Un Art Autre - Abstraktion i efterkrigstidens Paris på Levy Gorvy

År 1952 myntade den franske konstkritikern och kuratorn Michel Tapié uttrycket “Un Art Autre,” vilket betyder ”en annan sorts konst,” för att beskriva en trend han såg inom abstrakt konst som gick bort från rationalitet och mot spontanitet. Trenden manifesterade sig inte bara i Frankrike, där Tapié var verksam, men det var till Frankrike som många konstnärer från hela världen reste under 1950- och 60-talen för att dela sin utforskning av detta estetiska fenomen. Vissa var veteraner från andra världskriget som antingen stannade kvar i Europa efter kriget eller flyttade tillbaka dit för att studera och arbeta. Andra drogs helt enkelt till spänningen i en stad och kultur som försökte bygga upp sig själv igen. Genom att utnyttja den unika ”kafékulturen” i Paris delade denna internationella samling av konstnärer och tänkare sina idéer fritt och skapade en spännande, ursprunglig scen. Den fascinerande kulturen är för närvarande föremål för en utställning på Levy Gorvy i London, som tar sitt namn från den rörelse som Tapié gav ett namn. Un Art Autre visar 22 målningar av fem målare— Pierre Soulages, Zao Wou-Ki, Jean Paul Riopelle, Joan Mitchell och Sam Francis—var och en av dem kallade Paris hem någon gång under 1950- och 60-talen. De representerar Frankrike, Kina, Kanada respektive USA och förde med sig var och en en individualistisk världsbild och personlig historia. Var och en hade en helt annan relation till måleriet och till livet. Ändå delade de alla en önskan att knyta an till något intuitivt och fritt. Dessa fem konstnärer var på intet sätt de enda rösterna för ”en annan sorts konst” som utvecklades efter kriget i Europa, men att se deras verk tillsammans i denna utställning ger en gripande ingång till den rörelse de var en del av. Det ger också nutida betraktare en möjlighet att undersöka skillnaderna mellan denna rörelse och liknande tendenser som manifesterade sig på andra platser under denna tid, såsom abstrakt expressionism i USA.

Färg och svartvitt

Idag anses Pierre Soulages av många vara den störste levande målaren. Han är älskad för sina eleganta och ofta känslomässigt överväldigande svarta målningar. Redan när Soulages utvecklade sin unika röst i Paris efter kriget hade han en djup förståelse för hur färgen svart fungerade i hans målningar. Han såg den inte som ett sätt att visa mörker, utan som ett sätt att ”skapa ljus.” Genom att ställa glansiga och matta ytor mot varandra och skapa relationer mellan svarta och vita områden på duken skapade han möjligheter för ljuset att samspela med texturer och nyanser. Relationerna mellan de olika delarna av duken är en del av det som gör hans målningar så lysande. I denna utställning ser vi fem av hans dukar. Trots deras strama komposition i målningar som ”Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957” (1957) och ”Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957” (1957) ger deras livfulla svärta och kraftfulla penseldrag ytorna liv. De är allt annat än rent svarta, men samspelet mellan ockra, blått och vitt får på något sätt det svarta att glänsa ännu mer.

Joan Mitchell - Otitlad, 1957. Olja på duk. 175,2 x 148,5 cm. Privat samling, Santa Barbara. © Joan Mitchells dödsbo.

Färgförhållanden var också av största vikt för Joan Mitchell, som har fyra verk i denna utställning. Alla fyra—som troligen är nya för de flesta besökare eftersom de samlats helt från privata samlingar—visar den mästerliga förmåga Mitchell hade att förmedla känslomässig ton genom sin färgpalett. Det vi ser i hennes verk är tydligt något ”av naturen,” trots att bilderna är helt abstrakta. Den känslan av natur förstärks bara av den nästan extatiska gestiska stil som Mitchell utvecklade under sina frekventa besök och slutliga flytt till Frankrike—en stil som vackert representeras av verken i denna utställning. Hennes kompositioner är de lösaste och friaste av alla verk i utställningen: ett bevis på hennes önskan att försvinna in i sig själv medan hon målade och att fånga en känsla av något personligt baserat på hennes egna minnen av naturen.

Sam Francis - Arcueil, 1956/58. Olja på duk. 205,1 x 193 cm. Mildred Lane Kemper Art Museum, Washington University i St. Louis. Gåva från herr och fru Richard K. Weil, 1962. © Sam Francis Foundation, Kalifornien / DACS 2019.

Hela impulsspektrat

De verk som visas av Jean Paul Riopelle visar den dramatiska förändring som skedde i hans metoder under tidigt 1950-tal. Det mest igenkännliga i utställningen är ”Abstraction (Orange)” (1952). Ett av de större verken i utställningen, dess vilda gestiska handling drar en omedelbar parallell till de stänkmålningar som oftast förknippas med abstrakta expressionistiska målare som Jackson Pollock. I senare verk som ”Horizontal, Black and White” (1955) ser vi Riopelle konstruera en mycket mer genomtänkt teknik, med täta, mätta, ångestfyllda penseldrag, samtidigt som han behåller den impulsiva energi som gör hans verk så levande. Nästan i motsatt ände av impulsskalan ser vi tre sublima målningar av Zao Wou-Ki. Deras dämpade paletter och balanserade kompositionella harmonier visar en målare som finner en underbart spöklik balans mellan fri uttrycksfrihet och avvägd lugn.

Jean Paul Riopelle - Horizontal, Black and White, 1955. Olja på duk. 73 x 92 cm. Foto: Øystein Thorvaldsen. Henie Onstad Kunstsenter-samlingen, Høvikodden, Norge. © SODRAC, Montreal och DACS, London, 2019.

Den målare jag är minst bekant med från denna utställning är Sam Francis. Efter att ha sett de fem exemplen på hans verk i utställningen känner jag att det finns mycket mer att lära om honom. Den eteriska lättheten i en otitlad, orange, gul och blå komposition väckte tankar hos mig om Hellen Frankenthaler, medan hans ”Blue Series No. 1” (1960) omedelbart påminde om Yves Klein. Två andra verk—”Composition” (c. 1957-58) och ”Untitled” (1959)—erbjuder något mer distinkt: en nästan elektrisk spänning, som om jag bokstavligen tittade på bilder av fluktuation och flöde. Dessa begrepp är faktiskt kärnan i vad denna utställning vill säga om den ”andra sortens konst” som växte fram i Paris under 1950- och 60-talen. Det är svårt att exakt fastställa och svårt att namnge, men det var en konst definierad av sin förmåga att förändras och sin vilja att släppa taget. Un Art Autre visas på Levy Gorvy London till och med 5 juli 2019.

Framträdande bild: Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. Olja på duk. 81 x 130 cm. Privat samling. © DACS 2019.
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio