"ผลงานของ Pat Steir ขึ้นสู่จุดสูงสุดของตลาดศิลปะได้อย่างไร"

การมีตัวแทนแกลเลอรีเป็นสิ่งสำคัญสำหรับศิลปินที่ต้องการมีตัวตนในตลาดศิลปะ แต่แกลเลอรีทำอะไรให้ศิลปินบ้าง? และศิลปินจะมั่นใจได้อย่างไรว่าจะได้เข้าร่วมกับแกลเลอรีที่ให้การเป็นตัวแทนที่ดีที่สุด? เรื่องราวของ Pat Steir อาจช่วยให้เห็นคำตอบของคำถามโบราณเหล่านี้ Steir เป็นบุคคลสำคัญในวงการจิตรกรรมอเมริกันมาหลายสิบปี งานของเธอมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว มีความคิดสร้างสรรค์ลึกซึ้ง และงดงามทางสายตา แต่เธอกลับมียอดขายต่ำเมื่อเทียบกับศิลปินที่มีชื่อเสียงในระดับเดียวกัน อย่างไรก็ตาม เธอไม่ใช่ผู้มาใหม่ในตลาดศิลปะ อำนาจที่มีอยู่ได้เห็นความสามารถของเธอทันที ปีเดียวกับที่เธอจบปริญญาตรีศิลปกรรมจากสถาบัน Pratt เธอได้จัดแสดงกลุ่มครั้งแรก—ไม่ใช่ที่แกลเลอรี แต่ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะ High Museum ในแอตแลนตา ซึ่งถือเป็นพิพิธภัณฑ์ศิลปะที่สำคัญที่สุดในภาคตะวันออกเฉียงใต้ของสหรัฐอเมริกา ปีถัดมาเธอได้จัดแสดงกลุ่มที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะฟิลาเดลเฟียและ MoMA ในนิวยอร์ก ตั้งแต่นั้นมาไม่มีปีใดที่ Steir ล้มเหลว งานของเธอสร้างความประทับใจแก่ผู้ชมด้วยพลังและความซับซ้อน และเธอยังมีเวลาสอนที่สถาบันการศึกษาที่ทรงอิทธิพลที่สุดในอเมริกา ได้แก่ Princeton, Parsons และ Cal Arts ดังนั้นคำถามคือ ทำไม Pat Reid จึงไม่ได้รับผลตอบแทนทางการเงินที่สอดคล้องกับความสำคัญของเธอในฐานะศิลปิน คำตอบดูเหมือนจะเกี่ยวข้องกับการเป็นตัวแทน

แกลเลอรีแรก

Pat Steir เกิดในปี 1940 ภายในปี 1964 งานของเธอถูกจัดแสดงในนิทรรศการพิพิธภัณฑ์สามครั้ง และเธอได้รับข้อเสนอจัดแสดงเดี่ยวครั้งแรกในนิวยอร์กซิตี้ ที่แกลเลอรี Terry Dintenfass Terry Dintenfass เป็นชาวแอตแลนติกซิตี รัฐนิวเจอร์ซีย์ ซึ่งเธอเปิดแกลเลอรีศิลปะแห่งแรกชื่อ D Contemporary ในล็อบบี้ของโรงแรม Traymore ซึ่งเป็นรีสอร์ตริมทะเลชั้นนำในขณะนั้น แต่เมื่อแอตแลนติกซิตีเริ่มเสื่อมความนิยม Dintenfass ตัดสินใจปิด D Contemporary และย้ายไปแมนฮัตตันเพื่อเปิดแกลเลอรีใหม่ ด้วยการทำเช่นนี้ เธอกลายเป็นส่วนหนึ่งของกระแสผู้หญิงเจ้าของแกลเลอรีที่เพิ่มขึ้นในนิวยอร์ก เธอเป็นหนึ่งในผู้ก้าวหน้าที่สุด โดยเป็นตัวแทนศิลปินที่มักถูกละเลยเนื่องจากอคติทางสังคมหรือการเมืองในยุคนั้น

งานที่ Pat Steir แสดงที่ Terry Dintenfass ไม่สอดคล้องกับแนวโน้มความงามที่นิยมในขณะนั้น งานของเธอมักเป็นภาพรูปทรง ในขณะที่งานมินิมอลกำลังได้รับความนิยม ไม่แปลกใจที่นิทรรศการนั้นไม่สามารถสร้างยอดขายเพียงพอให้เธอเลิกงานประจำในตำแหน่งผู้อำนวยการศิลป์ที่บริษัทสำนักพิมพ์ Harper & Row ได้ ในช่วงเวลาที่เหลือของทศวรรษ Steir ยังคงจัดแสดงงานในนิวยอร์กต่อไป แต่ผลตอบแทนทางการเงินยังคงไม่เข้ามา นั่นไม่ใช่เป้าหมายของเธอแน่นอน Steir กำลังแสวงหาสิ่งที่สำคัญกว่าการเงิน เธอกำลังสร้างเสียงของตัวเองในฐานะจิตรกร และพยายามบรรลุสิ่งที่แท้จริงในฐานะศิลปิน

Pat Steir - Blue, 2007, สีน้ำมันบนผ้าใบ, 36 × 36 นิ้ว, 91.4 × 91.4 ซม., เครดิตภาพ Bentley Gallery, Phoenix

การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่

ในช่วงต้นทศวรรษ 1970 Steir เดินทางไปนิวเม็กซิโกและใช้เวลาร่วมกับ Agnes Martin การสนทนากับ Martin ย้ำเตือน Steir ถึงความสำคัญของการเชื่อมโยงกับด้านจิตวิญญาณของสิ่งที่เธอกำลังพยายามทำ เธอเริ่มศึกษาปรัชญาและประเพณีศิลปะของเอเชียตะวันออก เธอเชื่อมโยงบทเรียนเหล่านั้นกับแนวโน้มความงามของตัวเอง ซึ่งสอดคล้องกับเทคนิคอัตโนมัติและการสูญเสียอัตตาที่เป็นหัวใจของเทคนิค ศิลปะนามธรรมแสดงออก อิทธิพลเหล่านี้นำไปสู่ความชัดเจนใหม่สำหรับ Steir และในช่วงต้นทศวรรษ 1970 เธอสร้างชุดผลงานที่กลายเป็นสัญลักษณ์ชุดแรกของเธอ: ภาพวาดกุหลาบนามธรรมที่มีรูปทรงคล้ายกุหลาบแต่ถูกขีดฆ่า ในการอธิบายสิ่งที่เธอต้องการบรรลุในผลงานชุดนี้ Steir กล่าวว่า “ฉันต้องการทำลายภาพเป็นสัญลักษณ์...ไม่มีภาพใดๆ แต่ในเวลาเดียวกันก็มีภาพไม่รู้จบ”

ในช่วงทศวรรษถัดมา กระบวนการทางปรัชญาที่ Steir เริ่มต้นได้นำเธอไปสู่ผลงานที่รู้จักกันดีที่สุด: ภาพวาดน้ำตก ผลงานเหล่านี้เป็นตัวอย่างแนวคิดที่สมบูรณ์แบบของการปล่อยวางการควบคุม และในขณะเดียวกันก็เป็นการแสดงออกที่สมบูรณ์แบบของการวางแผนและความละเอียดอ่อน ทางสายตา พวกมันดูเหมือนสีที่ถูกเทลงบนผืนผ้าใบเหมือนน้ำตก เพื่อสร้างผลงานเหล่านี้ Steir แขวนผ้าใบที่ยังไม่ตึงบนผนัง จากนั้นปีนบันไดเทสีอย่างระมัดระวังลงบนผืนผ้าใบ แรงโน้มถ่วงและเวลาเข้ามาควบคุมเมื่อเธอปล่อยสี เธอเป็นผู้ควบคุมกระบวนการนี้ เธอเลือกเวลา สถานที่ และปริมาณสีที่เท เธอเลือกสี เธอเลือกความหนืดและว่าจะเพิ่มรอยแปรงหรือหยดสีหรือไม่ นี่คือการแสดงออกที่เรียบง่ายแต่ลึกซึ้งของความร่วมมือระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติ กระบวนการนี้กลมกลืน และภาพวาดก็เช่นกัน

Pat Steir - Mountain in Rain, 2012, ภาพพิมพ์สีโดยตรงบนกระดาษกัมปี, 31 × 39 นิ้ว, 78.7 × 99.1 ซม., เครดิตภาพ Crown Point Press, San Francisco

Cheim & Read

ในช่วงปลายทศวรรษ 1990 Steir ได้รับการยอมรับในฐานะจิตรกรชั้นครู และได้รับข้อเสนอเป็นตัวแทนจากแกลเลอรีใหญ่ Cheim & Read หนึ่งในผู้ค้าศิลปะร่วมสมัยที่ทรงอิทธิพลที่สุดในนิวยอร์ก ตั้งอยู่ในย่านเชลซี Cheim & Read เป็นที่รู้จักในวงการศิลปะร่วมสมัยระดับโลกตั้งแต่ก่อตั้งในปี 1997 ศิลปินคนใดก็ย่อมเห็นโอกาสที่จะได้เป็นตัวแทนของแกลเลอรีเช่นนี้ว่าเป็นโอกาสที่ยอดเยี่ยม แต่สำหรับ Pat Steir โอกาสนี้กลับไม่ให้ผลตอบแทนตามที่หวัง นั่นไม่ได้หมายความว่างานของเธอไม่ขายได้ พวกมันขายได้ในราคาหลายหมื่นดอลลาร์ แต่ศิลปินร่วมสมัยหลายคนขายได้ในราคาสูงกว่านั้นถึงสิบเท่า อีกครั้งที่กำไรไม่ใช่แรงจูงใจของเธอ แต่ในอเมริกา ยอดขายมีผลอย่างมากต่อการที่ศิลปินจะได้รับการยอมรับในฐานะศิลปินสำคัญที่มักถูกจัดแสดงในพิพิธภัณฑ์และงานไบเอนนาเล่ และถูกบรรจุในหลักสูตรประวัติศาสตร์ศิลปะ

เข้าสู่ Dominique Lévy ผู้ค้าศิลปะชาวสวิส Lévy เกิดหลังจากที่ Pat Steir จัดแสดงเดี่ยวครั้งแรกสามปี เธอได้รับปริญญาโทจากมหาวิทยาลัยเจนีวาในสาขาสังคมวิทยาศิลปะ ในช่วงปลายทศวรรษ 1980 และตลอดทศวรรษ 90 เธอทำงานที่บ้านประมูล Christie’s, Sotheby’s และ Christie’s อีกครั้ง จากนั้นในปี 2003 เธอเปิดบริการให้คำปรึกษาศิลปะของตัวเองชื่อ Dominique Lévy Fine Art สองปีต่อมาเธอเปิด L&M Arts กับ Robert Mnuchin บิดาของรัฐมนตรีว่าการกระทรวงการคลังสหรัฐฯ คนปัจจุบัน และในปี 2013 เธอเปิด Dominique Lévy Gallery ที่แมนฮัตตันและลอนดอน ที่นั่นเธอเป็นตัวแทนมรดกของศิลปิน และศิลปิน Yves Klein เช่น Frank Stella และ Pierre Soulages และในปี 2016 เธอเซ็นสัญญากับ Pat Steir

Pat Steir - Moment, 1974, สีน้ำมันบนผ้าใบ, 84 × 84 นิ้ว, 213.4 × 213.4 ซม., เครดิตภาพ Cheim & Read, New York

ชื่อที่มีความหมาย

ทันทีหลังจากเซ็นสัญญากับ Pat Steir Dominique Lévy ร่วมมือกับผู้ค้าศิลปะชาวอังกฤษ Brett Gorvy ก่อตั้งแกลเลอรีใหม่ชื่อ Lévy Gorvy มีสำนักงานในลอนดอน นิวยอร์ก และเจนีวา Lévy Gorvy คือผู้แทนของ Pat Steir ตั้งแต่นั้นมา ในระยะเวลาน้อยกว่าสองปี ราคาผลงานของ Steir พุ่งสูงขึ้นอย่างมาก ในช่วงหกเดือนที่ผ่านมา ผลงานสามชิ้นของเธอในการประมูลทำลายราคาประเมิน Sotheby’s ขาย Four Yellow Red Negative Waterfall (1993) ในราคา 680,750 ปอนด์ จากราคาประเมิน 200,000 ปอนด์ และทั้ง Misty Mountain Waterfall (1991) และ Silver Moon Beam (2006) ขายได้ชิ้นละ 299,400 ปอนด์ จากราคาประเมิน 113,250 ปอนด์ นอกจากนี้ Lévy Gorvy ยังขายผลงานใหม่ของ Steir ในราคาสูงกว่าครึ่งล้านดอลลาร์ต่อชิ้น ซึ่งราคานี้เกิดขึ้นที่งาน Chicago EXPO เมื่อภาพวาดไม่มีชื่อของ Steir จากปี 2004 ขายได้ในราคา 550,000 ดอลลาร์

แล้วเกิดอะไรขึ้น? ถ้า Steir สามารถขายได้ในราคานี้ ทำไม Cheim & Read ถึงไม่ทำให้เกิดขึ้น? คำตอบอาจอยู่ที่เครือข่าย ทุกแกลเลอรีมีเครือข่ายของตัวเอง บางที Lévy และ Gorvy อาจรู้จักคนที่แตกต่างกัน หรืออาจเป็นเรื่องของเวลา อาจเป็นสิ่งที่ต้องเกิดขึ้นไม่ว่าจะมีใครเป็นตัวแทน หรืออาจเป็นเรื่องของความไว้วางใจ บางที Lévy และ Gorvy มีประวัติที่ผู้ซื้อรายใหญ่เชื่อถือ แต่หลังจากดูหน้าแกลเลอรีของ Pat Steir ทั้งในเว็บไซต์ Cheim & Read และ Lévy Gorvy ผมคิดว่าความแตกต่างอาจอยู่ที่ความเข้าใจ วัสดุการตลาดที่ Lévy Gorvy จัดทำขึ้นไม่เพียงแต่ทันสมัยและครอบคลุมมากกว่าเท่านั้น แต่เรื่องราวที่พวกเขาเล่าก็มีความเห็นอกเห็นใจด้วย ความเห็นของผมคือปัจจัยสำคัญอันดับหนึ่งที่บ่งชี้ว่าศิลปินได้พบแกลเลอรีที่เหมาะสมหรือไม่ คือคนที่ทำงานในแกลเลอรีนั้นเข้าใจงานศิลปะอย่างแท้จริง เป็นไปไม่ได้ที่จะหลอกลวงใครให้ซื้อศิลปะได้ แต่ถ้าเจ้าของแกลเลอรีเชื่อมั่นในงานที่ขาย มันจะไม่ใช่เรื่องการขาย แต่เป็นเรื่องของการเชื่อมโยงผู้คนกับศิลปะที่มีความหมายสำหรับพวกเขา ซึ่งเป็นความสำเร็จที่เป็นไปได้เพราะผู้ซื้อ เจ้าของแกลเลอรี ศิลปิน และงานศิลปะ เหตุผลใดก็ตาม พวกเขาพูดภาษาของหัวใจเดียวกัน

Pat Steir - Set of Four Lines, 2015, ชุดภาพพิมพ์สกรีนสี่ชิ้นพร้อมระบายสีด้วยมือ, 72 × 96 นิ้ว, 182.9 × 243.8 ซม., ชิ้นเอก

ภาพเด่น: Pat Steir - Triptych D, 2015, ชุดภาพพิมพ์สกรีนสามชิ้นพร้อมระบายสีด้วยมือ, 72 × 108 นิ้ว, 182.9 × 274.3 ซม., ชิ้นเอก, เครดิตภาพ Pace Prints

ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น

โดย Phillip Barcio