Gagosian Paris รวบรวมศิลปินที่สร้างสรรค์งานศิลปะ Blanc sur Blanc

นิทรรศการที่ Gagosian ปารีส ชื่อ Blanc sur Blanc (ขาวบนขาว) ได้จุดประกายการถกเถียงที่ไม่มีวันสิ้นสุดเกี่ยวกับความถูกต้องของศิลปะสีขาวทั้งหมดอีกครั้ง การสนทนานี้ย้อนกลับไปอย่างน้อยตั้งแต่ปี 1918 เมื่อศิลปินชาวรัสเซีย Kazimir Malevich ผู้ก่อตั้ง Suprematism ได้เปิดตัวภาพวาดของเขา “White on White”—ภาพของสี่เหลี่ยมสีขาวที่เอียงบนพื้นหลังสีขาว Malevich เป็นที่รู้จักในด้านภาพวาด “Black Square” ที่เขาเปิดเผยเมื่อสามปีก่อนใน The Last Futurist Exhibition 0,10 อย่างไรก็ตาม “White Square” ได้ยกระดับความโกรธไปอีกขั้นโดยไม่เพียงแต่ท้าทายคุณค่าของเนื้อหาในศิลปะ แต่ยังท้าทายคุณค่าของสีด้วย ในช่วงเวลาหลังจาก Malevich ศิลปินอีกนับไม่ถ้วนได้สร้างงานศิลปะสีขาวทั้งหมด: ตั้งแต่ “White Painting (Three Panel)” (1951) ของ Robert Rauschenberg (ผู้กล่าวว่า “ผ้าใบไม่เคยว่างเปล่า”); ไปจนถึงประติมากรรมสีขาวทั้งหมดที่มีลักษณะดิบและกึ่งนามธรรมของ Cy Twombly; ไปจนถึงแสงสีขาวที่เรียบง่ายใน “Untitled (Electric Light)” (2019) ซึ่งเป็นประติมากรรมแสงสีขาวโดย Mary Corse นักสะสมงานศิลปะเชื่อมั่นอย่างยิ่งในคุณค่าทางวัฒนธรรมและการเงินของศิลปะสีขาวทั้งหมด ซึ่งเห็นได้จากผลการประมูลล่าสุดอย่างน้อยสองรายการ: “Bridge” (1980) ซึ่งเป็นภาพวาดสีขาวทั้งหมดโดย Robert Ryman ที่ขายที่ Christie’s ในราคาเกิน 20 ล้านดอลลาร์สหรัฐในปี 2015 และ “21 Feuilles Blanches” (1953) ซึ่งเป็นโมบายสีขาวทั้งหมดโดย Alexander Calder ที่ขายได้ 17.9 ล้านดอลลาร์สหรัฐในปี 2018 (มากกว่าสองเท่าของการประเมินสูงสุด) อย่างไรก็ตาม สำหรับผู้ที่อยู่นอกวงการศิลปะ ศิลปะสีขาวบนสีขาวอาจทำให้รู้สึกโกรธได้ บางทีความอัจฉริยะของนิทรรศการ Gagosian ในปัจจุบันคือมันไม่ได้แสดงให้สาธารณชนเห็นเพียงงานศิลปะสีขาวทั้งหมดชิ้นเดียว หรือการเลือกงานสีขาวทั้งหมดจากศิลปินคนเดียว แต่กลับนำผลงานจาก 27 ศิลปินมารวมกัน ซึ่งครอบคลุมช่วงเวลาที่หลากหลาย ขบวนการ สื่อเจตนา และภูมิหลังส่วนบุคคล การเห็นงานศิลปะสีขาวมากมายในที่เดียวในเวลาเดียวกันเผยให้เห็นความจริงที่มีความละเอียดอ่อนที่ผู้เกลียดชังหลายคนไม่ยอมรับ: ไม่มีสิ่งที่เรียกว่า สีขาวธรรมดาเลยจริงๆ.

ขาวเหมือนแถลงการณ์

ในบรรดาผลงานที่จัดแสดงใน Blanc sur Blanc มีผืนผ้าใบสีขาวที่ถูกเฉือนโดยศิลปินชาวอิตาลี Lucio Fontana ในเอกสารประชาสัมพันธ์สำหรับการแสดงนี้ Gagosian กล่าวถึงเรียงความที่ Fontana ตีพิมพ์ในปี 1946 ชื่อว่า Manifesto Blanco (แมนิเฟสโตสีขาว) แม้ว่าเรียงความนี้จะมีลักษณะการพูดที่รุนแรง แต่ก็สามารถให้แนวทางบางอย่างแก่ผู้ชมที่สงสัยในคุณค่าของการวาดภาพโมโนโครม อย่างไรก็ตาม ตรงกันข้ามกับสิ่งที่ชื่อเรื่องบ่งบอก แมนิเฟสโตสีขาวไม่เคยกล่าวถึงสีขาวจริงๆ แต่พูดถึงความจำเป็นในการสร้างศิลปะใหม่ที่ "ปราศจากศิลปะที่ประดิษฐ์ขึ้นทางสุนทรียศาสตร์" สำหรับ Fontana ความบริสุทธิ์ของสีขาวเป็นสัญลักษณ์ของจุดเริ่มต้นใหม่นี้ แมนิเฟสโตสีขาวเรียกร้องให้ศิลปินมุ่งเน้นไปที่ "สี องค์ประกอบของพื้นที่; เสียง องค์ประกอบของเวลา; และการเคลื่อนไหว ซึ่งพัฒนาในเวลาและพื้นที่" กลยุทธ์ที่ Fontana ยืนยันว่าจะส่งผลให้เกิดผลงานที่ "ใกล้ชิดกับธรรมชาติมากกว่าที่เคยในประวัติศาสตร์ของศิลปะ"

มุมมองการติดตั้ง งานศิลปะ จากซ้ายไปขวา: © Foundation Lucio Fontana, Milano / โดย SIAE / ADAGP, Paris, 2020; © Cy Twombly Foundation; © Imi Knoebel / ADAGP, Paris, 2020. ภาพ: Thomas Lannes

แนวคิดที่แสดงใน White Manifesto เป็นพื้นฐานของ Spatialism ซึ่งเป็นขบวนการที่ Fontana ก่อตั้งขึ้นในปีถัดไป ตลอดระยะเวลา 20 ปี Fontana ได้ชี้แจงองค์ประกอบหลักของ Spatialism ผ่านสองชุดงานที่เปลี่ยนแปลงวงการ ศิลปะ ชุดแรกคือชุด "Environments" ซึ่งเป็นประติมากรรมแสง 15 ชิ้นที่ปัจจุบันถือว่าเป็นตัวอย่างแรกของศิลปะติดตั้ง แต่ละ "Environment" เป็นห้องที่สร้างขึ้นตามสั่งซึ่งมีแสงสีเดียวส่องสว่าง ไม่ว่าจะเป็นสีขาว สีดำ สีแดง สีน้ำเงิน สีเขียว หรือสีใดก็ตาม Fontana เชื่อว่าการรวมกันของสีเดียวกับพื้นที่ว่างนั้นแสดงถึงแก่นแท้ของแนวคิดของเขา ชุดงานที่สองที่ Fontana สร้างขึ้นเพื่ออธิบายแนวคิดของ Spatialism คือชุดผ้าใบที่ถูกเฉือนซึ่งเป็นที่รู้จักกันในปัจจุบันว่าเป็นชุดที่มีชื่อเสียง ผิวเรียบสีเดียวที่ถูกเฉือนด้วยมีด รอยเฉือนเหล่านี้ไม่ใช่เพียงการแสดงออกถึงดราม่าเท่านั้น แต่ยังสร้างทางเข้าสู่โลกแห่งการเคลื่อนไหว สี และพื้นที่ รอยเฉือนแต่ละรอยดึงดูดผู้ชมให้มีบทบาทที่กระตือรือร้น โดยดึงเราเข้าไปข้างในด้วยการเปิดเผยภาพเล็ก ๆ ของพื้นที่ที่อยู่เบื้องหลังภาพวาด โดยการทำให้ส่วนที่ไม่เคยถูกใช้มาก่อนในภาพวาดเป็นส่วนสำคัญของเนื้อหา Fontana จึงสร้างสรรค์สิ่งที่มีชีวิตชีวาและลึกลับ เมื่อมองย้อนกลับไปที่ "Environments" ของเขา จะเห็นได้ชัดว่าผ้าใบที่ถูกเฉือนเหล่านี้แสดงถึงแนวคิดเดียวกัน เพียงแต่ในขนาดที่แตกต่างกัน.

ฌอง อาร์ป - เพื่อนของนิ้วก้อย, 1963. ปูนปลาสเตอร์, 4 x 9 1/2 x 5 1/8 นิ้ว (10 x 24 x 13 ซม.). © ADAGP, ปารีส, 2020

การขยายมุมมอง

เหมือนกับผืนผ้าใบที่ถูกเฉือนของฟอนตานา ผลงานทุกชิ้นที่นำเสนอใน Blanc sur Blanc มีความซับซ้อนมากกว่าที่เห็นในตอนแรก ประติมากรรมด้ายสามชิ้น โดยเชลีย ฮิกส์ แสดงให้เห็นว่าแนวคิดเรื่องสีบริสุทธิ์นั้นเปราะบางเพียงใด ขณะที่พื้นผิวและมวลทำให้แสงสว่างสับสน ประติมากรรมโดยเรเชล ไวท์รีด ในขณะเดียวกัน ดูเหมือนจะเป็นการจัดเรียงวัสดุก่อสร้างสีขาวแบบสุ่มที่พิงอยู่กับผนัง แต่กลับเปลี่ยนเป็นฉากที่มีความชัดเจนทั้งในเชิงภาพและอารมณ์ การสะสมวัสดุประเภทนี้ในพื้นที่ได้กลายเป็นส่วนหนึ่งที่แพร่หลายของสภาพแวดล้อมในเมืองในชีวิตประจำวัน แต่ในกรณีนี้ ไม่เพียงแต่ไวท์รีดแสดงให้เห็นถึงความมีอยู่ทางสุนทรียภาพที่เป็นเนื้อแท้ของวัสดุของเธอเท่านั้น แต่เธอยังขยายความเข้าใจของเราเกี่ยวกับการนิยามสีอีกด้วย.

การติดตั้งงานศิลปะ มุมมองจากซ้ายไปขวา: © Enrico Castellani / ADAGP, ปารีส, 2020; © Atelier Sheila Hicks. ภาพถ่าย: Thomas Lannes

ท้ายที่สุดแล้ว อาจจะเป็นเช่นนั้นที่ศิลปะขาวบนขาวมักจะเกี่ยวข้องกับการขยายมุมมอง เราสามารถมองสิ่งที่เรียบง่ายเช่นนี้ได้หรือไม่ ซึ่งมีลักษณะมินิมอลและตรงไปตรงมาโดยไม่รู้สึกถูกดูถูก เหมือนกับว่าศิลปินกำลังท้าทายเราให้บอกว่ามันง่ายเกินไป? เราสามารถยอมรับเวทมนตร์ของศิลปะขาวบนขาวในลักษณะเดียวกับที่เรายอมรับเสียงที่เรียบง่ายของกลอง เสียงกระพริบที่มีนัยของเทียน หรือการสัมผัสที่นุ่มนวลของขนนกได้หรือไม่? สิ่งที่เล็กน้อยเช่นนี้สามารถมีอารมณ์ที่ทรงพลังได้หรือไม่? คำถามนี้ถูกถามหลายครั้งแล้ว และมันจะไม่สิ้นสุดด้วยนิทรรศการปัจจุบันนี้ เพราะจะมีศิลปินเสมอที่รู้ว่าศิลปะขาวบนขาวไม่มีอะไรที่เรียบง่าย และจะรู้สึกถูกบังคับให้กลับไปที่มันเสมอในฐานะจุดเริ่มต้นของศิลปะ.

ภาพเด่น: มุมมองการติดตั้ง. ผลงานศิลปะ, จากซ้ายไปขวา: สถาบัน Archives Simon Hantai / ADAGP, ปารีส; © Rachel Whiteread. ภาพถ่าย: Thomas Lannes
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ