Dessa konstnärer fortsätter att omdefiniera 3D-tryckt konst

Jag hörde ett skämt en gång på en konstutställning med 3D-printad konst. Det gick något i stil med: "Hur vet du att du tittar på ett verk av 3D-printad konst?" Svar: "För att alla säger det." Det fick mig att skratta först och främst för att det är sant, folk tenderar att vara så exalterade över detta medium att de helt enkelt inte kan motstå att prata om det. Och för det andra skrattade jag för att i nästan varje fall av 3D-printad konst jag har sett, verkade det för mig irrelevant att det var gjort med en 3D-skrivare. Inget med dessa verk verkade kräva teknologin. Allt kunde ha gjorts med något annat medel. Vilket väcker frågan: Vad pratar alla om? 3D-skrivare är bara verktyg, inte annorlunda i sin natur än, säg, projektorer. Jag har aldrig haft någon som kommit fram till mig i ett galleri, pekat på en teckning och sagt: "Det var gjort med en projektor." Men å andra sidan har jag aldrig haft någon som kommit fram till mig och sagt: "Det var helt gjort av assistenter medan konstnären var på semester." Poängen är, det spelar ingen roll. När idén för ett konstverk har formats och steg tas för att förverkliga det, spelar det ingen roll om det faktiska arbetet utförs av denna maskin eller den maskinen, eller detta par händer eller det paret av händer. Faktumet att en 3D-skrivare användes för att skapa konst validerar på inget sätt verket – det är bara en aspekt av upplevelsen, och vanligtvis den minst viktiga aspekten av allt. Detta, åtminstone, är min åsikt. Så när jag blev ombedd att skriva om konstnärer som omdefinierar 3D-printad konst, antog jag perspektivet att jag skulle lyfta fram konstnärer som har intressanta idéer och gör verk jag skulle vilja prata om oavsett hur verket blir till. Så med den förutsättningen, här är sju konstnärer som använder 3D-printingsteknik för att skapa sina verk och som, genom styrkan av sina idéer, omdefinierar platsen för detta nya verktyg i samtida estetik.

Rirkrit Tiravanija

Om du någonsin har hört termen Relational Aesthetics, eller Relational Art, har du förmodligen hört talas om den thailändska konstnären Rirkrit Tiravanija. Hans arbete var avgörande för den ökande populariteten av denna typ av konstupplevelse under 1990-talet. Hans mest kända relationella konstutställning kallades pad thai. För utställningen, som hölls på Paula Allen Gallery i New York 1990, lagade konstnären pad thai i rummet och serverade det till besökarna i galleriet. Utställningen hjälpte till att definiera relationell estetik som en utforskning av idén att konstnärer inte så mycket är skapare, utan faciliteter för upplevelser. De mänskliga relationerna som uppstår ur dessa upplevelser är det som är mest viktigt.

Mer nyligen har Tiravanija fått uppmärksamhet för sin immersiva installation på Art Basel Hong Kong 2017, som ifrågasatte konstens och konsthistoriets roll inom den mänskliga upplevelsen. Verket var i grunden en gigantisk labyrint konstruerad av traditionellt bundet bambu. Besökare gick in i labyrinten, och medan de fann sin väg inom den stötte de gradvis på fem 3D-printade bonsaiträd, var och en placerad på en träpelare inspirerad av de skulpturala baser som en gång skapades av konstnären Constantin BrâncuÈ™i. Det faktum att bonsaiträden är 3D-printade är inte det viktigaste. Det är det faktum att de är artificiella som betyder något. Poängen med ett bonsaiträd är att det är en naturlig sak som störs av mänskliga händer på ett sådant sätt att den mänskliga inblandningen är oigenkännlig. I det här fallet kombinerar trädenas artificiella natur med de tankeväckande begreppen inspirerade av labyrinten, allt blandat med konsthistoriska referenser, för att ge betraktarna en abstrakt, öppen upplevelse som kräver social interaktion för att förstå dess potentiella betydelse.

Rirkrit Tiravanija - Untitled 2017 (no water no fire), 2017. 3D printed bonsai tree on wooden base. © Rirkrit Tiravanija, Courtesy of gallery Neugerriemschneider, Berlin

Åldrar Somers

Ordet vanitas kommer från latin och betyder tomhet. Det användes i Nederländerna under 1500- och 1600-talet som namnet på en typ av stillebenmålning. Vanitasmålningar är i grunden stillebenmålningar som visar samlingar av banala, materiella objekt, vanligtvis tillsammans med människoskallar, som illustrerar meningslösheten i jakten på jordiska ting. Den nederländska konstnären och designern Wieki Somers använde det visuella språket som är vanligt i vanitasmålningar i en serie 3D-printade konstverk som hon skapade 2010, som svar på en designkonkurrens som bad designerna att "tänka på begreppet framsteg." Med titeln Consume or Conserve innehöll serien hon skapade tre stilleben-skulpturala tableau. Varje tableau bestod av banala, vardagliga produkter, såsom en våg, en dammsugare och en brödrost, helt 3D-printade av askan från mänskliga kvarlevor.

I sin förklaring av arbetet påpekade Somers att människans teknologi har avancerat till den punkt där vi snart kan stå inför utsikten av evigt liv. "Men," frågade hon, "vad är ett evigt liv bra för om vi bara använder det för att fortsätta vara blotta konsumenter som strävar efter mer och mer produkter, oavsett konsekvenserna? Om vi fortsätter på denna väg av okritiserad innovation, kan vi en dag upptäcka att vi har förvandlats till de själva produkter vi monterar." Hon följde det konceptet till sin logiska slutsats, bokstavligen skapande produkter av resterna av en gång värdefulla mänskliga liv.

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D printed human remains. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

Den New York-baserade konstnären Stephanie Lempert skapar verk om kommunikation. Hon hoppas kunna dra vår uppmärksamhet till språket och de sätt vi använder det för att kommunicera våra berättelser, våra historier och våra minnen för att skapa mening i våra liv. Som en multidimensionell konstnär använder Lempert en mängd olika medier. Ett av hennes mest koncisa verk är en serie som kallas Reconstructed Reliquaries, för vilken hon skapade skulpturala reliker som bokstavligen är byggda av språk. Dessa objekt talar för sig själva på flera nivåer. Lempert skapade dem genom att använda 3D-utskriftsprogramvara. Hon föredrar dock att använda branschstandarden, men mindre trendiga termer, rapid prototype sculpture.

Stephanie Lempert - Reconstructed Reliquaries, In Search of Lost time, 2011. Rapid Prototype Sculpture. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

Den nederländske konstnären Theo Jansen blev först känd på 1990-talet när han började skapa sina Strandbeests, gigantiska, kinetiska varelser som verkar gå omkring av sig själva. De är, som han kallar dem, "självgående stranddjur." Du kanske har sett filmklipp av dem som poetiskt kryper över stränder runt om i världen. Delvis designer, delvis ingenjör och delvis konstnär, sade Jansen en gång: "Väggarna mellan konst och ingenjörskonst finns bara i våra sinnen." Normalt är hans stora skapelser gjorda av PVC-rör. Men nyligen började han göra sina skapelser tillgängliga för nästan alla genom att erbjuda miniatyrer, 3D-utskrivna Strandbeests till försäljning för endast €160,00. Mest underbart är att alla som kan få tag på planerna kan få en utskriven. Som hans webbplats säger: "Theo Jansens Strandbeests har funnit ett sätt att föröka sig genom att injicera sin digitala DNA direkt i 3D-utskrivningssystem."

Theo Jansen - Miniature 3D printed Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Det belgiska konstnären Nick Ervincks arbete skriker av livfulla färger och spännande former, och förkroppsligar tanken att ett objekt som upptar utrymme också kan skapa utrymme. Hans skulpturer kommer i alla storlekar, från miniatyrer till monumentala offentliga verk. Genom att designa sina egna 3D-utskriftsverktyg och tekniker, pressar han gränserna för detta verktyg, och använder det inte bara som ett mål i sig själv utan som en egenartad metod för att förverkliga sina personliga visionära skapelser.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyurethane and polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Hope

Den Brooklyn-baserade konstnären Shane Hope använder 3D-printade cellstrukturer som ett element i sina abstrakta målningar. På avstånd ser de ut som måleriska verk som är högt staplade med impasto penseldrag, men vid närmare granskning avslöjar sig staplar av sammansatta nano-strukturer. Att detta element har 3D-printats är inte uppenbart eller nödvändigt för att uppskatta verken, men övervägande av teknikens implikationer lägger till lager till deras potentiella betydelse.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-printed PLA molecular models on acrylic substrate. © Shane Hope, courtesy of Winkleman Gallery, New York

Monika Horcicova

Det arbete som den tjeckiska konstnären Monika Horcicova gör är spöklikt och vackert. Hon återkommer till teman kring mänskliga ben och skelettstrukturer, och skapar kompositioner som utmanar våra idéer om vår egen mening och potential. Även om hon inte arbetar uteslutande i mediet, använder hon ofta 3D-utskriftsteknik för att skapa sina gipskompositskulpturer.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D printed plaster composite. © Monika Horcicova

Utvald bild: Rirkrit Tiravanija - Untitled 2013 (indexical shadow no.1), 2013-2017. Bas av rostfritt stål (3 x paneler), 3D-utskriven plast (Bonsai-träd), kub av rostfritt stål (sockel). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 tum, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija och Pilar Corrias Gallery, London
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio