Georg Herold และ The Luminous West ที่ Kunstmuseum Bonn

คนส่วนใหญ่น่าจะจัดให้ Georg Herold เป็นสมาชิกของ “คนรุ่นเก่า” ที่เรียกกันเช่นนั้น เขาอายุ 70 ปีแล้วนี่นา และที่จริง เมื่อเจ็ดปีก่อน Kunstmuseum Bonn ก็ได้ติดป้ายชื่อที่โชคร้ายและค่อนข้างไร้ความหมายนี้ให้ Herold อย่างเป็นทางการ เมื่อพิพิธภัณฑ์จัดเขาเข้าร่วมในนิทรรศการกลุ่มอันทะเยอทะยานชื่อ The Luminous West นิทรรศการดังกล่าวนำเสนอผลงานของศิลปิน 33 คน ซึ่งล้วนมาจากภูมิภาคไรน์ลันด์ / นอร์ทไรน์-เวสต์ฟาเลียของเยอรมนี เป้าหมายของนิทรรศการคือการสร้างภาพรวมที่เป็นเอกภาพของมรดกทางสุนทรียะในพื้นที่ส่วนนี้ของเยอรมนี และเชื่อมโยงภาพรวมนั้นเข้ากับการพิจารณาเชิงคาดการณ์ถึงอนาคตของภูมิภาค เพื่อบรรลุภารกิจอันยิ่งใหญ่นี้ พิพิธภัณฑ์ใช้แนวทางการจัดนิทรรศการที่เป็นเอกลักษณ์ ประการแรก พิพิธภัณฑ์มอบหมายให้ทีมวิชาการห้าคนคัดเลือกศิลปิน 19 คน ซึ่งในคำพูดของพวกเขาคือ “คนรุ่นเก่า” ทีมเริ่มต้นจากสิ่งที่เรียกว่า “แกนกลางทางประวัติศาสตร์” ของภูมิภาค ซึ่งประกอบด้วยศิลปินห้าคน ได้แก่ Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter และ Blinky Palermo จากนั้นจึงคัดเลือกศิลปิน “รุ่นเก่า” เพิ่มอีก 14 คน หนึ่งในนั้นคือ Georg Herold ต่อมา พิพิธภัณฑ์เชิญศิลปิน “รุ่นเก่า” เหล่านี้ หรืออย่างน้อยผู้ที่ยังมีชีวิตอยู่ ให้เสนอชื่อศิลปินจาก “คนรุ่นใหม่” ซึ่งพวกเขาเห็นว่าสมควรเข้าร่วมในนิทรรศการ เมื่อพิจารณาว่าในเวลานั้นเขาอายุ 63 ปี การที่ Georg Herold ได้รับเลือกให้เป็นตัวแทนของคนรุ่นเก่าอาจดูไม่ใช่การดูหมิ่นอะไรนัก แต่ถึงกระนั้น การจัดประเภทเช่นนั้นก็ยังดูผิดอยู่ดี ไม่นานนักก่อนหน้านี้ Herold ยังเป็นศิลปินหน้าใหม่ในวงการ และจนถึงทุกวันนี้ ผลงานของเขายังคงน่าหลงใหล สดใหม่ มีไหวพริบ ไม่เคารพขนบ และท้าทาย—ในหลายกรณี มากกว่าผลงานของศิลปินที่อายุน้อยกว่าในเชิงลำดับเวลาซึ่งถูกอ้างว่าเป็นตัวแทนของอนาคตใน The Luminous West เสียอีก ข้อเท็จจริงนี้ปรากฏอย่างชัดเจนจากนิทรรศการเดี่ยวของ Georg Herold ที่กำลังจัดแสดงอยู่ในพื้นที่เดียวกัน นั่นคือ Kunstmuseum Bonn ผลงานยังคงเปี่ยมพลังและยังคงเป็นตัวแทนของแนวหน้าที่ล้ำสมัยที่สุด ทำให้ฉันอดสงสัยไม่ได้ว่า บางทีอายุทางชีวภาพไม่ควรเป็นมาตรวัดเพียงอย่างเดียวของ “ความเก่า” ในแวดวงศิลปะ ดังที่ Herold แสดงให้เห็น บางครั้งการที่เวลาล่วงผ่านไปนี่เองทำให้แนวคิดที่ดีที่สุดและผลงานที่ทรงพลังที่สุดถือกำเนิดขึ้นจากศิลปิน และทำให้ความหมายกับศักยภาพทั้งหมดของผลงานในช่วงก่อนหน้าได้รับการเปิดเผยในที่สุด

การมาถึงในช่วงปลาย

Georg Herold เกิดในปี 1947 ที่เมืองเยนา ประเทศเยอรมนี เมืองมหาวิทยาลัยที่มีประชากรราว 100,000 คน การฝึกฝนในช่วงแรกของเขาคือการเป็นช่างฝึกหัดในโรงตีเหล็ก หลังจากนั้นเขาเข้าเรียนมหาวิทยาลัยและเริ่มศึกษาอย่างจริงจังเพื่อก้าวสู่การเป็นศิลปิน เขาเริ่มเรียนที่ University of Art and Design Halle ในเมืองฮัลเลอ ซึ่งอยู่ใกล้กับสถานที่ที่เขาเติบโตขึ้นมา จากนั้นย้ายไปทางตอนใต้ของประเทศ ไปยังมิวนิก และเข้าเรียนที่ Academy of Fine Arts ตั้งแต่ปี 1974 ถึง 1976 ต่อมาเขาเดินทางขึ้นเหนือไปฮัมบวร์ค ซึ่งเขาศึกษาที่ University of Fine Arts ภายใต้การดูแลของ Sigmar Polke ตั้งแต่ปี 1977 ถึง 1981 ระหว่างอยู่ที่ฮัมบวร์ค Herold ได้รู้จักกับศิลปินนักศึกษาคนอื่น ๆ หลายคน โดยเฉพาะ Martin Kippenberger และ Albert Oehlen ซึ่งเริ่มสร้างชื่อให้ตนเองแล้วด้วยแนวทางการสร้างงานศิลปะแบบพังก์

เมื่อทำงานร่วมกับศิลปินหัวขบถหน้าใหม่เหล่านี้ Herold จึงได้รับการขนานนามว่าเป็นหนึ่งใน “หนุ่มเจ้าปัญหา” ที่กำลังเกิดขึ้นในวงการศิลปะเยอรมันยุค 1980 ตอนที่เรียนจบมหาวิทยาลัย Herold มีอายุ 34 ปี ถึงกระนั้น เขายังถูกมองว่าเป็นส่วนหนึ่งของคนรุ่นใหม่ อายุน้อย และห้าวหาญ หนึ่งใน “หนุ่มเจ้าปัญหา” ไม่ได้มีชีวิตอยู่ต่อไปนานนัก Kippenberger เสียชีวิตในปี 1997 ขณะอายุ 44 ปี แต่ในอาชีพอันสั้น เขากลับมีอิทธิพลอย่างมหาศาลต่อโลกศิลปะ และแทบจะเพียงลำพังได้คิดนิยามใหม่ว่า การเป็นศิลปินร่วมสมัยหมายถึงอะไร Oehlen ยังคงทำงานเป็นศิลปินและอาจารย์อยู่จนถึงทุกวันนี้ ภาพวาดนามธรรมของเขาเป็นที่ชื่นชอบ และการสำรวจเรื่องกระบวนการสร้างงานของเขาได้พิสูจน์แล้วว่ามีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปินรุ่นใหม่ที่กำลังก้าวเข้าสู่วงการ และแล้วก็มี Herold ศิลปินที่อายุมากที่สุดในกลุ่ม “หนุ่มเจ้าปัญหา” เขาใช้เวลานานที่สุดกว่าจะเติบโตเต็มที่ และในบางแง่ก็ต่อต้านการจัดประเภทมาได้ยาวนานที่สุด ดังที่เขาเคยกล่าวไว้ว่า “ผมตั้งใจจะไปให้ถึงสภาวะที่คลุมเครือและเปิดให้ตีความได้สารพัดรูปแบบ” ผลงานทั้งหมดของเขาสอดคล้องกับเป้าหมายนั้น โดยท้าทายการจัดประเภททุกรูปแบบ และจนถึงขณะนี้ยังไม่มีผลงานชิ้นใดชิ้นหนึ่งในนั้นที่สามารถวินิจฉัยหรือตีความได้อย่างลงตัว

Georg Herold - Untitled (Caviar), 1990, ไข่ปลาคาเวียร์ แล็กเกอร์ หมึกบนผ้าใบ, 31 1/2 × 43 1/4 นิ้ว, 80 × 109.9 ซม., เครดิตภาพ Magenta Plains, นิวยอร์ก

ยึดมั่นกับมัน

ผลงานชิ้นแรกที่ทำให้ผู้คนจดจำ Georg Herold ได้คือไม้แผ่นบางชนิดที่ใช้ในการก่อสร้าง ซึ่งขันสกรูติดไว้กับผนัง เขาตั้งชื่อผลงานว่า Präsentation der ersten Latte, หรือ Presentation of the first Plank. ผลงานนี้สร้างขึ้นในปี 1977 ขณะที่เขายังเรียนอยู่ เพื่อส่งเป็นงานในชั้นเรียนที่สอนโดย Sigmar Polke ในแง่รูปแบบอย่างเคร่งครัด ผลงานชิ้นนี้ปฏิเสธไม่ได้เลยว่ามีความหนักแน่น มันนำเสนอเส้นและรูปทรง ในฐานะวัตถุสามมิติที่แขวนอยู่บนผนัง มันตั้งคำถามต่อบทบาทของจิตรกรรมและประติมากรรม เป็นทั้งมินิมอลลิสต์และคอนเซ็ปชวล ชื่อผลงานสื่อถึงบางสิ่งที่มีลักษณะเป็นพิธีกรรม ประวัติของวัสดุในฐานะสิ่งก่อสร้างสื่อว่ามันอาจเป็นส่วนประกอบของบางสิ่งที่ยิ่งใหญ่กว่าซึ่งกำลังจะตามมา สถานะของมันในฐานะวัตถุสำเร็จรูปชวนให้นึกถึง Marcel Duchamp และ Robert Rauschenberg แต่ขณะเดียวกันก็มีบางอย่างที่ชวนขบขัน และอาจมีบางอย่างที่ไร้สาระอยู่ด้วย

แต่เมื่อเวลาผ่านไป ชื่อของผลงานชิ้นแรกนั้นกลับพิสูจน์ว่าเป็นคำทำนาย Herold หวนกลับไปใช้วัสดุอย่างไม้แผ่นก่อสร้างซ้ำแล้วซ้ำเล่า เขานำมันไปใช้ในประติมากรรมขนาดใหญ่ขึ้น แขวนไว้บนผนังในรูปแบบต่าง ๆ ใช้เป็นโครงรองรับภาพวาดและผลงานอื่น ๆ และใช้เป็นวัสดุดิบในการสร้างประติมากรรมรูปคนอันชวนหลอนชุดหนึ่ง เพื่อสร้างรูปทรงเหล่านี้ Herold มัดไม้แผ่นก่อสร้างเข้าด้วยกันด้วยด้ายและสกรู จากนั้นขึงผ้าใบคลุมไม้ที่มัดไว้ เพื่อสร้างสิ่งคล้ายรังไหมหุ้มรูปร่างของร่างกายมนุษย์ เขาปล่อยให้ผ้าใบแห้งและหดตัวไปตามกาลเวลา จากนั้นจึงทาสีและเคลือบแล็กเกอร์ลงบนรูปทรง ในบางกรณี เขายังหล่อรูปทรงเหล่านี้เป็นประติมากรรมสำริดแบบจำนวนจำกัดด้วย เมื่อมองในบริบทของผลงานยุคแรกที่เขาสร้างในชั้นเรียนของ Sigmar Polke รูปทรงเชิงรูปธรรมเหล่านี้เต็มไปด้วยความลุ่มลึกของความหมายที่เป็นไปได้ แต่แม้ไม่รู้ถึงแก่นแท้ของวัสดุเหล่านั้น การปรากฏตัวของพวกมันก็ยังปลุกเร้าอารมณ์อันหลากหลาย ตั้งแต่ความทุกข์ทรมานไปจนถึงความเย้ายวน พวกมันทั้งทำให้เป็นมนุษย์และลดทอนความเป็นมนุษย์ พร้อมเรียกการตีความนับไม่ถ้วน ตั้งแต่ภาพการเต้นรำไปจนถึงภาพความตาย

Georg Herold - Untitled, 2011, ไม้แป, ผ้าใบ แล็กเกอร์ ด้ายและสกรู, 115 x 510 x 65 ซม., ภาพ © Saatchi Gallery สงวนลิขสิทธิ์ทั้งหมด

คาเวียร์และอิฐ

ผลงานอีกชุดหนึ่งที่ทำให้ Herold เป็นที่รู้จักคือภาพวาดชุดที่ใช้ไข่ปลาเป็นสื่อหลัก ภาพวาดคาเวียร์นามธรรมเหล่านี้มีคุณสมบัติสงบนิ่งและเป็นธรรมชาติในแนวทางเดียวกับ ภาพวาดทันแซ็กฮวาของเกาหลี ภาพเหล่านี้เกือบเป็นสีเดียว มีพื้นผิวที่ละเอียดอ่อน และงดงาม แต่สื่อที่ใช้กลับทำให้เกิดคำถาม ไข่ปลานับล้านหรืออาจถึงพันล้านฟองที่นำมาใช้สร้างผลงานหมายความว่า ภาพเหล่านี้เป็นทุ่งสังหารอย่างแท้จริง และอาจเป็นตัวแทนของศักยภาพที่สูญเปล่าอย่างแท้จริงด้วย แต่ในอีกแง่หนึ่ง คาเวียร์ก็เป็นเพียงอาหาร และไม่ใช่อาหารที่จำเป็นเสียด้วยซ้ำ มันคือสินค้าฟุ่มเฟือยราคาแพง จึงอาจมีเรื่องให้พูดถึงอีกมากเกี่ยวกับสารที่ภาพวาดเหล่านี้สื่อถึงการค้า ศิลปะ และการแสวงหาประโยชน์ แต่บางทีอาจไม่มีอะไรต้องพูดก็ได้ บางทีพวกมันอาจเป็นเพียงภาพวาดสวย ๆ เท่านั้น

Georg Herold - Untitled, 2011, คาเวียร์ (มีหมายเลขกำกับ) อะคริลิก แล็กเกอร์บนผ้าใบ, 2 ส่วน แต่ละส่วนมีขนาด 350 x 203 ซม., ภาพเอื้อเฟื้อโดย Galerie Bärbel Grässlin

วัสดุอีกชนิดหนึ่งที่ Herold หวนกลับไปใช้บ่อยครั้งคืออิฐ เขาติดอิฐเข้ากับพื้นผิวผ้าใบที่ขึงไว้โดยตรง น้ำหนักของอิฐมักดึงพื้นผิวให้หย่อนลง ทำให้ผ้าใบยืดและเกิดรอยย่นกับระลอกคลื่น รูปลักษณ์ที่ได้มักคล้ายผลงานศิลปะที่พังเสียหายไปบางส่วน ผลงานมีความตึงเครียดในตัว ขณะที่ผู้ชมเฝ้ามองและสงสัยว่าในที่สุดอิฐจะร่วงลงมาหรือไม่ ผลงานเหล่านี้ดูราวกับหายนะที่รอวันเกิดขึ้น นอกจากนี้ยังเป็นการสำรวจเรื่องสภาวะของวัสดุ พื้นผิว มิติ และพื้นที่อย่างน่าหลงใหล พวกมันชวนขบขัน และในทางหนึ่งก็มีท่าทีเยาะเย้ยอยู่ด้วย อีกทั้งยังคลุมเครืออย่างลุ่มลึก มีช่องว่างมหาศาลระหว่างสิ่งที่พวกมันแสดงให้เราเห็นกับสิ่งที่พวกมันบอกเรา แต่ในอีกแง่หนึ่ง พวกมันก็เป็นเพียงสิ่งก่อสร้าง เป็นอีกก้าวหนึ่งต่อจากการนำเสนอไม้แผ่นแรก ที่สำคัญที่สุดคือ พวกมันสดใหม่ นี่คือหลักฐานเพิ่มเติมว่า Georg Herold ไม่ใช่ศิลปินที่สมควรถูกติดป้ายว่าเป็นส่วนหนึ่งของคนรุ่นเก่า ที่จริงแล้ว ด้วยความเคารพ ไม่มีศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่คนใดสมควรถูกติดป้ายเช่นนั้น

Georg Herold ที่ Kunstmuseum Bonn จัดแสดงถึงวันที่ 7 มกราคม 2018

ภาพเด่น: Georg Herold - Herrenperspektive (มุมมองของผู้ชาย), 2002, ประติมากรรมจากไม้แปหลังคา แก้วและเชือก, 235 x 60 x 365 ซม., ภาพ © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, ภาพถ่าย: Galerie Grässlin

ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการนำเสนอเท่านั้น

โดย Phillip Barcio