Hårdkantmålning och estetiken av abstrakt ordning

Vill du klättra in i en hard-edge målning? Nästa gång du är i Las Vegas, gå till Cosmopolitan Hotel and Casino. På gatuplan finns det ett Starbuck's kaffehus. Gå in i det och titta upp på väggarna. Du kommer att märka ljusa fläckar av primärfärg målade på olika ytor och armaturer. På en av väggarna kommer du att se signaturen av mannen som målade dessa färgfläckar: den franske konstnären och fotografen Georges Rousse.

"Om du går till den bortre änden av rummet kommer du att se en plats markerad på golvet som inbjuder åskådare att stå på den. Från den platsen, och endast från den platsen, uppfylls Rousse’s vision. De målade ytorna är en del av en illusion, en tredimensionell förverkligande av en geometrisk abstrakt målning som upptar arkitektoniskt utrymme."

John McLaughlin - Untitled, 1951, Olja på Masonite, 23 ¾ × 27 ¾ tum, Med vänlig hälsning från Van Doren Waxter

Vad är hard-edge målning?

Uttrycket hard-edge painting myntades i slutet av 1950-talet av Jules Langsner, en konstskribent för tidningen Los Angeles Times. Termen var en referens till en gammal tendens som började återkomma i en mängd olika abstrakta konststilar, men som var särskilt utbredd i Kalifornien vid den tiden. Tendensen involverade användningen av geometriska former målade i djärva, fulla färger som tydligt separerades från varandra med hårda, solida kanter. Två av de ledande hard-edge-målarna som Langsner syftade på när han myntade termen var John McLaughlin och Helen Lundeberg.

Denna typ av målning hade gjorts tidigare i århundraden och hade gjort sin närvaro känd i många olika kulturer. Även inom området västerländsk abstrakt konst hade denna tendens att arbeta med djärva färger, väldefinierade former och skarpa kanter dykt upp tidigare, till exempel i verken av Kazimir Malevich och Piet Mondrian.

Estetiken av hard-edge-målning hade fallit ur modet under 1940- och 50-talen, delvis tack vare den ökande populariteten av det emotionella, gestural arbetet som utfördes av de abstrakta expressionisterna. Som det har kommit att användas i nutida mening, hänvisar termen hard-edge-målning inte så mycket till någon särskild stil eller rörelse inom måleri, utan snarare en tendens som moderna konstnärer i många olika stilar har tillämpat, och fortsätter att tillämpa, i sin estetik.

Helen Lundeberg - Blue Planet, 1965, Akryl på duk, 60 x 60 tum, Marilynn och Carl Thoma-samlingen. © Feitelson Arts Foundation, i samarbete med Louis Stern Fine Arts

Kazimir Malevich - Röd kvadrat, 1915, Olja på duk, 21 × 21 tum, Ryska museet, Sankt Petersburg

Skönhetens filosofi

För många människor är en av de mest förvirrande elementen i abstrakt konst att den inte tilltalar någon objektiv definition av skönhet. Åtminstone i den västerländska världen har estetisk skönhet i målning i århundraden definierats av naturliga och figurativa motiv, såsom porträtt och landskap. Före uppkomsten av abstraktion, för att ett konstverk skulle anses estetiskt vackert förväntades det normalt att återskapa något som ansågs vackert i den objektiva världen, såsom en ängel, eller en historisk person, eller en äng.

När konstnärer började dissekera elementen av vad måleri var, utmanade de konceptet av vad som kunde vara vackert. Kunde ljusets egenskaper på egen hand anses vara vackra? Impressionisterna tyckte det. Kunde färg på egen hand anses vara estetiskt vacker? Orfister tyckte det. Många konstnärer och konstnärliga rörelser har sedan dess till och med utmanat tanken på huruvida estetisk skönhet ens är relevant. Bör konst ha något att göra med skönhet?

Piet Mondrian - Komposition II i röd, blå och gul, 1930, Olja på duk, 46 x 46 cm, The Metropolitan Museum of Art

Ordningens skönhet

Oavsett de filosofiska spel som konstnärer, kritiker och akademiker spelar med varandra, är faktumet att skönhet betyder något för betraktarna. Konstbetraktare vill vara i närheten av objekt som får dem att må bra. De vill att konsten ska delta i deras strävan efter tillfredsställelse, oavsett vad det betyder för dem. Även om varje konstkritiker i världen anser att en viss målning har enorm historisk betydelse, om ingen betraktare vill vara i närheten av den, så minskar dess värde med rätta. Den grundläggande sanningen att människor gillar att vara runt estetiskt tilltalande saker är något som många abstrakta konstformer har brottats med, och det är något som hårdkantad målning har hjälpt många betraktare att konfrontera.

Det finns skönhet i ordning. Det finns skönhet i rationalitet. Det finns skönhet i färg. Det finns skönhet i linje. Det finns skönhet i något som är orört, oförstört, rent och förnuftigt. Medan många betraktare även idag har svårt att först se skönheten i kubistiska verk, eller de abstrakta målningarna av Wassily Kandinsky, är det obestridligt att det finns något attraktivt, eller åtminstone psykologiskt tillfredsställande, med målningar som tilltalar vår önskan om struktur. Den hårda geometriska abstraktionen i Malevichs Suprematist målningar och Mondrians De Stijl-målningar är vacker eftersom den är en estetisk motgift mot kaos.

Jackson Pollock - Blue Poles, eller Nummer 11, 1952, emalj och aluminiumfärg med glas på duk, 83,5 tum × 192,5 tum, National Gallery of Australia, Canberra

En fråga om smak

Självklart är inget av detta att säga att andra typer av abstrakt konst inte är vackra. Skönhet är en fråga om smak. Till exempel har olika betraktare en olika förmåga att avtäcka komplexiteter. Vad som ser ut som kaos för ett par ögon ser idylliskt ut för ett annat. Tydligt är anledningen till att aktionskonstnärer som Jackson Pollock och Willem de Kooning var så framgångsrika som de var att så många betraktare fann deras arbete tillgängligt, relaterbart och vackert. Även om vissa betraktare definitivt anser att en målning som Pollocks Blue Poles är en röra, anser långt fler betraktare att det är ett uttryck för mänskliga universaliteter och primär personlig sanning.

Anledningen till att hard-edge-målning kom tillbaka i stil på 1950-talet är kanske för att Abstract Expressionism var så känslosam. Det hade trots allt uppstått efter de mest våldsamma, katastrofala och skrämmande tiderna i mänsklighetens historia, efter andra världskriget och framväxten av atomkrig. Det är rimligt att åskådare som konfronterade sin egen utrotning dag ut och dag in på kvällsnyheterna så småningom skulle önska en återgång till något som var mer gynnsamt för en känsla av inre lugn och någon form av ordning.

Den hårda kantmålningen från 1950- och 60-talen erbjöd just det. Den erbjöd en återgång till de formella, klassiska egenskaperna hos geometrisk abstraktion. Istället för att se på skräcken i våra psyken och kaoset som är inneboende i våra primala känslor, erbjöd hård kantabstraktion oss en tillflykt i ett kontemplativt, meditativt rum där form, färg, linje och yta var allt som betydde något. Där kunde vi meditera över de grundläggande byggstenarna i saker och kanske förvandla oss själva, åtminstone tillfälligt, till något annat.

Donald Judd - 15 oetablerade verk i betong, 1980-1984, Marfa, TX, The Chinati Foundation, Marfa

Minimalism och mer

Återkomsten till formell, skarp estetisk stil hjälpte till att inspirera en massiv kreativ evolution inom abstrakt konst under mitten av 1900-talet. Det inspirerade uppkomsten av Color Field-målarna, såsom Kenneth Noland, som använde platta ytor och stora färgfält för att skapa mediterande målningar genom vilka betraktarna kunde uppleva transcendentala känslor. Det inspirerade Post-Painterly-abstraktionen, en rörelse som ägnade sig åt att dölja konstnärens hand och framhäva formella kvaliteter som färg, linje, form och yta. Det hjälpte också till att inspirera tankarna hos konstnärer som Donald Judd och de som är associerade med Minimalism, som uppnådde höjden av känslolös uttryck genom att omfamna estetisk formalisme.

James Turrell - Raethro Pink (Hörnprojektion), 1968, © James Turrel

Ett större arv

Hårdkantmålning inspirerade också konstnärerna inom ljus- och rymdrörelsen. Den som någonsin har varit inne i ett immersivt verk av James Turrell, eller stött på ett av hans verk som använder "öppningar", hårdkantade hål skurna i ytor som låter ljus komma igenom, kan tydligt se kopplingen mellan detta verk och hårdkantmålning.

Även installationskonstnären James Irwin har kopplats till arvet från hard-edge-målarna genom sina ljusverk. De mest kända exemplen är Irwins akrylinstallationer, där en klar, böjd, cirkulär akryldel sträcker sig ut från en vägg och sedan belyses, vilket skapar linjer, geometriska mönster och en växelverkan av ljus och skugga på den omgivande ytan. Dessa verk utvidgar principerna för hard-edge-målning till tredimensionellt utrymme, vilket gör att de kan bebo av betraktaren.

Robert Irwin - Untitled, 1969m Akrylfärg på gjuten akryl, 137 cm i diameter, © 2017 Robert Irwin / Artists Rights Society (ARS), New York  

Ett perspektiv

Huruvida hårdkantmålning är vackrare än mer känslomässiga målarstilar eller vice versa är enbart en fråga om åsikt. Och åsikter förändras. Återvänder vi till det Starbucks i Las Vegas kan vi se att det är den verkliga essensen av budskapet som Georges Rousse kanske försöker förmedla med sitt arbete. En hårdkantmålning av en geometrisk form kan ge oss ordning och klarhet. Men inte alla finner lycka i ordning och klarhet. Vissa av oss gillar att saker är slumpmässiga. Vissa av oss njuter av kaoset. Den sanna skönheten i Rousses hårdkantverk är att med ett enkelt steg i vilken riktning som helst mjuknar och skiftar kanterna. De bevisar att perspektiv verkligen är allt.

Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio