Hur 9th Street Art Exhibition steg ut ur New Yorks konstkanoner 1951

Vissa säger att 9th Street Art Exhibition var en radikal handling av kulturstörning. Andra menar att det var en desperat handling initierad av en grupp svältande konstnärer som inte hade någon annanstans att visa sina verk. I verkligheten kan det ha varit lite av båda. Oavsett är utställningen legendarisk. Den hölls 1951 i en övergiven butikslokal i Lower Manhattan, i en byggnad som skulle rivas, och visade verk av omkring 70 konstnärer. Nästan alla deltagare var i stort sett okända vid den tiden, då de hade blivit utestängda av gallerier, museer och samlare som styrde New Yorks konstscen. Deras avvisande berodde till stor del på att deras verk var experimentella och ofta abstrakta, vilket stred mot den amerikanska marknadens smak. Nästan alla konstnärer i utställningen tillhörde också en social krets kring ”The Club,” en lös sammanslutning av avantgardistiska konstnärer och intellektuella som regelbundet möttes i en byggnad på 39 East 8th Street. En serie samtal på The Club om hur man skulle få institutionerna att visa respekt för deras verk ledde till idén att om de kunde hålla en tillräckligt stor grupputställning och skapa tillräckligt mycket uppmärksamhet i staden, kanske de kunde bryta igenom den kritiska dimman och äntligen få sina verk och idéer bedömda ärligt och rättvist av den amerikanska allmänheten. Med nästan inga pengar mellan sig gick de ihop och samlade sina resurser, och lyckades arrangera en monumental utställning som inte bara gav många av dem kritiskt erkännande, utan som också grundläggande förändrade den amerikanska konstvärlden.

Castelli-kopplingen

Inledningsvis var den största oron för konstnärerna som deltog i 9th Street Art Exhibition frågan om vem som skulle hänga upp utställningen. Trots sin kamratskap hade denna grupp konstnärer några av de största egona världen någonsin skådat. De var begåvade, lysande och hårt konkurrerande, och de fruktade med rätta att favorisering, politik eller ren korruption skulle leda till att vissa konstnärer fick förtur i utställningen. Utställningslokalen bestod av en lokal i gatunivå och en källare. Vem skulle få vara uppe, och vem skulle gå ner? Vem skulle ha sina verk i fönstret? Det var avgörande frågor. Den enda person som alla konstnärer verkade lita på var en italiensk invandrare vid namn Leo Castelli, som hade viss erfarenhet som konsthandlare i Europa och som också var en av få icke-konstnärliga medlemmar i The Club.

Castelli accepterade den stora uppgiften att kurera utställningen, och han stod också för större delen av kostnaderna. Hyran för den förfallna lokalen under hela utställningens tid var bara 70 dollar. Men nästan alla som var involverade i utställningen var pank, och några svalt bokstavligen. Castelli betalade notan, och konstnärerna gjorde allt arbete med att renovera lokalen. Franz Kline gjorde allt reklamaterial och designade katalogen. Den uppmärksamhet deras förberedelser skapade spreds över hela New York, och ju närmare öppningen de kom, desto mer spänd blev stämningen bland konstnärerna. När Castelli många år senare mindes upplevelsen, sade han att även om alla var glada över den uppmärksamhet utställningen fick, var nästan varje konstnär missnöjd med hur deras verk presenterades. Det betyder att Castelli uppenbarligen gjorde sitt jobb perfekt, eftersom det bästa måttet på en lyckad förhandling är th/blogs/magazine/abstract-expressionist-artists-you-need-to-know

Franz Kline - Affisch för 9th Street Art Exhibition, 1951

En viktig länk i en betydelsefull kedja

När 9th Street Art Exhibition öppnade ringlade sig en kö av människor längs gatan som väntade på att komma in. Bland besökarna fanns några av de mest inflytelserika personerna i New Yorks konstvärld – handlare, samlare och museichefer. Verken de såg i utställningen skapades av konstnärer som snart skulle bli ledande inom viktiga nya konstriktningar som abstrakt expressionism, postmålerisk abstraktion, popkonst, fältsmåleri, hård kant-abstraktion och neoexpressionism, stilar som hjälpte till att definiera amerikansk konst under 1950-, 60- och 70-talen. Några av dessa konstnärer fick så gynnsam uppmärksamhet att de fick representation i stora gallerier tack vare utställningen, och bara några år senare fann sig flera kämpa med helt nya utmaningar kopplade till plötslig rikedom och berömmelse. Men kommersiell framgång var knappast det enda arv denna utställning lämnade efter sig. Den verkliga anledningen till att 9th Street Art Exhibition var så viktig är vad den gjorde för att upprätthålla en lång tradition av konstnärsorganiserade kulturella uppror.

Historien om konstnärsorganiserade motutställningar sträcker sig åtminstone tillbaka till 1874, när ”Den anonyma målarföreningen” höll sin första utställning av impressionistisk konst i fotografen Nadars ateljé. Den fortsatte 1884, när Salon des Artistes Indépendants höll sin första utställning med proklamationen ”sans jury ni récompense,” ”utan jury eller pris.” 9th Street Art Exhibition fortsatte den traditionen. Och alla dessa utställningar lade grunden för de experimentella konstkollektiven och konstnärsdrivna lokaler som definierade avantgarden under slutet av 1900-talet, och som fortfarande är en drivkraft för nyskapande idag. Kanske lever vi nu i en tid då den kommersiella marknaden har ersatt statlig censur och intellektuella fördomar från förr. Det verkar som om de allra flesta konstnärer idag ignoreras om de inte kan generera stora vinster för handlare eller sälja tiotusentals biljetter till institutioner. Men detta är ingen anledning att bli nedslagen. Det är snarare den perfekta anledningen att se tillbaka och minnas lärdomen från 9th Street Art Exhibition: att en del av den mest livfulla, engagerande och energiska konsten i framtiden förmodligen gömmer sig i öppen dager just nu, där vi minst anar det.

Framträdande bild: Franz Kline - Studie för Ninth Street, 1951. Olja och blyerts på kartong. 20 x 25,4 cm. (7,9 x 10 tum)

Av Phillip Barcio