Victor Vasarelys Formande Former på Centre Pompidou Paris

För första gången på mer än 50 år visas en stor retrospektiv av Victor Vasarely på ett franskt museum. Centre Pompidou öppnade Vasarely: Sharing Forms i februari i år, som samlar mer än 300 objekt, inklusive konstverk och ephemera, som dokumenterar den kompletta estetiska utvecklingen av en av jättarna inom 1900-talets modernism. Utställningen fastställer bestämt Vasarely inte bara som en stor konstnär, utan som en stor idealist, en som trodde att det inte finns någon gräns mellan konst och vardagsliv. Född 1907 i Pécs, Österrike-Ungern, anmälde sig Vasarely till Műhely (verkstad) skolan, den lokala budapestversionen av Bauhaus, 1918. Skolan leddes av konstnären och grafiska designern Sándor Bortnyik. Efter två års studier med Bortnyik flyttade Vasarely till Paris och inledde en karriär som grafisk designer. Hans ambition var att tillämpa de visuella lektionerna från modernismen på masskommunikationens värld. Ett av hans mest kända tidiga verk, "Zebra" (1937), förkroppsligar det liminala utrymmet där de till synes separata disciplinerna konst och design smälter samman som en. Den svartvita, linjära kompositionen visar två zebror som är sammanflätade, möjligen i strid, möjligen i kärlek. Bilden deklarerar skickligt att Vasarely är en mästare av perspektiv genom att visa sin förmåga att omvandla en platt yta till ett kinetiskt, tredimensionellt fält. Ändå kämpar kritiker fortfarande med frågan om huruvida detta och hans andra tidiga verk bör klassificeras som konst eller design. Faktum är att sista gången en stor översikt av hans verk visades i Frankrike var 1963, när konstnären bara var 57 år gammal, på Musée des Arts Décoratifs—inte ett konstmuseum, utan ett museum för dekorativ konst och design. Bara två år senare inkluderades dock Vasarely i The Responsive Eye, den banbrytande utställningen på Museum of Modern Art som etablerade de ledande konstnärerna inom Op Art-rörelsen. Vasarely: Sharing Forms samlar alla aspekter av hans arbete på ett universellt sätt. Istället för att tvinga fram definitioner respekterar denna utställning komplexiteten och nyanserna i hans vision, och erbjuder en mycket behövlig utvidgning av Vasarely-berättelsen.

Den Eviga Reformatorn

När Vasarely först började sin karriär som grafisk designer, ansåg han att reklam var den mest utbredda formen av visuell kultur, så han satte sig för att omvandla den genom att anpassa den till de visuella språken av kubism, De Stijl, suprematism och andra tidiga modernistiska positioner. Efter andra världskriget skiftade han dock sitt fokus och beslutade att istället för att använda konst för att reformera design, skulle han se till den verkliga världen för ledtrådar om hur man kan omvandla konst. Han lade märke till allt i sitt visuella landskap, från arkitektoniska strukturer, till mönstren av skugga och ljus som faller på naturliga former, till ytorna av kristaller. Han insåg att det finns ett estetiskt rum där principerna för geometrisk abstraktion samexisterar med principerna för de naturliga och byggda världarna. Verk som "Kiruna" (1952) visar hur han bröt ner den visuella världen till dess mest grundläggande byggstenar, såsom cirklar och kvadrater, och till den enklaste möjliga färgpaletten.

Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Installationsvy på Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med tillstånd av IdeelArt.

Även när han hade börjat utveckla sitt eget verkligt unika visuella språk, förblev Vasarely alltid reformator. Han insåg att hans geometriska kompositioner ännu inte var kompletta. De behövde en ytterligare aspekt—utseendet av rörelse. Men istället för att skapa faktisk kinetisk konst, såsom mobilerna av Alexander Calder, var Vasarely intresserad av hur hjärnan uppfattade rörelse. Han observerade hur vågor på ytan av vatten, eller i solens värme, skapar illusionen av att rummet är förvrängt, och att fasta objekt är flytande. Han tillämpade detta tänkande på sina kompositioner, genom att introducera vågmönster i sina geometriska kompositioner, och tycktes förvränga ytorna av verken. I målningar som “Re.Na II A” (1968) verkar ytan buktar utåt. I andra målningar verkar ytan kollapsa. Mest fantastiskt, så snart ögat fångar vad det ser i dessa vågmönster, tycks bilden skifta, vilket ger både illusionen av tredimensionellt utrymme och intrycket av rörelse.

Victor Vasarely - Zante, 1949. Installationsvy på Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med tillstånd från IdeelArt.

Ett universellt visuellt språk

En av de mest idealistiska aspekterna av Vasarelys arv var hans skapelse av "den plastiska enheten": ett grundläggande visuellt verktyg som kan anpassas för att skapa oändliga visuella kompositioner. Vasarelys plastiska enhet består av en geometrisk form av en färg som innehåller en andra, annan geometrisk form av en annan färg inuti den – till exempel en blå kvadrat som omger en röd cirkel, eller vice versa. I samtida termer är den plastiska enheten som en pixel. Vasarely skulle kombinera de plastiska enheterna tillsammans i olika geometriska kombinationer och sedan använda linje och färg för att introducera vågor i kompositionerna. Detta enkla visuella språk var verkligen demokratiskt, eftersom det lätt kunde kopieras av vem som helst. Stilen universell inspirerade till och med Vasarely att återigen undra hur han skulle kunna använda det han hade skapat för att positivt påverka medborgarnas vardag.

Victor Vasarely - Form 1009 dekoration 5110, cirka 1973. Utgåva 23/50. Form 1008 dekoration 5105, cirka 1973. Utgåva 75. Form 1008 dekoration 5104, cirka 1973. Utgåva 17/75. Form 1009 dekoration 5108, cirka 1973. Utgåva 22/50. Form 1007 dekoration 5101, cirka 1973. Utgåva 27/100. Form 1008 dekoration 5106, cirka 1973. Utgåva 61/75. Form 1010 dekoration 5112, cirka 1973. Utgåva 31/100. Form 1007 dekoration 5100, cirka 1973. Utgåva 6/100. Installationsvy på Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med tillstånd av IdeelArt.

Som Vasarely: Sharing Forms vackert visar, konstruerade Vasarely ett flertal strategier för att föra sin konst till den offentliga rymden. Han skapade en mängd väggmålningar, affischer och till och med industriella designer, såsom den 21-delade kaffekopps- och dessertset han designade för Rosenthal. Han skapade logotyper för företag, såsom Renault och Musee de Cinema, bland andra. Och han ägnade sig åt att skapa alla typer av konst i offentliga rum. Han föreställde sig vad han kallade en "polykrom stad av lycka", där hans livfulla, färgglada, geometriska offentliga verk skulle ge liv åt de "dystra och grå förorterna". Genom hela denna utställning ser vi hur plastiskhet är gemensam för alla former av visuell kultur. Vasarely visade hur det är en väsentlig del av skön konst, naturligtvis. Men han såg också plastiskhet som väsentlig för de mycket stenar som används för att bygga staden, och i färgerna och nyanserna av ljus som faller på naturen. De artificiella separationerna mellan konstområdena, design, mode, film, arkitektur och till och med reklam smälter bort när vi ser all visuell kultur på detta sätt. Detta är lektionen som Vasarely lärde: att konsten är överallt. Vasarely: Sharing Forms visas på Centre Pompidou fram till 6 maj 2019.

Utvald bild: Victor Vasarely - Alom, 1968. Installationsvy på Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med tillstånd från IdeelArt.
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Phillip Barcio