning, 1939. Gouache på papper. 3 7/8 x 4 7/8 tum (10 x 12,5 cm). MoMA-samlingen. © 2018 Ad Reinhardt-stiftelsen / Artists Rights Society (ARS), New York

Sök efter invariant

Som ett sätt att utveckla sin konst bortom sina samtida formulerade Reinhardt en idé om det "upplysta objektet", ett konstverk som inte refererade till något utanför sig själv, någon utanförlig idé, utan helt enkelt existerade som ett enskilt exempel på sitt rena jag. Det upplysta objektet var en form av vad en spiritualist skulle kunna kalla "invarianten", den stora ultimat, den oföränderliga substansen som även mitt i transformation inte förändras. I grund och botten sökte han den konstnärliga versionen av Gud.

Reinhardt sökte det oföränderliga genom negation, vilket betyder att han istället för att definiera vad ren konst är definierade vad ren konst inte är. Hans 12 Regler För En Ny Akademi, publicerad 1953, innehöll hans lista över negationer, formulerade som regler för hur man ska nå ren konst. Dessa regler inkluderade: Ingen realism, ingen impressionism, ingen expressionism, ingen skulptur, ingen plasticism, ingen collage, ingen arkitektur, ingen dekoration, ingen textur, inget penseldrag, inga skisser av idéer i förväg, inga former, ingen design, inga färger, inget ljus, ingen rymd, ingen tid, ingen storlek, ingen rörelse, inget ämne, inga symboler, inga bilder och ingen njutning. Han tillade, “Externt, håll dig borta från alla relationer, och internt, ha inga längtan i ditt hjärta.”

Ad Reinhardt - Papperscollage, 1939. Hirshhorn Museum och Skulpturträdgård, Washington DC. © 2018 Ad Reinhardts egendom / Artists Rights Society (ARS), New York

Att förändras med förändring

Det är viktigt att ha i åtanke när man läser 12 regler för en ny akademi att Reinhardt arbetade som komediskribent på college, och också att han var en andlig och filosofisk person. Han hade en vass humor och talade ofta medvetet i paradoxala uttalanden. Även om han trodde att alla hans regler var möjliga att följa individuellt, måste han också ha vetat att följa dem alla samtidigt innebar att vissa skulle brytas.

Till exempel, när det gällde de Svarta Tavlorna som han tillbringade de sista 12 åren av sitt liv med att måla, refererade han till dem som, “En fri, omanipulerad, omanipulerbar, värdelös, omarknadsförbar, irreducerbar, ofotografierbar, oåtergivbar, oförklarlig ikon.” Men de var inte fria; de var produkten av ett ideologiskt, dogmatiskt system. Och när det gäller att vara ofotografierbar och omarknadsförbar, såldes de faktiskt snabbt, och fortsätter att dyka upp till försäljning regelbundet på auktion idag, med fina fotografier inkluderade i katalogerna. Så gjorde Reinhardt ett skämt? Eller gjorde han ett mer djupgående uttalande om komplexiteten i att skapa och prata om abstrakt konst?

Ad Reinhardt - Utan titel, 1947. Olja på duk. National Gallery of Art, Washington DC. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York

Det oföränderliga tillståndet

Att förstå Reinhardt innebär att förstå hans kultur. Reinhardt var en del av en konstscen som dominerades av passionerat, känslomässigt, personligt och måleriskt arbete. Hans svar på detta var att förespråka för dess motsats. När konstnärer passionerat förespråkade att konsten skulle återintegreras i vardagslivet, insisterade Reinhardt på att konst och liv är separata. Han hävdade att han hade målat de sista tavlorna, men som konsthistoriker visste han att slutet på måleriet aldrig skulle komma, så länge det finns konstnärer som är villiga att måla.

Någon förståelse av Ad Reinhardt finns i detta citat från Bruce Lee: “Att förändras med förändringen är det oföränderliga tillståndet.” Genom att erbjuda ett alternativ till de dominerande trenderna för stunden, säkerställde Reinhardt att konsthistorien skulle fortsätta. Liksom Svarta kvadraten av Kasimir Malevich, avslutade inte Ad Reinhardts svarta målningar måleriet, utan drev snarare kontinuiteten framåt. Genom att vara dogmatisk insisterade han inte på att det bara fanns ett sätt, han gav en gåva till nästa generation: en fiende att arbeta emot: en purist att motstå och en ideologi att trotsa.

Utvald bild: Ad Reinhardt - Nummer 6, 1946. Olja på masonit. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), New York
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio