Två stora Mary Heilmann-utställningar ger konstnären en länge fördröjd uppmärksamhet

Mary Heilmann får mycket uppmärksamhet just nu, vilket hon förmodligen skulle vara den första att erkänna är allt hon någonsin verkligen ville ha. Det är ingen kritik. Jag parafraserar bara vad Heilmann sa till Guardian i en intervju 2016. När hon var ung ville hon bli idrottare eftersom det gav henne uppmärksamhet. Så hon blev en dykare, men senare, när surfing var på modet, blev hon en surfare så att hon kunde vara med i svängen. På college studerade hon poesi. Det var först när hon började få uppmärksamhet för sin skicklighet i att kasta keramik som hon drogs mot konsten. Men vad är fel med det? Vad är fel med att göra något för att det ger dig uppmärksamhet? Vad är fel med att inte ha någon altruistisk anledning till att skapa konst? Vissa konstnärer hävdar att de gör konst av en tvångsmässig lust att skapa. Andra hävdar högtravande filosofiska eller poetiska skäl. Sedan finns det konstnärer som helt enkelt vägrar att förklara varför de gör vad de gör, som om det är ofattbart, eller outtryckligt med enbart ord. Heilmann, som fyllde 77 tidigare i år, är tillräckligt bekväm i sin egen hud för att berätta sanningen: hon njuter helt enkelt av att skapa saker, och eftersom det är intressant, roligt, får uppmärksamhet och betalar räkningarna har hon fortsatt med det. Men jämfört med sina vänner, som genom åren har inkluderat Richard Serra, Philip Glass, Andy Warhol, Bruce Nauman och dussintals andra kända konstnärer, har Heilmann levt ett liv i relativ obskuritet. Det förändrades allt 2007, när en stor retrospektiv av hennes verk reste runt i USA i två år. Sedan dess har hon gradvis börjat göra anspråk på sin rättmätiga plats som den inflytelserika kraften inom samtida abstrakt konst som hon verkligen är. Om du aldrig har hört talas om Mary Heilmann, så är flera element av hennes massiva verk just nu på utställning i två samtidiga separata utställningar nära varandra i New York, vilket gör detta till den perfekta tiden att upptäcka hennes arbete.

Konsten att ärlighet

Mary Heilmann har generöst gett dussintals intervjuer under sin karriär. Det skulle i sig inte nödvändigtvis särskilja henne från andra konstnärer. Men det som särskiljer henne är att hon i sina intervjuer är så villig att vara brutalt ärlig. På sitt avslappnade och lediga sätt säger hon exakt vad hon verkligen tänker, vilket gör det svårt, om inte omöjligt, för någon att verkligen kritisera henne – även om många människor genom åren har försökt. Till exempel finns det de som har kallat det arbete Heilmann gör för derivativt, vilket antyder att hon bara upprepar de trötta troperna från det förflutna, och till och med rakt av kopierar prestationerna från några andra kända konstnärer. Men i en intervju med Ross Bleckner för BOMB Magazine, talade Heilmann stolt om att hon ofta hämtar inspiration från konstnärer från det förflutna vars arbete hon beundrar. Vid ett tillfälle i den intervjun pekar hon ut ett nytt verk för Bleckner och säger att det är en Calder. Och det är inte bara kända konstnärer som Heilmann imiterar. I flera intervjuer har hon sagt, med ett leende på läpparna, att hon älskar färgkombinationerna i The Simpsons tv-show. Hon kopierar färgerna på sina dukar, bara i hopp om att uppnå samma vibrans och renhet som de hade när hon först såg dem i tecknade serien. Vissa kritiker kallar Heilmann lat. Men i sin intervju med ART21, tog hon vinden ur seglen på sina kritiker, skrattande åt hur lat hon är, och påpekade att hon aldrig skulle kunna ha kämpat på det sätt som Abstract Expressionisterna gjorde. Hon erkänner att hon aktivt söker de snabbaste, enklaste sätten att förverkliga sina verk. Hon pratar öppet om att använda Photoshop för att utveckla sina idéer, och skämtar om att vissa av hennes målningar tar henne bara några minuter att producera. Och så finns det den mest kända kritiken hon har fått, när konstkritikern David Hickey anklagade Heilmann för att inte veta något alls om måleriets hantverk. När hon idag blir tillfrågad om det essä, håller Heilmann med och erkänner att när Hickey skrev den essän hade han rätt.

Mary Heilmann - installation view, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Photo: Bill Jacobson Studio, New York

Dårar och deras dårskaper

Men det finns något exakt bakvänt med tänkandet hos alla dessa kritiker, som felaktigt tar Mary Heilmann för en dåre. För det första glömmer de visdomen hos poeten William Blake, som påpekade att den dåre som fortsätter i sin dårskap blir vis. Faktum är att även om Heilmann kanske inte visste något om måleriets hantverk när hon först började måla i början av 1970-talet, så lärde hon sig själv. Hon studerade verken av sina idoler. Hon samtalade med de andra konstnärerna som hon umgicks med och arbetade med. Hon förlitade sig på sin tävlingsanda, sitt geni och sin uthållighet för att lära sig så mycket om måleriets hantverk att hon kom att undervisa i det professionellt. Och för en påstått lat konstnär har Heilmann verkligen producerat en anmärkningsvärt stor mängd verk, som för övrigt finns representerade i många av de mest prestigefyllda samlingarna i världen. Och för en konstnär som påstås vara härledd, är det anmärkningsvärt hur koncis och omedelbart igenkännbar den mängden verk har blivit. Kanske är det som kritikerna misslyckas med att förstå att det inte är upp till dem att bestämma vad förutsättningarna är för att vara konstnär. Den amerikanske författaren Kurt Vonnegut påpekade en gång i ett brev till sin bror, en blivande målare, att det som gör ett bra konstverk är att människor vill vara i närheten av det. I fallet med Mary Heilmann passar hennes verk definitivt in på den beskrivningen. Det passar så bra, faktiskt, att en av de saker som Heilmann har blivit mest känd för är hennes tendens att inkludera stolar i sina utställningar, så att besökarna kan sätta sig ner. Hon designar och handtillverkar stolarna. De är ikoniska för hennes palett och den värld av former hon har utvecklat i sitt övriga arbete. Det faktum att de överhuvudtaget behövs—att besökare som deltar i hennes utställningar har behov av att sitta en stund eftersom de är intresserade av att stanna så länge i närheten av hennes verk—är all den bekräftelse Heilmann behöver.

Mary Heilmann - Sunny Chair for Whitechapel (2016) (Mint), 2016, Painted plywood, 25 1/2 × 8 3/10 × 24 3/10 in, © Whitechapel Gallery

Shows of Force

När Mary Heilmann först kom till New York City, efter att ha fått sin MFA från University of California, Berkeley, 1968, var hon en självbeskriven "aggressiv hippie." Hon trodde att hon var lika bra som Donald Judd, Robert Smithson, Richard Serra, Eva Hesse eller någon av de andra konstnärerna som dominerade scenen vid den tiden. Hon brukade dyka upp på baren där sådana kända konstnärer hängde och starta gräl bara för att få en reaktion från konkurrensen. Hon fick en del uppmärksamhet då, men blev nekad den berömmelse hon så gärna ville ha och trodde att hon förtjänade. Idag är hon eftertänksam kring dessa erfarenheter. Hon reflekterar över att det kanske är en bra sak att den uppmärksamhet hon får idag inte kom till henne tidigare i livet. Hon känner att hennes tidigare arbete inte skulle ha förståtts då på samma sätt som det kan förstås nu. Denna idé berör ett vanligt tema för Heilmann: det japanska konceptet Wabi-sabi. I grunden är Wabi-sabi idén att skönhet finns i förgänglighet. En kastad keramisk tekopp som har brister är vackrare än något maskintillverkat eftersom den accepterar bristerna i materialen, liksom de hos personen som gjorde den. När saker åldras, tar tiden ut sin rätt på dem och de blir vackrare—detta är Wabi-sabi. Tillbaka 1976, om vi hade haft chansen att se de röda, gula och blå målningar som Mary Heilmann målade, vem kan säga hur vi skulle ha reagerat på dem. Men nu, fyrtio år senare, är de fysiskt äldre, precis som vi. Vi ser deras brister, liksom bristerna hos konstnären som gjorde dem, vilket hon aldrig har försökt dölja. På något sätt genom den erfarenheten kan vi också märka bristerna i oss själva, och erkänna deras nåd.

RYB: Mary Heilmann Paintings, 1975–78, installation view at Craig F. Starr, New York 2017, Light Blue Studio

Mary Heilmann För närvarande på visning

Om du vill upptäcka konsten av Mary Heilmann, är fem dukar, ett hängande keramiskt verk och fem keramiska koppar och fat för närvarande utställda på Dan Flavin Art Institute vid Dia Art Foundation i Bridgehamton, New York fram till 27 maj 2018. Samtidigt, fram till 28 oktober 2017, visar utställningen RYB: Mary Heilmann Paintings, 1975-78 på Craig F. Starr Gallery i New York en installation av tre keramiska skålar på en hylla, samt 12 dukar som Heilmann skapade under sin genombrottsperiod i slutet av 1970-talet, när hon endast använde primärfärger och enkla geometriska former som en utmaning för att omformulera vad måleri kunde bli. Meta Description: Två aktuella utställningar i New York av Mary Heilmanns verk visar exempel på hennes målningar, skulpturer och keramik, och framhäver det varierade verket av en inflytelserik konstnär.

Mary Heilmann - installation view, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Photo: Bill Jacobson Studio, New York

Utvald bild: Mary Heilmann - installationsvy, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Foto: Bill Jacobson Studio, New York

Av Philip Barcio