Victor Vasarelys Formande Former på Centre Pompidou Paris

För första gången på mer än 50 år visas en stor retrospektiv utställning med Victor Vasarely på ett franskt museum. Centre Pompidou öppnade Vasarely: Sharing Forms i februari i år och samlade över 300 föremål, inklusive konstverk och ephemera, som dokumenterar den fullständiga estetiska utvecklingen av en av 1900-talets modernismens jättar. Utställningen fastställer Vasarely inte bara som en stor konstnär, utan också som en stor idealist, en som trodde att det inte finns någon gräns mellan konst och vardagsliv. Född 1907 i Pécs, Österrike-Ungern, började Vasarely vid Műhely (verkstad) skolan, den lokala budapestversionen av Bauhaus, 1918. Skolan leddes av konstnären och grafiska formgivaren Sándor Bortnyik. Efter två år hos Bortnyik flyttade Vasarely till Paris och inledde en karriär som grafisk formgivare. Hans ambition var att tillämpa modernismens visuella lärdomar på masskommunikationens värld. Ett av hans mest kända tidiga verk, ”Zebra” (1937), förkroppsligar det gränsland där de till synes skilda disciplinerna konst och formgivning smälter samman till en. Den svartvita, linjära kompositionen visar två zebror intrasslade, möjligen i kamp, möjligen i kärlek. Bilden förklarar skickligt Vasarely som en mästare på perspektiv genom att visa hans förmåga att förvandla en platt yta till ett kinetiskt, tredimensionellt fält. Än idag kämpar kritiker med frågan om detta och hans andra tidiga verk ska klassificeras som konst eller formgivning. Faktum är att den senaste stora översikten av hans verk i Frankrike hölls 1963, när konstnären bara var 57 år, på Musée des Arts Décoratifs – inte ett fint konstmuseum, utan ett museum för dekorativ konst och formgivning. Bara två år senare ingick Vasarely dock i The Responsive Eye, den banbrytande utställningen på Museum of Modern Art som etablerade de ledande konstnärerna inom Op-konsten. Vasarely: Sharing Forms samlar alla aspekter av hans verk på ett universellt sätt. Istället för att tvinga fram definitioner respekterar denna utställning komplexiteten och nyanserna i hans vision och erbjuder en mycket behövd utvidgning av Vasarely-berättelsen.

Den evige reformeraren

När Vasarely först började sin karriär som grafisk formgivare ansåg han reklam vara den mest allestädes närvarande formen av visuell kultur, så han gav sig ut för att förändra den genom att anpassa den till de visuella språken i kubismen, De Stijl, suprematismen och andra tidiga modernistiska riktningar. Efter andra världskriget ändrade han dock fokus och bestämde sig för att istället för att använda konsten för att reformera formgivningen, skulle han söka i den verkliga världen efter ledtrådar om hur konsten kunde förändras. Han lade märke till allt i sin visuella omgivning, från arkitektoniska strukturer till skugg- och ljusmönster på naturliga former och kristallers ytor. Han insåg att det finns ett estetiskt rum där principerna för geometrisk abstraktion samexisterar med principerna för den naturliga och byggda världen. Verk som ”Kiruna” (1952) visar hur han bröt ner den visuella världen till dess mest grundläggande byggstenar, såsom cirklar och fyrkanter, och till den enklast möjliga färgpaletten.

Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Installationsvy på Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med tillstånd från IdeelArt.

Även när han hade börjat utveckla sitt eget verkligt unika visuella språk förblev Vasarely alltid reformeraren. Han uppfattade att hans geometriska kompositioner ännu inte var fullständiga. De behövde en ytterligare aspekt – rörelsens skenbara närvaro. Men istället för att skapa verklig kinetisk konst, som mobilerna av Alexander Calder, var Vasarely intresserad av hur hjärnan uppfattar rörelse. Han observerade hur vågor på vattenytan eller i solens hetta skapar illusionen att rummet är böjt och att fasta föremål är flytande. Han tillämpade detta tänkande på sina kompositioner, införde vågmönster i sina geometriska verk och verkade vrida ytorna på verken. I målningar som ”Re.Na II A” (1968) tycks ytan bukta utåt. I andra målningar tycks ytan kollapsa. Mest förbluffande är att så snart ögat uppfattar vad det ser i dessa vågmönster, tycks bilden skifta och ger både illusionen av tredimensionellt rum och intrycket av rörelse.

Victor Vasarely - Zante, 1949. Installationsvy på Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med tillstånd från IdeelArt.

Ett universellt visuellt språk

En av de mest idealistiska aspekterna av Vasarelys arv var hans skapande av ”plastikenheten”: ett grundläggande visuellt verktyg som kan anpassas för att skapa oändliga visuella kompositioner. Vasarelys plastikenhet består av en geometrisk form i en färg som innehåller en annan, olik geometrisk form i en annan färg inuti sig – till exempel en blå fyrkant som omger en röd cirkel, eller tvärtom. I samtida termer är plastikenheten som en pixel. Vasarely kombinerade plastikenheterna i olika geometriska kombinationer och använde sedan linje och färg för att införa vågor i kompositionerna. Detta enkla visuella språk var verkligen demokratiskt, eftersom det lätt kunde kopieras av vem som helst. Stilens universella karaktär inspirerade Vasarely att återigen fundera på hur han kunde använda det han skapat för att positivt påverka medborgarnas vardagsliv.

Victor Vasarely - Forme 1009 décor 5110, omkring 1973. Upplaga 23/50. Forme 1008 décor 5105, omkring 1973. Upplaga 75. Forme 1008 décor 5104, omkring 1973. Upplaga 17/75. Forme 1009 décor 5108, omkring 1973. Upplaga 22/50. Forme 1007 décor 5101, omkring 1973. Upplaga 27/100. Forme 1008 décor 5106, omkring 1973. Upplaga 61/75. Forme 1010 décor 5112, omkring 1973. Upplaga 31/100. Forme 1007 décor 5100, omkring 1973. Upplaga 6/100. Installationsvy på Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med tillstånd från IdeelArt.

Som Vasarely: Sharing Forms vackert visar, tänkte Vasarely ut många strategier för att föra in sin konst i det offentliga rummet. Han skapade en mängd väggmålningar, affischer och till och med industridesign, som det 21-delade kaffe- och dessertset han formgav för Rosenthal. Han skapade logotyper för företag, som Renault och Musee de Cinema, bland andra. Och han ägnade sig åt att skapa alla typer av konst i offentliga miljöer. Han föreställde sig vad han kallade en ”polykrom lycko-stad”, där hans livfulla, färgstarka, geometriska offentliga verk skulle ge liv åt de ”mörka och grå förorterna”. Genom hela denna utställning ser vi hur plasticitet är gemensamt för alla former av visuell kultur. Vasarely visade hur det är en väsentlig del av bildkonsten, förstås. Men han såg också plasticitet som avgörande för själva stenarna som bygger staden och i färgerna och ljusets nyanser som faller på naturen. De konstgjorda skiljelinjerna mellan konst, formgivning, klädedräkt, film, arkitektur och till och med reklam smälter bort när vi ser all visuell kultur på detta sätt. Detta är läxan som Vasarely lärde ut: att konsten finns överallt. Vasarely: Sharing Forms visas på Centre Pompidou till och med 6 maj 2019.

Framträdande bild: Victor Vasarely - Alom, 1968. Installationsvy på Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med tillstånd från IdeelArt.
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio