Dessa konstnärer fortsätter att omdefiniera 3D-tryckt konst

Jag hörde ett skämt en gång på en konstvernissage med 3D printed art. Det gick ungefär så här: ”Hur vet du att du tittar på ett verk av 3D-printad konst?” Svar: ”För att alla berättar det för dig.” Det fick mig att skratta, för det är sant, folk blir så entusiastiska över detta medium att de bara inte kan låta bli att prata om det. Och för det andra skrattade jag för att i nästan varje fall av 3D-printad konst jag sett, verkade det faktum att det skapats med en 3D-skrivare vara irrelevant. Inget i dessa verk verkade kräva tekniken. Allt kunde ha gjorts med någon annan metod. Vilket väcker frågan: Vad är det alla pratar om? 3D-skrivare är bara verktyg, inte annorlunda i sin natur än, säg, projektorer. Jag har aldrig haft någon som kom fram till mig i ett galleri, pekade på en teckning och sa, ”Den gjordes med en projektor.” Men å andra sidan har jag aldrig haft någon som kom fram och sa, ”Den gjordes helt av assistenter medan konstnären var på semester.” Poängen är att det inte spelar någon roll. När idén till ett konstverk väl är formad och steg tas för att förverkliga den, spelar det ingen roll om det faktiska arbetet utförs av denna maskin eller den maskinen, eller denna hand eller den handen. Att en 3D-skrivare använts för att skapa konst validerar inte verket på något sätt – det är bara en aspekt av upplevelsen, och oftast den minst viktiga aspekten. Det här är åtminstone min åsikt. Så när jag blev ombedd att skriva om konstnärer som omdefinierar 3D-printad konst, antog jag perspektivet att jag skulle lyfta fram konstnärer med intressanta idéer som gör verk jag vill prata om oavsett hur verken skapas. Med den reservationen gjord, här är sju konstnärer som använder 3D-printteknik för att skapa sina verk och som, genom styrkan i sina idéer, omdefinierar denna nya tekniks plats i samtida estetik.

Rirkrit Tiravanija

Om du någonsin hört begreppet Relational Aesthetics eller Relational Art, har du förmodligen hört talas om den thailändske konstnären Rirkrit Tiravanija. Hans verk var avgörande för populariseringen av denna typ av konstupplevelse på 1990-talet. Hans mest kända relationskonstutställning hette pad thai. För utställningen, som hölls på Paula Allen Gallery i New York 1990, skapade konstnären inte och visade inte verk, utan lagade pad thai i lokalen och serverade det till besökarna. Utställningen hjälpte till att definiera relationsestetik som en utforskning av idén att konstnärer inte så mycket är skapare, utan snarare möjliggörare av upplevelser. De mänskliga relationer som uppstår ur dessa upplevelser är det viktigaste.

På senare tid har Tiravanija fått uppmärksamhet för sin immersiva installation på Art Basel Hong Kong 2017, som ifrågasatte konstens och konsthistorikens roll i den mänskliga upplevelsen. Verket var i huvudsak en gigantisk labyrint byggd av traditionellt bundet bambu. Besökare gick in i labyrinten och mötte gradvis fem 3D-printade bonsaiträd, var och en placerad på en träbas inspirerad av de skulpturala baser som en gång skapades av konstnären Constantin BrâncuÈ™i. Att bonsaiträden är 3D-printade är inte det viktigaste. Det viktiga är att de är konstgjorda. Poängen med ett bonsaiträd är att det är en naturlig sak som människohänder har påverkat på ett sådant sätt att ingreppet är omöjligt att känna igen. I detta fall samverkar trädens konstgjordhet med de suggestiva tankar som labyrinten väcker, tillsammans med konsthistoriska referenser, för att ge betraktaren en abstrakt, öppen upplevelse som kräver social interaktion för att förstå dess möjliga betydelsenivåer.

Rirkrit Tiravanija - Untitled 2017 (no water no fire), 2017. 3D-printat bonsaiträd på träbas. © Rirkrit Tiravanija, med tillstånd från galleri Neugerriemschneider, Berlin

Wieki Somers

Ordet vanitas kommer från latin och betyder tomhet. Det användes i Nederländerna på 1500- och 1600-talet som namn på en typ av stillebenmålning. Vanitasmålningar är i grunden stilleben som visar samlingar av banala, materiella ting, ofta tillsammans med människoskallar, för att illustrera meningslösheten i jakten på jordiska ting. Den nederländska konstnären och formgivaren Wieki Somers använde det visuella språk som är vanligt i vanitasmålningar i en serie 3D-printade konstverk hon skapade 2010 som svar på en designtävling som bad formgivare att ”tänka på begreppet framsteg.” Serien, med titeln Consume or Conserve, bestod av tre stillebenliknande skulpturala tableau. Varje tableau bestod av banala, vardagliga produkter, som en våg, en dammsugare och en brödrost, helt 3D-printade av aska från mänskliga kvarlevor.

I sin förklaring av verket påpekade Somers att människans teknik har utvecklats så långt att vi snart kan stå inför utsikten till evigt liv. ”Men,” frågade hon, ”vad är ett evigt liv värt om vi bara använder det för att fortsätta vara blott konsumenter som strävar efter fler och fler produkter, oavsett konsekvenserna? Om vi fortsätter på denna väg av okritiserad innovation kan vi en dag finna oss själva förvandlade till de produkter vi sätter ihop.” Hon följde detta koncept till dess logiska slut och skapade bokstavligen produkter av resterna av en gång värdefulla människoliv.

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D-printade mänskliga kvarlevor. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

Den New York-baserade konstnären Stephanie Lempert skapar verk om kommunikation. Hon hoppas rikta vår uppmärksamhet mot språket och hur vi använder det för att berätta våra historier, vår historia och våra minnen för att skapa mening i våra liv. Som en mångsidig konstnär använder Lempert olika medier. En av hennes mest koncentrerade verkserier är en serie kallad Reconstructed Reliquaries, där hon skapade skulpturala reliker som bokstavligen är byggda av språk. Dessa föremål talar för sig själva på flera nivåer. Lempert skapade dem med hjälp av 3D-printprogramvara. Hon föredrar dock att använda den branschstandard, men mindre upphaussade termen, rapid prototype sculpture.

Stephanie Lempert - Reconstructed Reliquaries, In Search of Lost time, 2011. Rapid Prototype Sculpture. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

Den nederländske konstnären Theo Jansen blev först känd på 1990-talet när han började skapa sina Strandbeests, gigantiska, kinetiska varelser som verkar gå omkring av sig själva. De är, som han kallar dem, ”självgående stranddjur.” Du har kanske sett filmklipp där de kryper poetiskt över stränder runt om i världen. Delvis formgivare, delvis ingenjör och delvis konstnär, sade Jansen en gång, ”Väggarna mellan konst och teknik finns bara i våra sinnen.” Vanligtvis är hans stora skapelser gjorda av PVC-rör. Men nyligen började han göra sina skapelser tillgängliga för nästan vem som helst genom att erbjuda miniatyrer av 3D-printade Strandbeests till försäljning för endast 160 euro. Det mest fantastiska är att vem som helst som får tag på ritningarna kan få en utskriven. Som hans webbplats säger, ”Theo Jansens Strandbeests har funnit ett sätt att föröka sig genom att injicera sin digitala DNA direkt i 3D-skrivarsystem.”

Theo Jansen - Miniatyr 3D-printad Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Den belgiske konstnären Nick Ervincks verk skriker av livfull färg och spännande former, och förkroppsligar tanken att ett föremål som upptar plats också kan skapa plats. Hans skulpturer finns i alla storlekar, från miniatyrer till monumentala offentliga verk. Genom att designa sina egna 3D-printverktyg och tekniker driver han gränserna för detta verktyg, och använder det inte bara som ett mål i sig utan som en egenartad metod för att förverkliga sina personliga visionära skapelser.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyuretan och polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Hope

Den Brooklyn-baserade konstnären Shane Hope använder 3D-printade cellstrukturer som ett element i sina abstrakta målningar. På avstånd ser de ut som måleriska verk med tjocka penseldrag, men vid närmare granskning avslöjas staplar av sammansatta nanostrukturer. Att detta element är 3D-printat är varken uppenbart eller nödvändigt för att uppskatta verken, men att fundera över teknikens konsekvenser tillför lager av potentiell betydelse.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-printade PLA-molekylmodeller på akrylunderlag. © Shane Hope, med tillstånd från Winkleman Gallery, New York

Monika Horcicova

Den tjeckiska konstnären Monika Horcicovas verk är både spöklika och vackra. Hon återvänder till teman som människoben och skelettstrukturer och skapar kompositioner som utmanar våra föreställningar om vårt eget syfte och potential. Även om hon inte arbetar uteslutande i detta medium, har hon ofta använt 3D-printteknik för att skapa sina gipskompositskulpturer.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D-printad gipskomposit. © Monika Horcicova

Omslagsbild: Rirkrit Tiravanija - Untitled 2013 (indexical shadow no.1), 2013-2017. Bas i rostfritt stål (3 x paneler), 3D-printad plast (Bonsaiträd), kub i rostfritt stål (sockel). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 tum, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija och Pilar Corrias Gallery, London
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio