18 ศิลปินนามธรรมร่วมสมัยเปิดใจเกี่ยวกับสายเลือดของพวกเขา

การสอนศิลปะนั้นอันตรายและเป็นไปไม่ได้ แต่ก็เป็นสิ่งที่จำเป็นอย่างยิ่ง สำหรับศิลปะที่จะมีอยู่ ศิลปินต้องเรียนรู้วิธีการที่จะกลายเป็นสิ่งที่พวกเขาจะกลายเป็น และวิธีการสร้างสิ่งที่พวกเขาจะสร้าง บางคนจะเรียนรู้ที่โรงเรียน จากมนุษย์ที่มีข้อบกพร่องคนอื่น ๆ เช่นเดียวกับพวกเขา ที่ได้ทำหน้าที่ที่อันตราย เป็นไปไม่ได้ และจำเป็นในการแบ่งปันกับผู้อื่นสิ่งที่พวกเขาได้เรียนรู้มา สำหรับศิลปินคนอื่น ๆ จะหาครูนอกห้องเรียน พวกเขาอาจเรียนรู้ว่าการเป็นศิลปินหมายถึงอะไรจากการใช้เวลาร่วมกับศิลปินคนอื่น ๆ ที่งานเปิดตัวหรือในบาร์ พวกเขาอาจเรียนรู้ว่าการทำศิลปะหมายถึงอะไรจากการดูวิดีโอออนไลน์ หรือจากการวิเคราะห์ศิลปะที่พวกเขาเห็นในพิพิธภัณฑ์หรือในหนังสือ ศิลปินบางคนอาจสอนตัวเองว่าพวกเขาคืออะไรจากการติดตามแรงบันดาลใจที่ได้รับจากสถาปัตยกรรมและการออกแบบ โดยการตอบสนองต่อความคิดและความรู้สึกที่พวกเขาประสบขณะมีปฏิสัมพันธ์กับสภาพแวดล้อมที่สร้างขึ้นในชีวิตประจำวันและผลิตภัณฑ์และพื้นที่นับไม่ถ้วนของมัน ยังมีคนอื่น ๆ ที่อาจเรียนรู้วิธีการเป็นศิลปินเพียงแค่ยอมรับ—และจากนั้นก็เลี้ยงดู—แรงกระตุ้นภายในของพวกเขาในการสร้างสรรค์ กระบวนการสร้างสรรค์สามารถสอนเราเกี่ยวกับวิธีการสร้าง กระบวนการเป็นสามารถสอนเราเกี่ยวกับสิ่งที่เราต้องการจะเป็น ในที่สุด ทุกคนที่ผ่านกระบวนการเรียนรู้ไปจนถึงช่วงเวลาที่พวกเขาสามารถพูดประโยคว่า "ฉันคือศิลปิน" โดยไม่รู้สึกว่ามันเป็นการโกหก จะมีเรื่องราวที่จะเล่าเกี่ยวกับครูของพวกเขา วันนี้เรานำเสนอคอลเลกชันของเรื่องราวเหล่านี้จากศิลปินที่กล้าหาญพอที่จะแบ่งปันสายเลือดแห่งการเรียนรู้ของพวกเขา พวกเขากล้าหาญเพราะการประกาศมรดกทางสุนทรียศาสตร์หรือแนวคิดของพวกเขาทำให้พวกเขาเผชิญกับภัยคุกคามที่น่ากลัว คุณผู้อ่านอาจตระหนักว่าศิลปินคนหนึ่งเป็นนักเรียนของศิลปินอีกคนหนึ่ง หรือได้รับแรงบันดาลใจจากสิ่งนี้หรือสิ่งนั้น และเข้าใจผิดว่าเป็นทางลัด คุณอาจพูดว่า "อ่า! ตอนนี้ฉันเห็นแล้วว่าพวกเขากำลังเลียนแบบใคร" หรือ "ตอนนี้ฉันเข้าใจศิลปะของพวกเขาแล้ว!" แทนที่จะเป็นเช่นนั้น ในขณะที่คุณอ่านเรื่องราวเหล่านี้เกี่ยวกับวิธีที่ศิลปิน 18 คนนี้กลายเป็นสิ่งที่พวกเขาเป็น ให้ข้อมูลนี้ขยายการรับรู้ของคุณ ติดตามแต่ละเส้นด้ายและขุดลึกลงไป คุณอาจได้เห็นความงามที่อันตราย เป็นไปไม่ได้ และจำเป็นของสิ่งที่หมายถึงการสอนและเรียนรู้ศิลปะอย่างแท้จริง.

อันยา สปีลแมน

Spielman เป็นนักเรียนของ Wayne Thiebauld ขณะเรียนที่มหาวิทยาลัยแคลิฟอร์เนียที่เดวิส เกี่ยวกับครูคนอื่น ๆ ของเธอ เธอกล่าวว่า:

"อิทธิพลที่ยิ่งใหญ่สำหรับฉันคือการได้เห็นภาพสามชิ้นของ Hieronymus Bosch เรื่อง "The Garden of Earthly Delights" ที่พิพิธภัณฑ์ Prado เมื่อฉันยังเป็นวัยรุ่น ฉันรู้สึกทึ่งกับสัญลักษณ์ต่าง ๆ รวมถึงสีสันที่สดใสและการจัดองค์ประกอบที่ซับซ้อนของผลงานของเขา ฉันตอบสนองทันทีต่อความเป็นคู่ในงานของ Bosch: พาเลตต์ที่ชัดเจนและสว่างสดใส: เฉดสีดำหมึก, สีน้ำตาล, ชมพูอ่อน, กระดูก, แดงสด และอาซูไรต์; โค้งของฟองสบู่แห่งความสุขที่โปร่งใสในอีเดนที่ขัดแย้งกับการตกต่ำทางจิตใจและร่างกายที่เจ็บปวดสู่ความนรกที่หลอน Bosch’s visionary genius แสดงให้เห็นถึงธรรมชาติของมนุษย์ในทุกรูปแบบ ด้วยความใกล้ชิดและพลังที่ตรงไปตรงมาซึ่งฉันพบว่าหายากอย่างไม่น่าเชื่อแม้ในวันนี้."

อันยา สปีลแมน - อัลตราไวโอเลต, 2015. น้ำมันบนแผ่นไม้. 15.3 x 15.3 ซม.

ดีแอนนา เซอร์ลิน

Sirlin ศึกษากับ Louis Finkelstein ขณะเป็นนักศึกษาระดับบัณฑิตที่ Queens College, City University of New York ที่โรงเรียนเดียวกัน เธอได้ศึกษากับ Benny Andrews ซึ่งฝึกฝนเป็น Abstract Expressionist ที่ School of the Art Institute of Chicago ในปี 1950; Clinton Hill ซึ่งเป็นผู้ช่วยในสตูดิโอของ Mark Rothko; นักวิจารณ์ศิลปะและบรรณาธิการร่วมของ Artforum Robert Pincus-Witten ซึ่งเธอบอกว่า "ช่วยพัฒนาสายตาวิพากษ์ของฉัน;" และ Charles Cajori ซึ่งเป็นนักเรียนของ Hans Hoffman Sirlin กล่าว:

"[Lineage] เป็นคำถามที่ซับซ้อนจริงๆ ความเชื่อมโยงกับศิลปินก็มีความซับซ้อนเช่นกัน แอน ทรูอิตต์มีความสำคัญต่อฉันเมื่อฉันเป็นศิลปินหนุ่มที่ยัดโด เมลิสซา เมเยอร์ก็อยู่ที่นั่นในฤดูร้อนนั้น [1983] เอริน ลอว์ลอร์เป็นเพื่อนร่วมสตูดิโอของฉันที่ศูนย์รอธโกในลัตเวีย โฮเซ เฮอร์คินส์อยู่ที่ศูนย์รอธโกในเวลาเดียวกับเราที่ [2016] คารา วอล์คเกอร์เป็นนักเรียนเมื่อฉันสอนที่วิทยาลัยศิลปะแอตแลนตา และคารากับฉันแสดงในไบเอนนาแอลแอตแลนตาในปี 1992 จากนั้นก็มีศิลปินคนอื่นๆ—นักเขียนและนักเขียนบทละคร เฮย์เดน เฮอร์เรร่า [ชีวประวัติของฟรีดา คาห์โลและอาร์ชิล กอร์กี] เป็นที่ปรึกษาของฉันในฐานะนักเขียนศิลปะ คริส ครอส [I Love Dick] และฉันอยู่ที่ยัดโดด้วยกัน...ฉันเป็นเพื่อนสนิทของนักเขียนบทละคร โรนัลด์ ทาเวล [Theatre of the Ridiculous] เขาเป็นนักเขียนบทภาพยนตร์ให้กับวอร์ฮอล...ฉันหวังว่าฉันจะไม่ทำให้คุณสับสนในคำตอบเพิ่มเติมนี้"

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. สื่อผสมบนผ้าใบ ขนาด 127 x 106.7 ซม.

เบรนดา แซปปิเทลล์

"เมื่อฉันเริ่มต้นการวาดภาพครั้งแรก ฉันได้รับอิทธิพลจากปิกัสโซมากที่สุด ฉันถูกดึงดูดโดยการใช้สีและการทำเครื่องหมายของเขา โดยเฉพาะใน "Girl Before A Mirror" (1932) ต่อมาเมื่อฉันเริ่มวาดภาพในแนว Abstract Expressionist มากขึ้น ฉันก็ถูกดึงดูดไปที่โจน มิทเชลล์และวิลเลียม เดอ คูนิง อย่างไรก็ตาม ฉันเริ่มมองงานของพวกเขาหลังจากที่ฉันเริ่มวาดในลักษณะนี้ ไม่ใช่ก่อนหน้านั้น."

Brenda Zappitell - At the moment, 2017. ฟลาชและอะคริลิกผสมขี้ผึ้งเย็นบนแผ่นไม้ ขนาด 127 x 127 ซม.

ดาเนียล เกิททิน

ในการสัมภาษณ์ปี 2006 สำหรับ Minus Space NY จิตรกร Chris Ashley ถาม Göttin ว่าเขาเริ่มต้นอย่างไรในฐานะศิลปิน Göttin ตอบว่า:

"ประวัติศาสตร์ศิลปะบางครั้งก็แกล้งทำเป็นว่าขบวนการศิลปะเฉพาะนั้นเป็นเอนทิตีที่สมบูรณ์ การใช้คำว่า "คอนกรีต" ไม่จำเป็นต้องสอดคล้องกับพื้นฐานทางอุดมการณ์ของ Konkrete Kunst ซึ่งยังอิงจากแนวคิดเกี่ยวกับสังคมและการเมือง ความกังวลของฉันคือเอนทิตีที่สามารถรวมถึงความขัดแย้ง—ใช่และไม่ใช่ และแม้กระทั่งอาจจะใช่ ความเริ่มต้นของฉันคือการสังเคราะห์มุมมองหรือจุดยืนที่แตกต่างกันในเวลาเดียวกัน ซึ่งสำหรับฉันคือมุมมองเชิงพื้นที่ มันสามารถชัดเจนหรือละเอียดอ่อน สมมาตรหรือไม่สมมาตร หรือทั้งสองอย่างร่วมกัน โดยมีหรือไม่มีความขัดแย้ง มันสามารถเป็นกฎและการเบี่ยงเบนร่วมกัน บางส่วนของผลงานก่อนหน้านี้ที่ฉันทำคือการสร้างภาพปะติดที่เกี่ยวข้องกับงานของ Kurt Schwitters (Merz) วัสดุที่พบใดๆ ที่ถูกติดกาวอย่างหยาบๆ ลงบนแผ่นกระดานแข็ง—ทางกายภาพ ตรงไปตรงมา ด้นสด บังเอิญ มีสีสัน แม้กระทั่งดาดา ต่อมา ฉันเริ่มสนใจใน Minimal Art ซึ่งงานศิลปะมักถูกวางแผนอย่างแม่นยำ และสร้างขึ้นอย่างสมบูรณ์และชัดเจนด้วยการใช้วัสดุที่กำหนดและความใส่ใจในรายละเอียด ทั้งสองขบวนการมีความสำคัญต่อฉัน และบางครั้งฉันเห็นผลงานของฉันมีส่วนประกอบของทั้งสองอย่าง สอดคล้องกันระหว่างสองตำแหน่งทางประวัติศาสตร์ศิลปะนั้น"

แดเนียล เกอทิน - ไม่มีชื่อ 2 (สีชมพู), 1992. อะคริลิคบนพาเวเท็กซ์. 97 x 58.5 x 3 ซม.

แกรี่ พาเลท

"มันค่อนข้างยากที่จะเข้าใจอิทธิพลของตัวเอง อย่างน้อยสำหรับฉัน เพราะฉันทำงานส่วนใหญ่จากสัญชาตญาณและไม่ค่อยจากสติสัมปชัญญะ ฉันคิดว่าปีที่ formative ของฉันในฐานะนักศึกษา ศิลปะที่ UCLA (ปริญญาตรี 74, ปริญญาโท 77) มีส่วนสำคัญต่อสิ่งที่ฉันเป็น ในสมัยนั้น UCLA เป็นโรงเรียนที่เน้นการวาดภาพมาก โดยมีแนวโน้มแบบยุโรป/โมเดิร์น สำหรับชั้นเรียนการวาดภาพครั้งแรกของฉัน ฉันถูกลงทะเบียนให้เรียนชั้นเรียนการวาดภาพเบื้องต้นกับ Richard Diebenkorn (ฉันไม่รู้ว่าเขาคือใคร) แต่เขากับคณาจารย์มีปัญหาบางอย่าง และตำแหน่งของเขาถูกยกเลิกก่อนที่ชั้นเรียนจะเริ่ม ดังนั้นฉันจึงเรียนกับ Richard Joseph นักเรียนนิยมใหม่ ซึ่งทำให้ฉันมีพื้นฐานที่มั่นคง มันไม่ใช่จนกระทั่งหกเดือนต่อมา เมื่อทำงานในชั้นเรียนการวาดภาพที่ก้าวหน้ากว่ากับ Charles Garabedian ที่ฉันเริ่มทดลองกับนามธรรม ตลอดหลายปีที่ผ่านมา ศาสตราจารย์ที่มีอิทธิพลต่อฉันมากที่สุดคือ William Brice บิลเป็นครูและเพื่อนที่มีความสามารถในการสื่อสาร มีศักดิ์ศรี ใจกว้าง คิดมาก และตลก ในฐานะศิลปินที่ทำงานหนักและมีผลงานมากมาย เขามักพูดถึงความจำเป็นในการใช้เวลาในสตูดิโอในการทำงาน และสิ่งอื่น ๆ นั้นไม่สำคัญเท่า ฉันนึกถึงเขาบ่อยครั้งและรู้สึกโชคดีมากที่ได้รู้จักเขามานาน มันใช้เวลาหลายปีในการแยกตัวเองออกจากแนวคิดในการเป็นนักเรียนและจากการได้ยินเสียงของอาจารย์เก่าของฉันในหัวของฉันเมื่อใดก็ตามที่ฉันวาด แต่เมื่อเวลาผ่านไป ฉันได้บรรลุความเข้าใจที่ชัดเจนเกี่ยวกับตัวตนของฉันและความรับผิดชอบที่ฉันมีในการสร้างงานที่เติมเต็มวิสัยทัศน์ของฉัน ฉันมักจะเห็นแง่มุมของศิลปินคนอื่นในงานของฉัน บางครั้งรู้สึกว่ามีการเชื่อมต่อจริง ๆ ผ่านแนวคิดเดียวกัน และบางครั้งมันก็แค่ดูเหมือนว่าความคล้ายคลึงกันนั้นเป็นเพียงผิวเผิน ในที่สุด ให้ผู้เขียนศิลปะพูดคุยเกี่ยวกับอิทธิพลต่าง ๆ "

แกรี่ พัลเลอร์ - 9 (2015), 2015. หมึกบนกระดาษ. 37.8 x 29 ซม.

เทรซี่ อดัมส์

"ไมเคิล มาซูร์ (1935-2009) เป็นครูสอนการพิมพ์ของฉันเมื่อ 25 ปีที่แล้ว เราได้พบกันครั้งแรกเมื่อฉันพักอยู่ที่ศูนย์ศิลปะในโปรวินซ์ทาวน์ ซึ่งไมเคิลได้จัดเวิร์กช็อปการพิมพ์เป็นเวลาหนึ่งสัปดาห์ มีหลายสิ่งที่โดดเด่นเกี่ยวกับการเชื่อมต่อครั้งแรกของเรา: ไมเคิลเป็นคนที่มีความเห็นอกเห็นใจและมีสำนึกทางสังคมอย่างมาก ไม่เพียงแต่ในหัวข้อที่เขาเลือก (ภาพวาดและการพิมพ์ของผู้ป่วยที่ทุกข์ทรมานในโรงพยาบาลจิตเวชและสัตว์ที่อยู่หลังกรงในสวนสัตว์) แต่ยังรวมถึงการสนทนาแบบตัวต่อตัวของเราเกี่ยวกับชีวิต เขาสอนให้ฉันมีน้ำใจผ่านการเป็นแบบอย่างเพื่อเป็นการชดเชยความหมกมุ่นในสตูดิโอ ไม่มีอะไรเกี่ยวกับเทคนิคของเขาหรือการแสวงหาอาชีพศิลปะที่ไมเคิลไม่ยินดีที่จะแบ่งปัน ไมเคิลใช้เวลาอยู่ในประเทศจีนในช่วงปลายปี 80 และมันเป็นความรักของเขาที่มีต่อภูมิทัศน์เอเชียที่ทำให้ฉันเรียนรู้ที่จะทำให้ท่าทางของฉันเรียบง่าย เพื่อวาดด้วยเศรษฐกิจของการแสดงออก ซึ่งเป็นสิ่งที่ฉันถือใกล้หัวใจมาก ฉันจะไม่มีวันลืมอารมณ์ขันของเขาเมื่อเขาพูดกับฉันว่า "เทรซี่ นี่มัน ungepatchke!" ซึ่งเป็นคำในภาษายิดดิชที่หมายถึงยุ่งเหยิงและตกแต่งมากเกินไป."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. กัวช์, กราไฟต์ และหมึกบนกระดาษริฟส์ ขนาด 66 x 50.8 ซม.

คยองลี

ลี อ้างว่าแรงบันดาลใจแรกของเธอคือภาพสีน้ำโดยพอล เซซานที่เธอเห็นเมื่ออายุ 11 ปี ซึ่งทำให้เกิด "ความประทับใจที่ไม่อาจลืมเลือน" เธอกล่าวต่อไปว่า:

"อาจารย์ของฉัน คลอส สตึมเพล เป็นคนที่ใกล้ชิดกับธรรมชาติจนแทบจะถูกเรียกว่า 'ชาวนา' เขาแนะนำให้ฉันศึกษาฟรานติเซค คุปก้า ฉันศึกษากระบวนการที่เขาเป็นนามธรรมและมุมมองจักรวาลและลึกลับของเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ฉันเรียนรู้มากกว่าสิ่งอื่นใดเกี่ยวกับความรักในชีวิตของเขาและความตั้งใจที่จะรักษาความคิดของเขา เมื่อฉันกลับมาที่เกาหลี ฉันคิดถึงคานดินสกี้อีกครั้ง ฉันคิดว่าความปรารถนาของเขาที่จะค้นหาความจริงที่เป็นวัตถุและสากลในศิลปะเป็นความท้าทายที่เป็นไปไม่ได้ ฉันคิดว่าศิลปะเป็นเรื่องส่วนตัวและมีอารมณ์มากกว่าสิ่งอื่นใด เมื่อฉันค้นหาด้านในที่ลึกที่สุดของตัวเอง ฉันสามารถสื่อสารกับภายในของผู้อื่นได้ ฉันคิดว่าศิลปะสามารถเป็นสื่อที่เชื่อมโยงไมโครคอสมอส (มนุษย์) และมาโครคอสมอส (โลก) โดยเฉพาะอย่างยิ่ง สีเป็นหัวข้อของการวิจัยของฉัน ฉันกำลังมองหาสีในฐานะคำคุณศัพท์ ฉันชอบทัศนคติของริชเตอร์ต่อการทำงาน ความหลงใหลในภาพวาด และจิตวิญญาณของการทดลอง บางทีออน คาวาระ? ฉันชอบผลงานของเขาที่เขาต้องการพิสูจน์ว่ามีชีวิตอยู่ และฉันต้องการพิสูจน์ให้ตัวเองเห็นโดยการทำงานทุกวันว่าฉันยังมีชีวิตอยู่ ทั้งทางอารมณ์และความรู้สึก ความคิดของฉันเกี่ยวกับวาสซิลี คานดินสกี้และมินิมอลลิสต์คนอื่น ๆ แตกต่างจากมุมมองทั่วไปมาก ฉันไม่เห็นด้วยกับมุมมองทางศิลปะของพวกเขา."

เคียง ลี - ภาพกับสีขาว, 2008. อะคริลิคบนผ้าใบ, 150 x 200 ซม.

โจแอนน์ ฟรีแมน

Freeman อ้างถึงอิทธิพลที่รวมถึงศิลปิน (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman, และ Andy Warhol), นักออกแบบ (Saul Bass และ Roy Kuhlman) และสถาปนิก (Le Corbusier) แต่เธอยังพูดถึงวิธีส่วนตัวที่วัฒนธรรมมีอิทธิพลต่อศิลปะของเธอ เช่นในเรื่องเล่าต่อไปนี้:

"ธุรกิจของพ่อฉันคือการทำป้ายโฆษณา เช่นเดียวกับเด็กเมืองส่วนใหญ่ในอเมริกา ฉันเติบโตขึ้นในเบาะหลังของรถยนต์ โดยมีความตระหนักรู้เกี่ยวกับป้ายโฆษณาและไฟนีออนอย่างมาก สิ่งกระตุ้นทางสายตาที่ดึงดูดความสนใจเป็นส่วนหนึ่งของจิตวิญญาณของฉัน เมื่อเร็ว ๆ นี้ฉันได้ไปเยี่ยมชม MoMA ในเมืองนิวยอร์ก และรู้สึกประทับใจอีกครั้งกับภาพวาดของ Barnett Newman "Vir Heroicus Sublimis" (Man, Heroic and Sublime) (1950-51) การตอบสนองทางอารมณ์ของฉันต่อพลัง ความเร่งด่วน และความเรียบง่ายของมันนั้นท่วมท้น ยืนยันอดีตทางสายตาและอัตลักษณ์ของตัวเองอีกครั้ง."

โจแอนน์ ฟรีแมน - Covers 13-Purple, 2014. กัวช์บนกระดาษคาดีทำมือ ขนาด 33.1 x 33.1 ซม.

เบรนท์ ฮาลลาร์ด

"สำหรับฉัน มันคือ มอนเดรียน ศิลปินนามธรรมในยุคนั้นทำงานในเชิงแนวคิดมากขึ้นกับนามธรรม หมายความว่าพวกเขาชอบแนวคิดของมัน ในขณะที่มอนเดรียนทำงานย้อนกลับผ่านกลไกและออกมาจากอีกด้านหนึ่งด้วยการประดิษฐ์พื้นผิวภาพใหม่ ไม่ค่อยมีใครทำแบบนั้นตั้งแต่นั้นมา ฉันจึงเริ่มคิดว่าต้องมีวิธีอื่น ๆ ในการเข้าสู่พื้นที่แปลก ๆ นี้ที่มอนเดรียนมีความเข้าใจอย่างชัดเจน [Ellsworth] เคลลี่ และ [Robert] แมนโกลด์ แสดงวิธีอื่น ๆ ในการแสดงออกถึง ‘พื้นที่’ นี้ ประสบการณ์ของศิลปินเหล่านี้ทำให้ฉันมีพื้นที่ในการชื่นชมความพยายามของเพื่อนร่วมงานของฉันจริง ๆ และพยายามที่จะก้าวผ่านซองจดหมายถัดไป."

เบรนท์ ฮัลลาร์ด - เมฆ, 2013. อะคริลิคบนกระดาษ. 25.4 x 35.6 ซม.

ออเดรย์ สโตน

"ฉันได้รักและคิดถึงผลงานของ Vija Celmins บ่อยครั้ง การสังเกตอย่างเข้มข้นและการดำเนินการอย่างสงบของเธอทำให้ฉันรู้สึกมีแรงบันดาลใจมาก หลุยส์ บูร์จัวส์ เป็นแรงบันดาลใจให้ฉันเสมอด้วยความมุ่งมั่นในการแสดงออกในสื่อที่ดีที่สุดสำหรับความคิดของเธอ แรงบันดาลใจที่ชัดเจนกว่าคือ Agnes Martin ฉันชอบความสงบมั่นใจของเธอ และ Mark Rothko สำหรับอารมณ์ที่งานของเขาสามารถสร้างขึ้นได้."

ออเดรย์ สโตน -เลขที่ 61, 2011. เส้นด้าย, หมึกและกราไฟต์บนกระดาษ. 43.2 x 35.6 ซม.

ปิแอร์ โอวิลล์

Auville กล่าวถึงบล็อกเฮาส์ของเยอรมันในยุคสงครามโลกครั้งที่ 2 ที่ตั้งเรียงรายอยู่ตามชายฝั่งมหาสมุทรแอตแลนติกของฝรั่งเศส เขากล่าวว่า "คนส่วนใหญ่ถือว่ามันเป็นรอยแผลที่น่าเกลียด ในสายตาของฉัน สสารของมันเป็นส่วนหนึ่งของภูมิทัศน์ เวลาได้หลอมรวมมันเข้ากับทราย, เนินทราย และทะเล หรือกับภาพวาดที่ศิลปินข้างถนนวาดลงบนมัน" นอกจากนี้ Auville ยังได้รับผลกระทบจากประสบการณ์นี้ตั้งแต่ยังเยาว์วัย:

"เมื่ออายุหกหรือเจ็ดขวบ ฉันมีโอกาสได้ไปเยือนถ้ำลาสโกซ์ในภาคตะวันตกเฉียงใต้ของฝรั่งเศส มันทำให้ฉันตกใจ พ่อแม่ของฉันซื้อของเลียนแบบเป็นของที่ระลึก และฉันใช้เวลาหลายชั่วโมงมองดูมันในห้องใต้ดินของบ้านเรา สงสัยว่าสิ่งที่ทำให้ภาพเหล่านั้นแตกต่างจากงานศิลปะจริงคืออะไร ความแตกต่างนั้นชัดเจน แต่ฉันพยายามที่จะเข้าใจสาระสำคัญของมัน ฉันเปิดและปิดไฟ แปะทรายลงบนภาพในความพยายามที่จะเลียนแบบสาระของภาพวาดลาสโกซ์ แต่ไม่เคยไปถึงสิ่งที่ฉันคิดว่าเป็นจิตวิญญาณของมัน"

ปิแอร์ โอวิล - 4 สี่เหลี่ยม, 2014. ซีเมนต์ที่มีสีบนแผ่นโฟม. โครงสร้างและกรอบแขวนที่ด้านหลัง. 120 x 120 x 6 ซม.

ลุค เดอ ฮาน

De Haan กล่าวถึงอิทธิพลที่หลากหลายตั้งแต่อาร์ตติส (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) ไปจนถึงนักออกแบบอัลบั้ม (Hipgnosis, Peter Saville) และนักดนตรี (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno) เขากล่าวว่า:

"ในปีที่ก่อนวัยรุ่นของฉัน ภาษาเชิงภาพของ Piet Mondriaan ได้รับความสนใจมากมายในเนเธอร์แลนด์ ฉันยังเด็กเกินไปที่จะคิดในแง่ของศิลปะ แต่ Mondriaan ก็อยู่ที่นั่น และมันก็น่าสนใจ และยังคงเป็นเช่นนั้น! หลังจากนั้นไม่นาน ฉันได้รู้จักกับ Suprematists ซึ่งเหมือนกับฉัน ใช้รูปทรงเรขาคณิตเป็นจุดเริ่มต้น เพราะพี่สาวของฉันอายุมากกว่าฉันประมาณห้าปี ฉันจึงค้นพบ (ผ่านแฟนของพวกเธอ) ดนตรี 'ก้าวหน้า' และการออกแบบปกที่เกี่ยวข้องในช่วงวัยรุ่นตอนต้น ไม่แปลกใจเลยที่ฉันอยากเป็นนักออกแบบศิลปะปก หากฉันต้องเลือกศิลปินภาพหนึ่งคนที่เปลี่ยนวิธีการมองของฉัน มันจะเป็น Ellsworth Kelly ในช่วงกลางทศวรรษ 80s พิพิธภัณฑ์ Stedelijk ในอัมสเตอร์ดัมได้ซื้อ "Blue Curve VI" (1982) ฉันไปดูมันเป็นประจำและศึกษาภาษาเชิงภาพ แต่ตอนนี้ อาจจะสำคัญกว่านั้น ฉันยังได้รับการชี้นำจากปฏิกิริยาของตัวเองต่อศิลปะ...ฉันเริ่มคิดเกี่ยวกับศิลปะ...วัตถุประสงค์ ความหมาย โอ้ พระเจ้า."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. หมึก Ultrachrome HD บนกระดาษ Hannemuhle ขนาด 29.7 x 21 ซม.

เบรนดา บลอนด์

"คำสอนของ Josef Albers มีอิทธิพลต่อวิธีที่ฉันคิดเกี่ยวกับการใส่สีในบริบทที่แตกต่างกัน และ skyspaces ของ James Turrell มีอิทธิพลต่อวิธีที่ฉันคิดเกี่ยวกับการใส่สีบรรยากาศในบริบทที่แตกต่างกัน โดยทั่วไปแล้ว ความสวยงามโดยรวมของชุด Paper Skies และ Moving Pictures ของฉันได้รับอิทธิพลอย่างมากจากจิตรกรอเมริกันสมัยใหม่ เช่น Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella เป็นต้น."

Brenda Biondo -Paper Sky หมายเลข 21 (ขนาดใหญ่), 2015. การพิมพ์ด้วยการย้อมซับลิเมชันบนอลูมิเนียม (ผิวด้าน/เงา). 83.8 x 96.5 ซม.

ปิแอร์ มัคเคนสตวร์ม

"เมื่อมากกว่า 20 ปีที่แล้ว ฉันได้ค้นพบโบสถ์ที่รอนช็องป์ ซึ่งเป็นผลงานชิ้นสุดท้ายของสถาปนิก ชาร์ล เอโดอาร์ เจอันเนเรต์ หรือที่รู้จักกันในชื่อ เลอ คอร์บูซิเยร์ ฉันไม่เคยรู้สึก ไม่ว่าจะก่อนหรือหลัง ว่ามีการรับรู้ถึงความถูกต้องของความเป็นไปได้ระหว่างความมวลและความสูง จากนั้นการค้นหาที่ยาวนานนี้ก็เริ่มต้นขึ้นสำหรับฉัน ซึ่งยังคงหล่อเลี้ยงฉันในวันนี้ โดยมีเป้าหมายเพื่อเข้าใกล้ความสัมพันธ์ที่เหมาะสมที่สุดระหว่างความเต็มและความว่าง."

ปิแอร์ มัคเคนสตุม - 17.1, 2017. คาร์โบรันดัมและดรายพอยต์บนทองแดง. การพิมพ์บนกระดาษ BFK Rives 250 G. 56 x 56 ซม.

เจสสิก้า สโนว์

"ฉันอยากจะพูดคุยเกี่ยวกับศิลปินที่เป็นแรงบันดาลใจให้ฉันมาหลายทศวรรษ มากกว่าศิลปินคนอื่น ๆ: มาติส ศิลปินที่สามารถศึกษาได้ตลอดชีวิต ผลงานของเขามีหลากหลายเส้นทางเพราะการทดลองและการค้นคว้าหาโอกาสใหม่ ๆ ในการวาดภาพ ผลงานของเขาสวยงาม ยกระดับ ซับซ้อน บางครั้งก็สวยงามและสงบ บางครั้งก็ยากลำบากและท้าทาย—สะท้อนถึงชีวิตที่เป็นอยู่."

เจสสิก้า สโนว์ - ฟลิง 1, 2015. สีน้ำบนกระดาษ. 31.8 x 31.8 ซม.

ซูซาน แคนทริก

แทนที่จะระบุอิทธิพลของเธอ, Cantrick อ้างถึงศิลปินที่ผลงานของพวกเขาสนใจเธอมากที่สุด ไม่ว่าจะมีความเชื่อมโยงโดยตรงกับผลงานของเธอหรือไม่ รายชื่อสั้น ๆ ของเธอสำหรับศิลปะสมัยใหม่และร่วมสมัย:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé, และ Per Kirkeby นี่คือรายชื่อที่หลากหลายและไม่ครบถ้วน แต่สิ่งที่พวกเขามีร่วมกันคือความชัดเจน ความซับซ้อน และความมีชีวิตชีวา—ซึ่งเป็นสิ่งที่ฉันสนใจ—ที่แสดงออกผ่านสีสันที่เข้มข้นและโครงสร้าง รูปทรงที่ชัดเจน และพื้นที่การวาดภาพที่ตื้น สำหรับยุคก่อนสมัยใหม่ Vermeer, Degas, และ Manet อยู่ในอันดับต้น ๆ ของรายชื่อของฉัน เพราะอีกครั้งหนึ่งคือสามคุณสมบัตินั้น: ความชัดเจน ความซับซ้อน และความมีชีวิตชีวา นอกจากนี้: ความตึงเครียดในงานที่มีความแน่นหนาของ Vermeer สื่อถึงความนิ่งที่สัมผัสได้อย่างเหลือเชื่อ—การหยุดชั่วขณะของเวลา วิธีเฉพาะของ Degas ในการเน้นพื้นที่ของเขาด้วยพื้นที่ "เงียบ" ที่ไม่มีชีวิตชีวาและ/หรือองค์ประกอบแนวตั้งที่แข็งแกร่ง ส่งเสริมการชมที่ยาวนานและมีจังหวะ และมีความเร่งด่วนและความสดใหม่ในงานของ Manet ซึ่งนอกเหนือจากความเชี่ยวชาญทั้งหมดแล้ว ในช่วงเวลาที่ดีที่สุดนั้นดึงดูดใจอย่างมาก."

ซูซาน แคนทริค -sbc 141, 2012. อะคริลิคบนผ้าใบ. 100 x 100 ซม.

แอนน์ รุสซิโนฟ

"ในกรณีของฉัน ฉันไม่ได้รับอิทธิพลจากศิลปินคนใดคนหนึ่งโดยเฉพาะ แต่เป็นชุมชนศิลปะที่ฉันเติบโตขึ้นในชิคาโก มีศิลปินอยู่รอบๆ ในย่านของฉัน ซึ่งเรียกว่าย่านลินคอล์นพาร์คหรือโอลด์ทาวน์ และเมื่อฉันแสดงความสนใจในการวาดภาพในฐานะวัยรุ่น ฉันได้รับการสนับสนุนให้ไปเรียนที่โรงเรียนที่เกี่ยวข้องกับสถาบันศิลปะที่ยอดเยี่ยมของชิคาโกเพื่อการวาดภาพรูปทรง ที่นั่นฉันได้เดินผ่านพิพิธภัณฑ์ที่มีคอลเลกชันอิมเพรสชันนิสต์ที่มีชื่อเสียงเพื่อเข้าสู่โรงเรียน ฉันคิดว่านั่นเป็นพื้นฐานที่ก่อตั้งความสนใจของฉันในเรื่องเส้น ท่าทาง และสี."

แอน รัสซิโนฟ - ลุค ซี, 2014. สีน้ำมันบนผ้าใบ. 76 x 76 ซม.

แมคซิน โบลต์

"สายเลือดทางศิลปะของฉันพบได้ในศิลปินที่รวมเอาวิธีการ "ลดทอน" ในการสร้างภาพ/วัตถุเข้ากับความใส่ใจในพื้นผิวและรายละเอียดที่ละเอียดอ่อน ศิลปินอย่าง Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros และ Sol Lewitt ล้วนเป็นตัวอย่างที่นึกถึง นอกจากนี้ ผลงานประติมากรรมของ Richard Serra, Carl Andre และ Fred Sandback ที่มีการใช้พื้นที่สามมิติอย่างเฉพาะเจาะจง ยังคงเป็นแรงบันดาลใจให้กับวิธีการวาดภาพของฉันต่อไป."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. อะคริลิคบนผ้าใบ. 122 x 96.9 ซม.