Un Art Autre - Abstraktion i efterkrigstidens Paris på Levy Gorvy

År 1952 myntade den franske konstkritikern och kuratorn Michel Tapié frasen “Un Art Autre”, vilket betyder “konst av ett annat slag”, för att hänvisa till en trend han uppfattade inom abstrakt konst bortom rationalitet och mot spontanitet. Trenden manifesterade sig inte bara i Frankrike, där Tapié var baserad, utan det var till Frankrike som många konstnärer från hela världen reste under 1950- och 60-talen för att dela sin utforskning av detta estetiska fenomen. Vissa var veteraner från andra världskriget som antingen stannade i Europa efter kriget eller flyttade tillbaka dit för att studera och arbeta. Andra drogs helt enkelt till spänningen i en stad och kultur som försökte återuppbygga sig själv. Genom att utnyttja den unika "café kulturen" i Paris delade denna internationella samling av konstnärer och tänkare sina idéer fritt, vilket skapade en spännande, primitiv scen. Den fascinerande kulturen är för närvarande föremål för en utställning på Levy Gorvy i London, som tar sitt namn från rörelsen som Tapié gav ett namn. Un Art Autre innehåller 22 målningar av fem målare— Pierre Soulages, Zao Wou-Ki, Jean Paul Riopelle, Joan Mitchell och Sam Francis—var och en av dem kallade Paris hem någon gång under 1950- och 60-talen. Dessa konstnärer representerar Frankrike, Kina, Kanada och USA respektive, och de tog med sig en individualistisk världsbild och personlig historia. Var och en hade en helt annan relation till måleri och till livet. Ändå delade de alla en önskan att koppla samman med något intuitivt och fritt. Dessa fem konstnärer var på intet sätt de enda rösterna av "konst av ett annat slag" som utvecklades ur efterkrigsåren i Europa, men att se deras verk tillsammans i denna utställning erbjuder en gripande ingångspunkt till den rörelse de var en del av. Det ger också samtida åskådare en möjlighet att undersöka skillnaderna mellan denna rörelse och liknande tendenser som manifesterades på andra platser under denna tid, såsom Abstrakt Expressionism i USA.

Färg och svartvitt

I dag anses Pierre Soulages av många vara den största levande målaren. Han är älskad för sina eleganta och ofta känslomässigt överväldigande svarta målningar. Även när Soulages först utvecklade sin unika röst i Paris efter kriget, hade han en djup förståelse för hur färgen svart fungerade i hans målningar. Han såg det inte som ett sätt att visa mörker, utan som ett sätt att "skapa ljus." Genom att ställa glansiga och matta ytor mot varandra och skapa relationer mellan svarta och vita områden på duken, skapade han möjligheter för ljuset att interagera med texturerna och nyanserna. Relationerna mellan de olika områdena på duken är en del av vad som gör hans målningar så lysande. I denna utställning ser vi fem av hans dukar. Trots deras strikta komposition i målningar som "Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957" (1957) och "Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957" (1957), ger deras livfulla svarta och kraftfulla penseldrag liv åt ytorna. De är allt annat än ren svart, men samspelet mellan ockra, blått och vitt får på något sätt det svarta att lysa ännu mer.

Joan Mitchell - Utan titel, 1957. Olja på duk. 69 x 58 1/2 tum (175,2 x 148,5 cm). Privat samling, Santa Barbara. © Joan Mitchells egendom.

Färgrelationer var också av största vikt för Joan Mitchell, vars fyra verk finns med i denna utställning. Alla fyra – som sannolikt kommer att vara nya för de flesta besökare, eftersom de har sammanställts helt från privata samlingar – visar den mästerliga förmåga som Mitchell hade att förmedla känslomässig ton genom sin färgpalett. Det vi ser i hennes verk är tydligt något "av naturen", trots att bilderna är helt abstrakta. Den känslan av natur är endast förhöjd av den nästan extatiska gesturalstil som Mitchell utvecklade under sina frekventa besök och den slutliga flytten till Frankrike – en stil som vackert representeras av verken i denna utställning. Hennes kompositioner är de lösaste och friaste av alla verk i utställningen: ett bevis på hennes önskan att försvinna in i sig själv medan hon målade, och att fånga en känsla av något personligt baserat på hennes egna minnen av den naturliga världen.

Sam Francis - Arcueil, 1956/58. Olja på duk. 80 3/4 x 76 tum (205,1 x 193 cm). Mildred Lane Kemper Art Museum, Washington University i St. Louis. Gåva från Mr. och Mrs. Richard K. Weil, 1962. © Sam Francis Foundation, Kalifornien / DACS 2019.

Det Fulla Utbudet av Impuls

Verken som visas av Jean Paul Riopelle visar den dramatiska förändring som inträffade i hans metoder under tidigt 1950-tal. Den mest igenkännliga i utställningen är "Abstraktion (Orange)" (1952). Ett av de större verken i utställningen, dess frenetiska gestuella handling drar en omedelbar parallell till de splattermålningar som oftast förknippas med abstrakta expressionistiska målare som Jackson Pollock. I senare verk som "Horisontell, Svart och Vit" (1955), ser vi Riopelle konstruera en mycket mer avsiktlig teknik, med täta, mätta, ångestfyllda penseldrag, samtidigt som han ändå behåller den impulsiva energin som så livar upp hans arbete. På nästan motsatt ände av impulsskalet ser vi tre sublima målningar av Zao Wou-Ki. Deras dämpade paletter och balanserade kompositionella harmonier visar en målare som slår en underbart spöklik balans mellan fri uttryck och mättad lugn.

Jean Paul Riopelle - Horisontell, svart och vit, 1955. Olja på duk. 28 3/4 x 36 1/4 tum (73 x 92 cm). Foto: Øystein Thorvaldsen. Henie Onstad Kunstsenter-samlingen, Høvikodden, Norge. © SODRAC, Montreal och DACS, London, 2019.

Målaren jag är minst bekant med från denna utställning är Sam Francis. Efter att ha sett de fem exemplen på hans verk i utställningen känner jag att det finns mycket mer att lära om honom fortfarande. Den eteriska lättsamheten i en namnlös, orange, gul och blå komposition väckte i mig tankar om Hellen Frankenthaler, medan hans "Blue Series No. 1" (1960) omedelbart påminde om Yves Klein. Två andra verk—"Composition" (c. 1957-58) och "Untitled" (1959)—erbjuder något mer distinkt: en nästan elektrisk spänning, som om jag bokstavligen tittade på bilder av fluktuation och flöde. Dessa begrepp är faktiskt kärnan i vad denna utställning har att säga om den "andra typen av konst" som uppstod i Paris på 1950- och 60-talen. Det är svårt att exakt definiera, och svårt att namnge, men det var en konst som definierades av sin förmåga att förändras, och sin villighet att släppa taget. Un Art Autre visas på Levy Gorvy London fram till 5 juli 2019.

Utvald bild: Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. Olja på duk. 31 7/8 x 51 3/16 tum (81 x 130 cm). Privat samling. © DACS 2019.
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Phillip Barcio