18 ศิลปินนามธรรมร่วมสมัยเปิดใจเกี่ยวกับสายเลือดของพวกเขา

การสอนศิลปะเป็นเรื่องอันตรายและเป็นไปไม่ได้ แต่ก็เป็นสิ่งที่จำเป็นอย่างยิ่ง เพื่อให้ศิลปะดำรงอยู่ ศิลปินต้องเรียนรู้วิธีที่จะกลายเป็นสิ่งที่พวกเขาจะกลายเป็น และวิธีสร้างสิ่งที่พวกเขาจะสร้าง บางคนจะเรียนรู้ในโรงเรียน จากมนุษย์ที่มีข้อบกพร่องเหมือนกันที่ด้วยเหตุผลใดก็ตาม ได้รับภารกิจที่อันตราย เป็นไปไม่ได้ และจำเป็นในการแบ่งปันกับผู้อื่นในสิ่งที่พวกเขาได้เรียนรู้ ศิลปินคนอื่นจะหาครูนอกห้องเรียน พวกเขาอาจเรียนรู้ความหมายของการเป็นศิลปินจากการไปพบปะกับศิลปินคนอื่น ๆ ที่งานเปิดตัวหรือในบาร์ พวกเขาอาจเรียนรู้ความหมายของการสร้างศิลปะโดยการดูวิดีโอออนไลน์ หรือโดยการวิเคราะห์ศิลปะที่เห็นในพิพิธภัณฑ์หรือในหนังสือ ศิลปินบางคนอาจสอนตัวเองว่าพวกเขาคืออะไรโดยการติดตามแรงบันดาลใจที่ได้รับจากสถาปัตยกรรมและการออกแบบ โดยเพียงแค่ตอบสนองต่อความคิดและความรู้สึกที่พวกเขาประสบขณะโต้ตอบกับสิ่งแวดล้อมที่สร้างขึ้นในชีวิตประจำวันและผลิตภัณฑ์และพื้นที่นับไม่ถ้วนที่มีอยู่ บางคนอาจเรียนรู้วิธีเป็นศิลปินโดยการยอมรับ—และจากนั้นบ่มเพาะ—แรงกระตุ้นภายในของพวกเขาในการสร้าง กระบวนการสร้างสามารถสอนเราได้ว่าทำอย่างไรจึงจะสร้างได้ กระบวนการเป็นอยู่สามารถสอนเราได้ว่าเราต้องการเป็นอะไร ในที่สุด ทุกคนที่ผ่านกระบวนการเรียนรู้จนถึงช่วงเวลาที่พวกเขาสามารถพูดประโยคว่า “ฉันคือศิลปิน” โดยไม่รู้สึกว่ามันเป็นเรื่องโกหก จะมีเรื่องราวที่จะเล่าเกี่ยวกับครูของพวกเขา วันนี้เรานำเสนอคอลเลกชันของเรื่องราวเหล่านี้จากศิลปินที่กล้าหาญพอที่จะเปิดเผยสายเลือดแห่งการเรียนรู้ของพวกเขา พวกเขากล้าหาญเพราะการประกาศมรดกทางสุนทรียะหรือแนวคิดของพวกเขาทำให้พวกเขาเผชิญกับภัยคุกคามร้ายแรง คุณผู้อ่านอาจตระหนักว่าศิลปินคนหนึ่งเป็นนักเรียนของศิลปินอีกคน หรือได้รับแรงบันดาลใจจากสิ่งนี้หรือสิ่งนั้น และเข้าใจผิดคิดว่านั่นเป็นทางลัด คุณอาจพูดว่า “อ้า! ตอนนี้ฉันเห็นแล้วว่าพวกเขากำลังลอกเลียนแบบใคร” หรือ “ตอนนี้ฉันเข้าใจศิลปะของพวกเขาแล้ว!” แต่แทนที่จะเป็นเช่นนั้น เมื่อคุณอ่านเรื่องเล่าของศิลปิน 18 คนนี้ว่าพวกเขากลายเป็นสิ่งที่พวกเขาเป็นอย่างไร ให้ข้อมูลนี้ขยายการรับรู้ของคุณ ติดตามแต่ละเส้นทางและขุดลึกลงไป คุณอาจได้เห็นความงดงามที่อันตราย เป็นไปไม่ได้ และจำเป็นอย่างยิ่งของความหมายที่แท้จริงของการสอนและการเรียนรู้ศิลปะ.

Anya Spielman

Spielman เป็นนักเรียนของ Wayne Thiebauld ขณะศึกษาอยู่ที่ University of California at Davis เกี่ยวกับครูคนอื่น ๆ ของเธอ เธอกล่าวว่า:

"อิทธิพลที่ยิ่งใหญ่สำหรับฉันคือการได้เห็นภาพสามตอนของ Hieronymus Bosch เรื่อง “The Garden of Earthly Delights” ที่ The Prado เมื่อฉันยังเป็นวัยรุ่น ฉันประทับใจกับสัญลักษณ์ภาพรวมถึงสีสันสดใสและองค์ประกอบที่ซับซ้อนของงานเขา ฉันตอบสนองทันทีต่อความเป็นสองด้านในงานของ Bosch: โทนสีที่ชัดเจนและสว่างไสว: สีหมึกดำ, อัมเบอร์, ชมพูอ่อน, สีของกระดูก, สีแดงสด และสีอะซูไรต์; เส้นโค้งของแคปซูลความสุขโปร่งใสในสวนเอเดนที่อยู่เคียงข้างกับการตกลงสู่ขุมนรกที่เต็มไปด้วยภาพหลอนทางจิตใจและร่างกายอย่างเจาะลึก อัจฉริยภาพในวิสัยทัศน์ของ Bosch ถ่ายทอดธรรมชาติของมนุษย์ในทุกรูปแบบด้วยความใกล้ชิดและพลังที่ฉันพบว่ายากจะหาได้ในปัจจุบัน"

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. สีน้ำมันบนแผ่นไม้ ขนาด 15.3 x 15.3 ซม.

Deanna Sirlin

Sirlin เรียนกับ Louis Finkelstein ขณะเป็นนักศึกษาระดับบัณฑิตศึกษาที่ Queens College, City University of New York ที่โรงเรียนเดียวกันนี้ เธอได้เรียนกับ Benny Andrews ซึ่งได้รับการฝึกฝนในฐานะ Abstract Expressionist ที่ School of the Art Institute of Chicago ในทศวรรษ 1950; Clinton Hill ซึ่งเป็นผู้ช่วยสตูดิโอของ Mark Rothko; นักวิจารณ์ศิลปะและบรรณาธิการร่วมของ Artforum Robert Pincus-Witten ซึ่งเธอกล่าวว่า “ช่วยพัฒนาสายตาวิจารณ์ของฉัน;” และ Charles Cajori ซึ่งเป็นนักเรียนของ Hans Hoffman Sirlin กล่าวว่า:

"[Lineage] เป็นคำถามที่ซับซ้อนจริงๆ ความเชื่อมโยงกับศิลปินก็ซับซ้อนเช่นกัน Anne Truitt มีความสำคัญกับฉันเมื่อฉันเป็นศิลปินรุ่นเยาว์ที่ Yaddo Melissa Meyer ก็อยู่ที่นั่นในฤดูร้อนนั้น [1983] Erin Lawlor เป็นเพื่อนร่วมสตูดิโอของฉันที่ The Rothko Centre ในลัตเวีย Jose Heerkins อยู่ที่ Rothko Centre พร้อมกับเราในเวลาเดียวกัน [2016] Kara Walker เป็นนักเรียนเมื่อฉันสอนที่ The Atlanta College of Art และ Kara กับฉันได้แสดงใน Atlanta Biennial เดียวกันในปี 1992 จากนั้นก็มีศิลปินคนอื่นๆ—นักเขียนและนักเขียนบทละคร Hayden Herrera [biographer of Frieda Kahlo and Arshile Gorky] เป็นที่ปรึกษาของฉันในฐานะนักเขียนศิลปะ Chris Kraus [I Love Dick] และฉันอยู่ที่ Yaddo ด้วยกัน...ฉันเป็นเพื่อนสนิทของนักเขียนบทละคร Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous] เขาเป็นนักเขียนบทภาพยนตร์ให้ Warhol...ฉันหวังว่าฉันจะไม่ทำให้คุณสับสนกับคำตอบเพิ่มเติมนี้"

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. สื่อผสมบนผ้าใบ ขนาด 127 x 106.7 ซม.

Brenda Zappitell

"เมื่อฉันเริ่มวาดภาพครั้งแรก ฉันได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก Picasso ฉันถูกดึงดูดโดยการใช้สีและการทำเครื่องหมายของเขา โดยเฉพาะใน “Girl Before A Mirror” (1932) ต่อมา เมื่อฉันเริ่มวาดภาพในแนว Abstract Expressionist มากขึ้น ฉันถูกดึงดูดโดย Joan Mitchell และ Willem De Kooning มากขึ้น อย่างไรก็ตาม ฉันเริ่มดูงานของพวกเขาจริงๆ หลังจากที่ฉันวาดภาพในแนวนี้ ไม่ใช่ก่อนหน้านั้น"

Brenda Zappitell - ในขณะนี้, 2017. สี Flashe และอะคริลิกกับขี้ผึ้งเย็นบนแผ่นไม้ ขนาด 127 x 127 ซม.

Daniel Göttin

ในการสัมภาษณ์ปี 2006 สำหรับ Minus Space NY จิตรกร Chris Ashley ถาม Göttin ว่าเขาเริ่มต้นอย่างไรในฐานะศิลปิน Göttin ตอบว่า:

"ประวัติศาสตร์ศิลปะบางครั้งทำเหมือนว่าขบวนการศิลปะใดขบวนการหนึ่งเป็นเอนทิตีที่สมบูรณ์ การใช้คำว่า “concrete” ไม่จำเป็นต้องสอดคล้องกับพื้นฐานอุดมการณ์ของ Konkrete Kunst ซึ่งยังมีพื้นฐานมาจากแนวคิดเกี่ยวกับสังคมและการเมือง ความกังวลของฉันคือเกี่ยวกับเอนทิตีที่สามารถรวมความขัดแย้งได้—ทั้งใช่และไม่ใช่ และแม้แต่บางที จุดเริ่มต้นของฉันคือการสังเคราะห์มุมมองหรือท่าทางที่แตกต่างกันในเวลาเดียวกัน ซึ่งสำหรับฉันคือมุมมองเชิงพื้นที่ มันอาจจะชัดเจนหรือซับซ้อน สมมาตรหรือไม่สมมาตร หรือทั้งสองอย่างพร้อมกัน มีหรือไม่มีความขัดแย้ง มันอาจเป็นกฎและการเบี่ยงเบนพร้อมกัน งานบางชิ้นที่ฉันทำในช่วงแรกเป็นงานคอลลาจที่เกี่ยวข้องกับงานของ Kurt Schwitters (Merz) วัสดุที่พบโดยบังเอิญถูกติดกาวอย่างหยาบบนกระดาษแข็ง—ทางกายภาพ ตรงไปตรงมา สุ่ม สะดวก สีสันสดใส แม้แต่ในแนว Dadaistic ต่อมา ฉันสนใจใน Minimal Art ซึ่งงานศิลปะมักถูกวางแผนอย่างแม่นยำ และสร้างขึ้นอย่างสมบูรณ์แบบและชัดเจนโดยใช้วัสดุที่กำหนดและใส่ใจในรายละเอียด ทั้งสองขบวนการมีความสำคัญสำหรับฉัน และบางครั้งฉันเห็นงานของฉันมีส่วนผสมของทั้งสองอย่าง สอดคล้องอยู่ระหว่างสองตำแหน่งทางประวัติศาสตร์ศิลปะเหล่านั้น"

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992. สีอะคริลิกบนพาวาเท็กซ์ ขนาด 97 x 58.5 x 3 ซม.

Gary Paller

"มันค่อนข้างยากที่จะเข้าใจอิทธิพลของตัวเอง อย่างน้อยสำหรับฉัน เพราะฉันทำงานส่วนใหญ่จากสัญชาตญาณมากกว่าความรู้สึกตัว ฉันคิดว่าปีที่ฉันเป็นนักศึกษาศิลปะที่ UCLA (ปริญญาตรี 74, ปริญญาโท 77) เป็นส่วนสำคัญที่ก่อตัวเป็นตัวตนของฉัน ในสมัยนั้น UCLA เป็นโรงเรียนสำหรับจิตรกรที่มีแนวโน้มยุโรป/โมเดิร์นนิสม์ สำหรับชั้นเรียนวาดภาพครั้งแรกของฉัน ฉันลงทะเบียนเรียนชั้นเรียนวาดภาพเบื้องต้นกับ Richard Diebenkorn (ฉันไม่รู้ว่าเขาเป็นใคร) แต่เขาและคณะผู้บริหารมีปัญหากัน และตำแหน่งของเขาถูกยกเลิกก่อนชั้นเรียนจะเริ่ม ดังนั้นฉันจึงเรียนกับ Richard Joseph ศิลปินเรียลลิสต์รุ่นใหม่ที่ทำให้ฉันมีพื้นฐานที่มั่นคง จนกระทั่งหกเดือนต่อมา ในชั้นเรียนวาดภาพขั้นสูงกับ Charles Garabedian ฉันเริ่มทดลองกับนามธรรม ตลอดหลายปีที่ผ่านมา ศาสตราจารย์ที่มีอิทธิพลต่อฉันมากที่สุดน่าจะเป็น William Brice Bill เป็นครูและเพื่อนที่พูดจาชัดเจน มีเกียรติ ใจกว้าง รอบคอบ และตลก ในฐานะศิลปินที่ทำงานหนักและมีผลงานมาก เขามักพูดถึงความจำเป็นของการใช้เวลาในสตูดิโอเพื่อตีความสิ่งต่างๆ และสิ่งอื่นๆ นั้นไม่สำคัญ ฉันคิดถึงเขาบ่อยๆ และรู้สึกโชคดีที่ได้รู้จักเขามานาน มันใช้เวลาหลายปีในการแยกตัวเองออกจากความคิดที่จะเป็นนักศึกษา และจากการได้ยินเสียงของศาสตราจารย์เก่าในหัวทุกครั้งที่ฉันวาดภาพ แต่เมื่อเวลาผ่านไป ฉันก็มีความชัดเจนในตัวตนและความรับผิดชอบในการสร้างงานที่เติมเต็มวิสัยทัศน์ของฉัน ฉันมักเห็นแง่มุมของศิลปินคนอื่นในงานของฉัน บางครั้งรู้สึกว่ามีการเชื่อมโยงผ่านแนวคิดเดียวกัน และบางครั้งก็เหมือนว่าความคล้ายคลึงนั้นเป็นเพียงผิวเผิน ท้ายที่สุด ปล่อยให้นักเขียนศิลปะพูดถึงอิทธิพลเหล่านั้นเถอะ"

Gary Paller - 9 (2015), 2015. หมึกบนกระดาษ ขนาด 37.8 x 29 ซม.

Tracey Adams

Michael Mazur (1935-2009) เป็นครูสอนการพิมพ์ของฉันเมื่อ 25 ปีที่แล้ว เราเจอกันครั้งแรกตอนที่ฉันพักอยู่ที่ Fine Arts Work Center ใน Provincetown ซึ่ง Michael กำลังจัดเวิร์กช็อปการพิมพ์เป็นเวลาหนึ่งสัปดาห์ หลายสิ่งหลายอย่างโดดเด่นเกี่ยวกับการเชื่อมต่อครั้งแรกของเรา: Michael เป็นคนที่มีความเห็นอกเห็นใจและตระหนักถึงสังคมอย่างมาก ไม่เพียงแต่ในหัวข้อที่เขาเลือก (ภาพวาดและภาพพิมพ์ของผู้ป่วยที่ทุกข์ทรมานในโรงพยาบาลจิตเวชและสัตว์ที่ถูกขังในสวนสัตว์) แต่ในบทสนทนาแบบตัวต่อตัวเกี่ยวกับชีวิต เขาสอนฉันให้ใจกว้างผ่านตัวอย่างเป็นวิธีการสมดุลกับความหมกมุ่นในสตูดิโอ ไม่มีอะไรเกี่ยวกับเทคนิคหรือการแสวงหาอาชีพศิลปะที่ Michael จะไม่แบ่งปัน Michael ใช้เวลาที่ประเทศจีนในช่วงปลายยุค 80 และผ่านความรักในภูมิทัศน์เอเชียของเขา ฉันได้เรียนรู้ที่จะทำท่าทางให้เรียบง่าย วาดภาพด้วยการแสดงออกที่ประหยัด ซึ่งเป็นสิ่งที่ฉันถือไว้ในใจอย่างใกล้ชิด ฉันจะไม่มีวันลืมอารมณ์ขันของเขาเมื่อเขาพูดกับฉันว่า “Tracey, this is ungepatchke!” ซึ่งเป็นคำในภาษายิดดิชที่หมายถึงยุ่งเกินไปและตกแต่งมากเกินไป

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. สีน้ำกัวช ดินสอกราไฟต์ และหมึกบนกระดาษ rives ขนาด 66 x 50.8 ซม.

Kyong Lee

Lee อ้างถึงแรงบันดาลใจแรกของเธอคือภาพสีน้ำของ Paul Cezanne ที่เธอเห็นตอนอายุ 11 ปี ซึ่งทิ้ง “ความประทับใจที่ลืมไม่ลง” เธอกล่าวต่อว่า:

"อาจารย์ของฉัน Klaus Stümpel ใกล้ชิดกับธรรมชาติจนเกือบถูกขนานนามว่า ‘ชาวนา’ เขาแนะนำให้ฉันศึกษาผลงานของ Frantisek Kupka ฉันศึกษากระบวนการที่เขาเป็นนามธรรมและมุมมองจักรวาลและลึกลับของเขา เหนือสิ่งอื่นใด ฉันได้เรียนรู้มากที่สุดเกี่ยวกับความรักในชีวิตและความตั้งใจที่จะรักษาความคิดของเขา เมื่อฉันกลับมาที่เกาหลี ฉันคิดถึง Kandinsky อีกครั้ง ฉันคิดว่าความปรารถนาของเขาที่จะค้นหาความจริงที่เป็นวัตถุและสากลในศิลปะเป็นความท้าทายที่เป็นไปไม่ได้ ฉันคิดว่าศิลปะเป็นเรื่องส่วนตัวและอัตวิสัยมากกว่าสิ่งอื่นใด เมื่อฉันค้นหาด้านในลึกที่สุดของตัวเอง ฉันสามารถสื่อสารกับภายในของผู้อื่นได้ ฉันคิดว่าศิลปะสามารถเป็นสื่อที่เชื่อมไมโครโคสม์ (มนุษย์) และมาโครโคสม์ (โลก) โดยเฉพาะอย่างยิ่ง สีเป็นหัวข้อการวิจัยของฉัน ฉันกำลังมองหาสีในฐานะคำคุณศัพท์ ฉันชอบทัศนคติของ Richter ต่อการทำงาน ความหลงใหลในการวาดภาพ และจิตวิญญาณของการทดลอง บางที On Kawara? ฉันชอบงานของเขาที่เขาต้องการพิสูจน์ว่าเขายังมีชีวิตอยู่ และฉันต้องการพิสูจน์ตัวเองโดยการทำงานทุกวันว่าฉันยังมีชีวิตอยู่ทั้งทางอารมณ์และความรู้สึก ความคิดของฉันเกี่ยวกับ Wassily Kandinsky และมินิมัลลิสต์หลายคนแตกต่างจากมุมมองทั่วไป ฉันไม่เห็นด้วยกับมุมมองทางศิลปะของพวกเขา"

Kyong Lee - Picture with White, 2008. สีอะคริลิกบนผ้าใบ ขนาด 150 x 200 ซม.

Joanne Freeman

Freeman อ้างอิงอิทธิพลที่รวมถึงศิลปิน (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman, และ Andy Warhol), นักออกแบบ (Saul Bass และ Roy Kuhlman) และสถาปนิก (Le Corbusier) แต่เธอยังพูดถึงวิธีส่วนตัวที่วัฒนธรรมมีอิทธิพลต่อศิลปะของเธอ เช่นในเรื่องเล่าต่อไปนี้:

"ธุรกิจของพ่อผมคือป้ายโฆษณา เหมือนเด็กเมืองส่วนใหญ่ในอเมริกา ผมเติบโตขึ้นในเบาะหลังของรถ โดยตระหนักถึงบิลบอร์ดและไฟนีออนอย่างมาก การกระตุ้นทางสายตาที่ดึงดูดความสนใจเป็นส่วนหนึ่งของจิตใจผม เมื่อเร็วๆ นี้ผมไปเยี่ยมชม MoMA ที่นิวยอร์ก และรู้สึกประทับใจอีกครั้งกับภาพวาดของ Barnett Newman เรื่อง “Vir Heroicus Sublimis” (Man, Heroic and Sublime) (1950-51) การตอบสนองอย่างลึกซึ้งต่อพลัง ความเร่งด่วน และความเรียบง่ายของมันนั้นล้นหลาม ยืนยันอดีตทางสายตาและตัวตนของผมเอง"

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. สีน้ำกัวชบนกระดาษขนาดมือทำ Khadi. ขนาด 33.1 x 33.1 ซม.

Brent Hallard

"สำหรับฉัน มันคือ Mondrian ศิลปินนามธรรมในยุคนั้นทำงานด้วยแนวคิดนามธรรมมากขึ้น หมายความว่าพวกเขาชอบแนวคิดนี้ ในขณะที่ Mondrian ทำงานย้อนกลับผ่านกลไกและออกมาใหม่ด้วยการประดิษฐ์ระนาบภาพใหม่ ไม่กี่คนที่ทำแบบนั้นตั้งแต่นั้นมา ฉันจึงคิดว่าต้องมีวิธีอื่นๆ ในการเข้าสู่พื้นที่แปลกๆ นี้ที่ Mondrian เข้าใจอย่างชัดเจน [Ellsworth] Kelly และ [Robert] Mangold แสดงวิธีอื่นๆ ในการแสดงออกถึง ‘พื้นที่อื่น’ นี้ ประสบการณ์ของศิลปินเหล่านี้ทำให้ฉันมีพื้นที่ที่จะชื่นชมความพยายามของเพื่อนร่วมงาน และมุ่งมั่นที่จะก้าวผ่านขอบเขตต่อไป"

Brent Hallard - Clouds, 2013. อะคริลิกบนกระดาษ ขนาด 25.4 x 35.6 ซม.

Audrey Stone

"ฉันรักและคิดถึงงานของ Vija Celmins บ่อยครั้ง การสังเกตอย่างเข้มข้นและการทำงานอย่างสงบของเธอเป็นแรงบันดาลใจอย่างมากสำหรับฉัน Louise Bourgeois ก็เป็นแรงบันดาลใจให้ฉันเสมอด้วยความมุ่งมั่นที่จะสื่อสารตัวเองผ่านสื่อที่ดีที่สุดสำหรับความคิดของเธอ แรงบันดาลใจที่ชัดเจนกว่านั้นคือ Agnes Martin ฉันชอบความมั่นใจและสงบของเธอ และ Mark Rothko สำหรับพลังทางอารมณ์ที่งานของเขาสามารถถ่ายทอดได้"

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. เส้นด้าย หมึก และกราไฟต์บนกระดาษ ขนาด 43.2 x 35.6 ซม.

Pierre Auville

Auville กล่าวถึงบล็อกเฮาส์เยอรมันในยุคสงครามโลกครั้งที่สองที่เรียงรายตามชายฝั่งมหาสมุทรแอตแลนติกของฝรั่งเศส เขากล่าวว่า “คนส่วนใหญ่ถือว่าพวกมันเป็นรอยแผลที่น่ารังเกียจ ในสายตาของฉัน สาระสำคัญของพวกมันเป็นส่วนหนึ่งของภูมิทัศน์ เวลาทำให้พวกมันกลมกลืนกับทราย เนินทราย และทะเล หรือกับภาพวาดที่ศิลปินถนนวาดทับ” นอกจากนี้ Auville ยังได้รับผลกระทบจากประสบการณ์นี้ในวัยเยาว์:

"เมื่ออายุได้หกหรือเจ็ดปี ฉันมีโอกาสได้เยี่ยมชมถ้ำ Lascaux ในภาคตะวันตกเฉียงใต้ของฝรั่งเศส มันเป็นความตื่นตะลึงสำหรับฉัน พ่อแม่ของฉันซื้อสำเนาเป็นของที่ระลึก และฉันใช้เวลาหลายชั่วโมงดูพวกมันในชั้นใต้ดินของบ้าน คิดว่าความแตกต่างระหว่างภาพวาดกับงานศิลปะจริงคืออะไร ความแตกต่างนั้นชัดเจน แต่ฉันพยายามหาสาระสำคัญของมัน ฉันเปิดปิดไฟ ทาทรายบนภาพวาดเพื่อพยายามเลียนแบบสาระสำคัญของภาพวาด Lascaux แต่ไม่เคยถึงสิ่งที่ฉันคิดว่าเป็นจิตวิญญาณของพวกมัน"

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. ปูนสีบนแผ่นโฟม กรอบโครงสร้างและแขวนด้านหลัง ขนาด 120 x 120 x 6 ซม.

Luuk de Haan

De Haan กล่าวถึงอิทธิพลที่หลากหลายตั้งแต่นักศิลปะ (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) ไปจนถึงนักออกแบบอัลบั้ม (Hipgnosis, Peter Saville) และนักดนตรี (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno) เขากล่าวว่า:

"ในปีที่ก่อนเข้าสู่วัยรุ่น ภาษาภาพของ Piet Mondriaan ได้รับความสนใจมากในเนเธอร์แลนด์ ฉันยังเด็กเกินกว่าจะคิดเรื่องศิลปะ แต่ Mondriaan ก็อยู่ตรงนั้น และมันน่าหลงใหล และยังคงเป็นเช่นนั้น! ต่อมาไม่นานฉันได้รู้จัก Suprematists ที่เหมือนฉัน ใช้รูปทรงเรขาคณิตเป็นจุดเริ่มต้น เพราะพี่สาวของฉันอายุมากกว่าฉันประมาณห้าปี ฉันจึงค้นพบ (ผ่านแฟนของพวกเธอ) ดนตรี 'ก้าวหน้า' และการออกแบบปกที่มาพร้อมกัน ไม่แปลกใจเลยที่ฉันอยากเป็นนักออกแบบปกศิลปะ ถ้าต้องเลือกศิลปินภาพที่เปลี่ยนวิธีมองของฉัน มันคงเป็น Ellsworth Kelly ในช่วงกลางทศวรรษ 80 พิพิธภัณฑ์ Stedelijk ในอัมสเตอร์ดัมได้ซื้อ “Blue Curve VI” (1982) ฉันไปดูเป็นประจำและศึกษาภาษาภาพ แต่ตอนนี้ อาจสำคัญกว่านั้น ฉันยังถูกนำทางโดยปฏิกิริยาของตัวเองต่อศิลปะ...ฉันเริ่มคิดถึงศิลปะ...วัตถุประสงค์ ความหมาย โอ้ พระเจ้า"

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. หมึก Ultrachrome HD บนกระดาษ Hannemuhle ขนาด 29.7 x 21 ซม.

Brenda Biondo

"คำสอนของ Josef Albers มีอิทธิพลต่อวิธีคิดของฉันในการจัดวางสีในบริบทต่างๆ และ skyspaces ของ James Turrell มีอิทธิพลต่อวิธีคิดของฉันในการจัดวางสีบรรยากาศในบริบทต่างๆ โดยทั่วไป ความงามโดยรวมของซีรีส์ Paper Skies และ Moving Pictures ของฉันได้รับอิทธิพลอย่างมากจากจิตรกรอเมริกันสมัยใหม่ เช่น Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella เป็นต้น"

Brenda Biondo - Paper Sky no. 21 (ขนาดใหญ่), 2015. พิมพ์ภาพด้วยเทคนิค dye sublimation บนอลูมิเนียม (ผิวด้าน/เงา) ขนาด 83.8 x 96.5 ซม.

Pierre Muckensturm

"ฉันค้นพบเมื่อกว่า 20 ปีก่อน โบสถ์ที่ Ronchamp งานชิ้นสุดท้ายของสถาปนิก Charles Edouard Jeanneret ที่รู้จักกันในชื่อ Le Corbusier ฉันไม่เคยรู้สึกมาก่อนหรือหลังถึงความถูกต้องของความเป็นไปได้ระหว่างความหนักแน่นและความสูง จากนั้นจึงเริ่มต้นการค้นหายาวนานนี้ ซึ่งยังคงหล่อเลี้ยงฉันจนถึงวันนี้ โดยมุ่งหวังที่จะเข้าใกล้ความสัมพันธ์ที่เหมาะสมที่สุดระหว่างความเต็มและความว่าง"

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum และ drypoint บนทองแดง พิมพ์บนกระดาษ bfk rives 250 กรัม ขนาด 56 x 56 ซม.

Jessica Snow

"ฉันอยากพูดถึงศิลปินที่เป็นแรงบันดาลใจให้ฉันมานานหลายทศวรรษ มากกว่าศิลปินคนอื่นใด: Matisse ศิลปินที่สามารถศึกษาตลอดชีวิต งานของเขามีหลายเส้นทางเพราะการทดลองและการค้นหาความเป็นไปได้ใหม่ๆ ในการวาดภาพ งานเหล่านั้นงดงาม ยกระดับจิตใจ ซับซ้อน บางครั้งสวยงามและสงบ บางครั้งยากและท้าทาย—สะท้อนถึงชีวิตที่เป็นอยู่"

Jessica Snow - Fling 1, 2015. สีน้ำบนกระดาษ ขนาด 31.8 x 31.8 ซม.

Susan Cantrick

แทนที่จะระบุอิทธิพลของเธอ Cantrick อ้างถึงศิลปินที่ผลงานของพวกเขาสนใจเธอมากที่สุด ไม่ว่าจะมีความเชื่อมโยงโดยตรงกับงานของเธอหรือไม่ รายชื่อสั้น ๆ ของเธอสำหรับศิลปะสมัยใหม่และร่วมสมัย:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé และ Per Kirkeby นี่คือรายชื่อที่หลากหลายและไม่ครบถ้วน แต่สิ่งที่พวกเขามีเหมือนกันคือความชัดเจน, ความซับซ้อน และความมีชีวิตชีวา—ซึ่งเป็นสิ่งที่ฉันให้ความสำคัญ—แสดงออกผ่านสีและโครงสร้างที่เข้มแข็ง รูปทรงที่โดดเด่น และพื้นที่ภาพวาดที่ตื้น สำหรับยุคก่อนสมัยใหม่ Vermeer, Degas และ Manet อยู่ในอันดับต้น ๆ ของฉัน เพราะคุณสมบัติสามประการนั้น: ความชัดเจน, ความซับซ้อน, ความมีชีวิตชีวา นอกจากนี้ ความตึงเครียดในงานของ Vermeer ที่แสดงออกอย่างมั่นคงสื่อถึงความนิ่งที่จับต้องได้อย่างไม่น่าเชื่อ—การหยุดชะงักของเวลา วิธีเฉพาะของ Degas ในการเน้นพื้นที่ของเขาด้วยบริเวณที่ "เงียบ" ไม่มีชีวิตชีวา และ/หรือองค์ประกอบแนวตั้งที่แข็งแรง ส่งเสริมการชมอย่างต่อเนื่องและมีจังหวะ และ Manet มีความทันทีและสดใหม่ ซึ่งนอกจากความชำนาญทั้งหมดแล้ว ในช่วงที่ดีที่สุดนั้นน่าหลงใหล"

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. สีอะคริลิกบนผ้าลินิน ขนาด 100 x 100 ซม.

Anne Russinof

"ในกรณีของฉัน ฉันไม่ได้รับอิทธิพลจากศิลปินคนใดคนหนึ่งโดยตรง แต่เป็นชุมชนศิลปะที่ฉันเติบโตขึ้นในชิคาโก มีศิลปินอยู่รอบตัวฉันในย่านที่เรียกว่า Lincoln Park หรือ Old Town และเมื่อฉันแสดงความสนใจในการวาดภาพในวัยก่อนวัยรุ่น ฉันได้รับการสนับสนุนให้ไปโรงเรียนที่เกี่ยวข้องกับ Art Institute of Chicago ที่ยอดเยี่ยมสำหรับการวาดภาพรูปคน ที่นั่นฉันได้เดินผ่านพิพิธภัณฑ์ที่มีคอลเลกชันอิมเพรสชันนิสต์ที่มีชื่อเสียงเพื่อเข้าสู่โรงเรียน ฉันคิดว่าสิ่งนี้เป็นพื้นฐานที่สร้างความสนใจของฉันในเส้น, ท่าทาง และสี"

Anne Russinof - Look See, 2014. สีน้ำมันบนผ้าใบ ขนาด 76 x 76 ซม.

Macyn Bolt

"สายศิลปะของฉันพบได้ในศิลปินที่ผสมผสานวิธีการ "ลดทอน" ในการสร้างภาพ/วัตถุเข้ากับความใส่ใจในพื้นผิวและรายละเอียดที่ละเอียดอ่อน Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros และ Sol Lewitt ผุดขึ้นมาในใจ นอกจากนี้ งานประติมากรรมของ Richard Serra, Carl Andre และ Fred Sandback ที่ใช้พื้นที่สามมิติอย่างเฉพาะเจาะจง ยังคงเป็นแรงบันดาลใจให้กับวิธีการวาดภาพของฉัน"

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. สีอะคริลิกบนผ้าใบ ขนาด 122 x 96.9 ซม.