Georg Herold และ The Luminous West ที่ Kunstmuseum Bonn

คนส่วนใหญ่อาจจะจัด Georg Herold ให้อยู่ในกลุ่มที่เรียกว่า “รุ่นเก่า” เขาอายุ 70 ปีแล้วจริง ๆ และในความเป็นจริง เมื่อเจ็ดปีที่แล้ว พิพิธภัณฑ์ศิลปะ Kunstmuseum Bonn ได้ติดป้ายคำนี้ให้กับ Herold อย่างเป็นทางการในนิทรรศการกลุ่มที่ทะเยอทะยานชื่อ The Luminous West นิทรรศการนั้นจัดแสดงผลงานของศิลปิน 33 คน ซึ่งทั้งหมดมาจากภูมิภาคไรน์แลนด์ / นอร์ทไรน์-เวสต์ฟาเลีย ของประเทศเยอรมนี จุดมุ่งหมายของงานคือการสร้างภาพรวมที่สอดคล้องของมรดกทางความงามของภูมิภาคนี้ และเชื่อมโยงกับการคาดการณ์อนาคตของภูมิภาคนี้ เพื่อทำภารกิจอันยิ่งใหญ่นี้ พิพิธภัณฑ์ได้นำแนวทางการจัดแสดงที่ไม่เหมือนใครมาใช้ ก่อนอื่น พวกเขามอบหมายให้ทีมวิชาการห้าคนคัดเลือกศิลปิน 19 คนที่พวกเขาเรียกว่า “รุ่นเก่า” ทีมเริ่มจากสิ่งที่พวกเขาเรียกว่า “แกนประวัติศาสตร์” ของภูมิภาค ซึ่งประกอบด้วยศิลปินห้าคน ได้แก่ Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter และ Blinky Palermo จากนั้นพวกเขาเลือกศิลปิน “รุ่นเก่า” อีก 14 คน รวมถึง Georg Herold ต่อมา พิพิธภัณฑ์ได้เชิญศิลปินที่เรียกว่า “รุ่นเก่า” เหล่านี้ หรืออย่างน้อยก็ผู้ที่ยังมีชีวิตอยู่ ให้แนะนำศิลปินจาก “รุ่นใหม่” ที่พวกเขาเห็นว่างานของศิลปินเหล่านั้นควรได้รับการรวมในนิทรรศการ เนื่องจากเขาอายุ 63 ปีในเวลานั้น จึงอาจไม่ใช่เรื่องเสียหายที่ Georg Herold ถูกเลือกเป็นตัวแทนของรุ่นเก่า แต่ถึงอย่างนั้น การจัดประเภทนั้นก็ดูเหมือนจะไม่ถูกต้องนัก ไม่ไกลจากนี้นัก Herold ยังเป็นศิลปินหน้าใหม่ในวงการ และจนถึงวันนี้ งานของเขายังคงน่าหลงใหล สดใหม่ มีไหวพริบ ไม่เคารพแบบแผน และท้าทายความคิด—ในหลายกรณี มากกว่างานของศิลปินรุ่นน้อยที่ถูกมองว่าเป็นตัวแทนของอนาคตใน The Luminous West ข้อเท็จจริงนี้ถูกเน้นชัดเจนโดยนิทรรศการเดี่ยวของ Georg Herold ที่จัดแสดงอยู่ในพื้นที่เดียวกัน ณ Kunstmuseum Bonn งานของเขายังคงมีชีวิตชีวา และยังคงเป็นตัวแทนของความล้ำสมัย มันทำให้ฉันสงสัยว่า บางทีอายุทางชีวภาพอาจไม่ใช่ตัวชี้วัดเดียวของ “ความเก่า” ในศิลปะ ตามที่ Herold แสดงให้เห็น บางครั้งเมื่อเวลาผ่านไป ไอเดียที่ดีที่สุดและงานที่ทรงพลังที่สุดของศิลปินจะปรากฏขึ้น และความหมายเต็มที่รวมถึงศักยภาพของงานก่อนหน้านั้นจะถูกเปิดเผยในที่สุด

การเข้าร่วมในเวลาที่สาย

Georg Herold เกิดในปี 1947 ที่เมืองเยนา ประเทศเยอรมนี เมืองมหาวิทยาลัยที่มีประชากรประมาณ 100,000 คน การฝึกฝนเบื้องต้นของเขาคือการเป็นช่างตีเหล็กฝึกหัด หลังจากนั้นเขาเข้าเรียนมหาวิทยาลัยและเริ่มศึกษาศิลปะอย่างจริงจัง เขาเริ่มเรียนที่มหาวิทยาลัยศิลปะและการออกแบบ Halle ในเมือง Halle ใกล้กับที่เขาเติบโต จากนั้นเขาย้ายไปทางตอนใต้ของประเทศที่เมืองมิวนิก ซึ่งเขาเข้าเรียนที่สถาบันศิลปะวิจิตรศิลป์ตั้งแต่ปี 1974 ถึง 1976 ต่อมาเขาย้ายไปทางเหนือที่เมืองฮัมบูร์ก ซึ่งเขาเรียนที่มหาวิทยาลัยศิลปะวิจิตรศิลป์ภายใต้การสอนของ Sigmar Polke ตั้งแต่ปี 1977 ถึง 1981 ขณะที่อยู่ที่ฮัมบูร์ก Herold ได้รู้จักกับศิลปินนักศึกษาคนอื่น ๆ หลายคน โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Martin Kippenberger และ Albert Oehlen ซึ่งเริ่มมีชื่อเสียงจากแนวทางการสร้างงานศิลปะแบบพังค์

ร่วมกับกลุ่มศิลปินรุ่นใหม่เหล่านี้ Herold ถูกเรียกว่าเป็นหนึ่งใน “เด็กเลว” ที่เกิดขึ้นในวงการศิลปะเยอรมันยุค 1980 เมื่อเขาจบการศึกษา เขาอายุ 34 ปี อย่างไรก็ตาม เขาถูกมองว่าเป็นส่วนหนึ่งของรุ่นใหม่ที่กล้าหาญและดุดัน หนึ่งใน “เด็กเลว” เหล่านั้นไม่ได้มีชีวิตยืนยาว Kippenberger เสียชีวิตในปี 1997 ขณะอายุ 44 ปี แต่ในช่วงเวลาสั้น ๆ ของเขา เขามีอิทธิพลอย่างมากต่อวงการศิลปะ และเกือบจะเปลี่ยนความหมายของการเป็นศิลปินร่วมสมัยได้ด้วยตัวเอง Oehlen ยังคงทำงานเป็นศิลปินและครูสอนศิลปะจนถึงปัจจุบัน งานจิตรกรรมเชิงนามธรรมของเขาเป็นที่รัก และการศึกษากระบวนการของเขามีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปินรุ่นใหม่ และแล้วก็มี Herold ผู้เป็น “เด็กเลว” ที่เก่าแก่ที่สุด เขาใช้เวลานานที่สุดในการเติบโต และในบางแง่มุมก็ต่อต้านการจัดประเภทนานที่สุด ตามที่เขาเคยกล่าวไว้ว่า “ฉันตั้งใจจะไปถึงสภาวะที่คลุมเครือและเปิดโอกาสให้ตีความได้หลากหลาย” ตามเป้าหมายนี้ ผลงานของเขาปฏิเสธการจัดประเภทใด ๆ และยังไม่มีผลงานชิ้นใดที่ถูกวินิจฉัยได้อย่างชัดเจน

Georg Herold - ไม่มีชื่อ (คาเวียร์), 1990, คาเวียร์, แลคเกอร์, หมึกบนผ้าใบ, ขนาด 31 1/2 × 43 1/4 นิ้ว, 80 × 109.9 ซม., ภาพถ่ายโดย Magenta Plains, นิวยอร์ก

ยืนหยัดต่อไป

ผลงานชิ้นแรกที่ทำให้ Georg Herold เป็นที่จดจำคือแผ่นไม้บาง ๆ ชนิดที่ใช้ในงานก่อสร้าง ติดกับผนังด้วยสกรู เขาเรียกชิ้นงานนี้ว่า Präsentation der ersten Latte, หรือ การนำเสนอแผ่นไม้ชิ้นแรก ผลงานนี้สร้างขึ้นในปี 1977 ขณะที่เขายังเรียนอยู่ สำหรับงานที่ได้รับมอบหมายในชั้นเรียนที่สอนโดย Sigmar Polke ผลงานนี้ในแง่รูปแบบที่เคร่งครัดแล้ว เป็นสิ่งที่ปฏิเสธไม่ได้ มันแสดงถึงเส้นและรูปทรง ในฐานะวัตถุสามมิติที่แขวนอยู่บนผนัง มันท้าทายบทบาทของจิตรกรรมและประติมากรรม มันทั้งเรียบง่ายและมีแนวคิด ชื่อของมันบ่งบอกถึงบางสิ่งที่เป็นพิธีกรรม ประวัติศาสตร์ของมันในฐานะวัสดุชิ้นหนึ่งบ่งบอกว่ามันเป็นส่วนประกอบของสิ่งที่ใหญ่กว่าที่จะตามมา สถานะของมันในฐานะวัตถุที่พบเจอทำให้นึกถึง Marcel Duchamp และ Robert Rauschenberg แต่ก็มีบางอย่างที่ดูเล่นสนุก และบางทีอาจจะดูไร้สาระ

แต่เมื่อเวลาผ่านไป ชื่อของผลงานชิ้นแรกนั้นกลับกลายเป็นคำทำนาย Herold กลับมาใช้วัสดุแผ่นไม้ก่อสร้างซ้ำแล้วซ้ำเล่า เขาใช้มันในประติมากรรมขนาดใหญ่ แขวนบนผนังในรูปแบบต่าง ๆ ใช้เป็นฐานรองรับภาพวาดและผลงานอื่น ๆ และใช้เป็นวัสดุดิบในการสร้างประติมากรรมรูปทรงมนุษย์ที่น่าหวาดหวั่น เพื่อสร้างรูปทรงเหล่านี้ Herold ผูกแผ่นไม้ก่อสร้างเข้าด้วยกันด้วยด้ายและสกรู จากนั้นเขาก็ยืดผ้าใบคลุมทับไม้ที่ผูกไว้เพื่อสร้างเหมือนรังไหมครอบรูปทรงของร่างกายมนุษย์ เขาปล่อยให้ผ้าใบแห้งและหดตัวตามเวลา จากนั้นจึงทาสีและเคลือบแลคเกอร์ในบางกรณีเขาทำสำเนาหล่อบรอนซ์จำนวนจำกัดของรูปทรงเหล่านี้ เมื่อมองในบริบทของงานแรกในชั้นเรียนกับ Sigmar Polke รูปทรงเหล่านี้มีความลึกซึ้งในแง่ของความหมายที่เป็นไปได้ แต่แม้ไม่รู้ถึงแก่นแท้วัสดุ การปรากฏตัวของมันก็เรียกอารมณ์หลากหลาย ตั้งแต่ความทุกข์ทรมานจนถึงความเย้ายวนใจ มันทั้งทำให้มนุษย์รู้สึกและทำลายความเป็นมนุษย์ และเปิดโอกาสให้ตีความได้หลากหลาย ตั้งแต่ภาพของการเต้นรำจนถึงภาพของความตาย

Georg Herold - ไม่มีชื่อ, 2011, ไม้บัตเทน, ผ้าใบ, แลคเกอร์, ด้ายและสกรู, ขนาด 115 x 510 x 65 ซม., ภาพ © Saatchi Gallery, สงวนลิขสิทธิ์ทั้งหมด

คาเวียร์และอิฐ

อีกชุดผลงานที่ทำให้ Herold เป็นที่รู้จักคือชุดภาพวาดที่ใช้ไข่ปลาปลาหรือคาเวียร์เป็นสื่อหลัก ภาพวาดคาเวียร์นามธรรมเหล่านี้มีคุณสมบัติที่สงบและเป็นธรรมชาติในแนวทางเดียวกับ ภาพวาดดันแซคฮวาเกาหลี พวกมันเกือบจะเป็นโทนสีเดียว มีพื้นผิวเบา ๆ และงดงาม แต่สื่อที่ใช้ทำให้เกิดคำถาม ไข่ปลาหลายล้านหรืออาจจะหลายพันล้านฟองที่ใช้ในงานเหล่านี้หมายความว่าพื้นที่เหล่านี้เป็นสนามรบแห่งการฆ่าอย่างแท้จริง พวกมันอาจแทนความสูญเสียศักยภาพอย่างแท้จริง แต่ในอีกแง่หนึ่ง คาเวียร์ก็เป็นเพียงอาหาร และไม่ใช่อาหารจำเป็นด้วยซ้ำ มันเป็นของหรูราคาแพง มีเรื่องให้พูดคุยมากมายเกี่ยวกับข้อความที่ภาพเหล่านี้ส่งถึงการค้า ศิลปะ และการเอารัดเอาเปรียบ แต่บางทีอาจไม่มีอะไรจะพูดเลย บางทีพวกมันก็แค่ภาพวาดที่สวยงาม

Georg Herold - ไม่มีชื่อ, 2011, คาเวียร์ (มีหมายเลข), อะคริลิก, แลคเกอร์บนผ้าใบ, 2 ชิ้น, ขนาดแต่ละชิ้น 350 x 203 ซม., ภาพโดย Galerie Bärbel Grässlin

วัสดุอีกชนิดที่ Herold กลับมาใช้บ่อยคืออิฐ เขาติดอิฐโดยตรงกับผืนผ้าใบที่ยืดตึงของภาพวาด น้ำหนักของอิฐมักดึงผืนผ้าใบลง ทำให้เกิดรอยย่นและคลื่นบนผืนผ้า ใบหน้าโดยรวมดูเหมือนงานศิลปะที่ถูกทำลายบางส่วน มีความตึงเครียดในชิ้นงานขณะที่ผู้ชมเฝ้าดูและสงสัยว่าอิฐจะตกลงมาหรือไม่ ผลงานเหล่านี้ดูเหมือนภัยพิบัติที่รอวันเกิดขึ้น พวกมันยังเป็นการศึกษาที่น่าสนใจเกี่ยวกับวัสดุ พื้นผิว มิติ และพื้นที่ พวกมันตลก และในบางแง่ยังดูเหมือนเย้ยหยัน พวกมันยังคลุมเครืออย่างยิ่ง มีช่องว่างใหญ่ระหว่างสิ่งที่พวกมันแสดงให้เราเห็นกับสิ่งที่พวกมันบอกเรา แต่ถึงอย่างนั้น พวกมันก็เป็นเพียงโครงสร้างก่อสร้างอีกขั้นจากการนำเสนอแผ่นไม้ชิ้นแรก ที่สำคัญที่สุด พวกมันสดใหม่ เป็นหลักฐานต่อเนื่องว่า Georg Herold ไม่ใช่ศิลปินที่สมควรถูกจัดให้อยู่ในรุ่นเก่า ด้วยความเคารพ จริง ๆ แล้วไม่มีศิลปินที่ยังมีชีวิตคนใดควรถูกจัดให้อยู่ในรุ่นเก่า

Georg Herold ที่ Kunstmuseum Bonn จัดแสดงถึงวันที่ 7 มกราคม 2018

ภาพประกอบ: Georg Herold - Herrenperspektive (มุมมองของผู้ชาย), 2002, ประติมากรรมไม้บัตเทน, แก้ว และเชือก, ขนาด 235 x 60 x 365 ซม., ภาพ © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, ภาพโดย Galerie Grässlin

ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น

โดย Phillip Barcio