การรวมกันของนามธรรมและรูปธรรม - ศิลปะของอัลเบิร์ต โอเฮลิน

เมื่อมองแวบแรก หลาย ๆ ภาพวาดของ Albert Oehlen ดูซับซ้อน เหมือนกับเสียงรบกวนทางสายตา พวกมันรวมเอาองค์ประกอบเชิงรูปทรงเข้ากับองค์ประกอบที่เป็นนามธรรมอย่างแท้จริง พวกมันมีการผสมผสานที่หลากหลายและพัฒนาอยู่ตลอดเวลาของกระบวนการ วัสดุ และเทคนิค เมื่อเรามุ่งเน้นไปที่องค์ประกอบที่แตกต่างเหล่านั้น การจัดองค์ประกอบอาจดูไม่ต่อเนื่องในบางครั้ง และไม่กลมกลืนกัน แต่เมื่อพิจารณาจากมุมมองที่กว้างขึ้น ไม่ใช่ในฐานะที่เป็นคำแถลงทางสายตาสุดท้าย แต่เป็นตัวกระตุ้นให้เกิดการตอบสนองทางสุนทรียศาสตร์ที่ลึกซึ้งมากขึ้น ความรู้สึกของความกลมกลืนในภาพวาดของเขาก็จะปรากฏขึ้น Oehlen เป็นนักเรียนของ Sigmar Polke จิตรกร ช่างภาพ และศาสตราจารย์ชาวเยอรมันที่ท้าทายขอบเขตระหว่างการสร้างภาพและนามธรรม และเขายังเป็นเพื่อนร่วมห้องเก่าของ Martin Kippenberger ศิลปินสื่อผสมที่เกิดในเยอรมนีซึ่งก็เป็นที่รู้จักในการสำรวจว่าทางโลกที่เป็นวัตถุเชื่อมต่อกับนามธรรมอย่างไร และเขายังเป็นเพื่อนที่รู้จักกันมานานของ Christopher Wool จิตรกรที่รวมข้อความที่มีพื้นฐานจากตัวอักษรที่ชัดเจนเข้ากับนามธรรมในลักษณะที่สร้างเส้นแบ่งที่ชัดเจนระหว่างทั้งสอง ในขณะเดียวกันก็แนะนำว่าพวกมันเป็นสิ่งเดียวกัน ในลักษณะที่รวมการสร้างภาพและนามธรรม ผลงานที่ Oehlen สร้างขึ้นมีมรดกที่ชัดเจนร่วมกับศิลปินทั้งสามคนนี้ แต่ยังมีความคล้ายคลึงกันที่สำคัญอีกอย่างหนึ่งที่ไม่ชัดเจน: มันง่ายกว่าที่ดู.

วิวัฒนาการของอัลเบิร์ต โอเฮลิน

อัลเบิร์ต โอเฮลเลน เกิดในปี 1954 ที่เมืองเครเฟลด์ ประเทศเยอรมนี ซึ่งตั้งอยู่ทางตะวันตกเฉียงเหนือของเมืองดุสเซลดอร์ฟ เขาเติบโตในครอบครัวที่มีศิลปะ โอเฮลเลนมีบิดาเป็นศิลปิน และพี่ชายของเขา มาร์คัส ซึ่งอายุน้อยกว่าสองปี ได้กลายเป็นศิลปินแนวอับสแตรกที่มีชื่อเสียง รวมถึงทำงานในสื่อของการวาดภาพและประติมากรรม อัลเบิร์ตเคยกล่าวว่าเขารู้เสมอว่าเขาจะต้องเป็นศิลปิน เหมือนกับว่ามันเป็นสิ่งที่เขาเห็นเป็นเรื่องปกติ แต่การเลือกที่จะมุ่งเน้นไปที่การวาดภาพ โดยเฉพาะ การวาดภาพอับสแตรก เป็นสิ่งที่เกิดขึ้นกับเขาอย่างค่อยเป็นค่อยไปตลอดเวลา.

โอเฮลนจบการศึกษาที่มหาวิทยาลัยศิลปะในฮัมบูร์กในปี 1978 หลังจากเรียนจบเขาได้ทดลองกับรูปแบบการแสดงออกที่หลากหลาย รวมถึงดนตรี แต่หลังจากที่เขาย้ายจากเยอรมนีไปสเปน ซึ่งเขาได้แชร์บ้านกับ มาร์ติน คิปเพนเบอร์เกอร์ เขาจึงค้นพบเสียงของเขาในฐานะจิตรกรนามธรรม ในการสัมภาษณ์กับนิตยสาร Interview ในปี 2009 โอเฮลนกล่าวว่าเขาได้ใช้โอกาสนั้นในการเปลี่ยนแปลงวิธีการทำงานศิลปะของเขา "ฉันต้องการเริ่มต้นสิ่งใหม่ที่ฉันฝันถึงมานาน ซึ่งก็คือการวาดภาพนามธรรม" โอเฮลนกล่าว "และฉันได้ใช้โอกาสนั้นในการเริ่มต้นที่นั่น [ในสเปน] ซึ่งมันดีมากเพราะเราถูกแยกออกจากโลกภายนอก เราเป็นเพียงมาร์ตินและฉันอยู่ในบ้านนั้น ดังนั้นคุณสามารถทำผิดพลาดและดูว่าคนอื่นตอบสนองอย่างไร"

Albert Oehlen - Untitled, 1989. Oil and resin on canvas. 23 4/5 × 28 9/10 in. 60.4 × 73.5 cm. © Albert Oehlen

ความไม่แน่นอนของการวาดภาพ

การมีอิสระในการทดลองและล้มเหลวทำให้โอเฮลเลนตระหนักถึงความสำคัญของความไม่มั่นคงในงานศิลปะของเขา มีความตื่นเต้นในตัวเองในการไม่รู้ว่าสิ่งใดจะออกมาเป็นอย่างไร มีพลังชีวิตที่ผลักดันศิลปินไปสู่การสร้างสรรค์สิ่งที่ไม่รู้จักหรือสิ่งที่ไม่เคยจินตนาการมาก่อน แต่ข้อเสียที่อาจเกิดขึ้นจากอิสระอย่างเต็มที่ในการทดลองคือมันอาจทำให้รู้สึกอัมพาตได้ จะเริ่มต้นจากที่ไหนถ้าไม่มีความคิดว่าจะไปที่ไหน? เพื่อให้ตัวเองมีโครงสร้างเพียงพอในการรักษาความมุ่งมั่นในขณะที่ยังสนุกกับอิสระในการทดลอง โอเฮลเลนเริ่มคิดค้นกฎง่ายๆ สำหรับตัวเองในสตูดิโอ.

กฎที่ไม่มีเหตุผลเหล่านี้ไม่มีจุดประสงค์อื่นใดนอกจากการท้าทายเขาในกระบวนการของเขา เพื่อสร้างความไม่แน่นอนและความขัดแย้ง เขาบางครั้งจำกัดชิ้นงานของเขาให้มีสีเดียว บางครั้งเขาก็ให้ตัวเองมีข้อจำกัดในการทำงานช้าลง หนึ่งในกฎที่ไม่มีเหตุผลที่โอเลนชอบมากที่สุด ซึ่งเขาเคยแบ่งปันกับนักเรียนของเขาเมื่อสอนที่ Kunstakademie Düsseldorf คือ “เปลี่ยนวัสดุ เพราะการตัดสินใจมากมายที่คุณไม่รู้ตัว มันเริ่มต้นเมื่อคุณไปช็อปปิ้งวัสดุศิลปะ คุณทำการตัดสินใจ และมันมักจะเหมือนเดิม เช่น ประเภทของแปรงที่คุณซื้อ และถ้าคุณถูกบังคับให้เปลี่ยนบางอย่าง มันจะทำให้เกิดความไม่มั่นใจในงานที่มีประโยชน์มาก มันทำให้คุณค้นพบสิ่งที่คุณต้องการจริงๆ”

Albert Oehlen - Titanium Cat with Laboratory tested Animal, 1999. Oil on Canvas. © Albert Oehlen

ไม่มีอะไรน่าเกลียด

ตลอดหลายทศวรรษของการทดลองและการตั้งขีดจำกัดที่ไม่แน่นอนกับตัวเอง โอเฮลินได้ตระหนักถึงความจริงที่น่าขบขัน เนื่องจากคุณสมบัติทางกายภาพที่เป็นเอกลักษณ์ของผลงาน ทำให้มีน้อยคนที่สามารถทำให้ภาพวาดดูน่าเกลียดได้ มีช่วงเวลาหนึ่งที่แนวคิดเกี่ยวกับการวาดภาพที่ไม่ดีอยู่ในความคิดของผู้ดูแลพิพิธภัณฑ์และศิลปินหลายคน รวมถึงโอเฮลินด้วย คำนิยามต่างๆ ของการวาดภาพที่ไม่ดีถูกพิจารณา บางคนเชื่อว่ามันเกี่ยวข้องกับกระบวนการ บางคนเชื่อว่ามันเป็นพื้นฐานขององค์ประกอบ หรือคุณภาพทางสุนทรียศาสตร์ของผลงาน.

โอเฮลเลนทำงานอย่างหนักในแนวคิดที่ว่าการสร้างภาพวาดที่ไม่ดีนั้นเหมือนกับที่นักดนตรีอาจสร้างเพลงที่ฟังไม่ได้นั้น แต่เขาค้นพบว่ามีคนสามารถพิจารณาภาพวาดทุกภาพว่าสวยงาม เพราะมนุษย์มีแรงดึงดูดที่เป็นสัญชาตญาณต่อความงามที่มีอยู่ในสีบนพื้นผิว ไม่ว่าจะเป็นเรื่องอะไร ไม่ว่าจะเป็นระดับทักษะของศิลปินอย่างไร ไม่ว่าจะเป็นการจัดองค์ประกอบอย่างไร และไม่ว่าจะเป็นกระบวนการอย่างไร ก็สามารถกล่าวได้ว่าไม่มีภาพวาดใดที่ไม่ดี เพราะสิ่งที่ดีสามารถพบได้ในนั้นหากเราเพียงแค่เต็มใจที่จะมอง.

Albert Oehlen - Untitled, 2005. Acrylic and oil on canvas. © Albert Oehlen

ทริกเกอร์ภาพ

งานที่เป็นผู้ใหญ่ของ Albert Oehlen ในปัจจุบันสะท้อนถึงแนวคิดของจิตรกรที่รักในการมีส่วนร่วมในงานของเขา เขามีความหลากหลายในการเลือกวัสดุและเทคนิค ทำให้เขามีโอกาสในการเติบโตและพัฒนา เขาบางครั้งทำคอลลาจแล้วจึงทาสีทับลงไป โดยใช้วัสดุสำหรับคอลลาจเป็นการผสมผสานระหว่างโฆษณาบิลบอร์ดที่ดูไม่ดีและการพิมพ์ด้วยหมึกอิงค์เจ็ท เขาบางครั้งใช้สเปรย์เพ้นท์ บางครั้งใช้สีน้ำมัน บางครั้งก็เบลอสีให้กระจายไปทั่วพื้นผิว ความสุขสำหรับเขาในฐานะศิลปินชัดเจนมาจากการผสมผสานที่ลงตัวระหว่างการทดลองและกฎเกณฑ์ หรือพูดอีกอย่างคือกระบวนการ.

สำหรับผู้ชม อาจจะง่ายที่จะสับสนกับชั้นหลายชั้น สไตล์ และการอ้างอิงในงานศิลปะของโอเฮลิน แต่ตามที่เราได้กล่าวไว้ก่อนหน้านี้ โดยการทำให้วิธีที่เรามองพวกเขาง่ายขึ้น เราสามารถเข้าใกล้การเข้าใจคุณค่าของพวกเขาได้ วิธีการทำให้พวกเขาง่ายขึ้นคือการมองพวกเขาไม่ใช่เป็นชิ้นงานที่มีความหมายที่ต้องคลี่คลาย แต่ให้มองพวกเขาเป็นตัวกระตุ้นทางสายตา ถอยหลังและมองพวกเขาเป็นการเปิดเผยของกระบวนการ และให้พวกเขากระตุ้นอารมณ์หรือความคิด ภาพลักษณ์เชิงรูปธรรม ข้อความ สี เครื่องหมาย หรือร่องรอยทางกายภาพของวัฒนธรรมของเรารวมกันเป็นความรู้สึก ซึ่งส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับเรา ภาพนั้นไม่ใช่จุดสิ้นสุดของเรื่องราว หากมันเป็นเช่นนั้น มันจะจริงๆ แล้วสับสน แต่จริงๆ แล้วมันเป็นเพียงจุดเริ่มต้นเท่านั้น.

Albert Oehlen - I 28, 2011. Paper collage on canvas. © Albert Oehlen

ลดเสียงรบกวน

ในแง่ของภาพลักษณ์ ผลงานของ Albert Oehlen ถูกจัดกลุ่มเข้ากับขบวนการศิลปะต่างๆ เช่น Neo-Expressionism และ Neue Wilde Neo-Expressionists มีบทบาทสำคัญในการนำเสนอรูปแบบการวาดภาพกลับมาอีกครั้งหลังจากขบวนการต่างๆ เช่น Abstract Expressionism, Minimalism และ Conceptual Art Neue Wilde หรือเยาวชนที่ดุร้าย ได้รวมภาพนามธรรมและภาพเหมือนจริงเข้ากับสีสันสดใสและการปัดแปรงที่มีอารมณ์ เมื่อมองแวบแรก ผลงานของ Oehlen มักจะดูเหมือนมีทั้งสององค์ประกอบ แต่ Oehlen ยังได้รับชื่อเล่นอีกชื่อหนึ่ง: อนุภาคอิสระ ชื่อนี้เกิดจากการยืนยันของ Oehlen ว่าเขาไม่ใช่ส่วนหนึ่งของขบวนการใดๆ และผลงานแต่ละชิ้นควรได้รับการพิจารณาแยกต่างหากตามข้อเสนอด้านสุนทรียศาสตร์ของตนเอง.

สิ่งที่ข้อเสนอของ Oehlen นั้นเกี่ยวข้องกับอะไรเป็นการสนทนาที่เปิดกว้าง ซึ่งแม้แต่ Oehlen เองก็ไม่สามารถอธิบายได้อย่างเต็มที่ สิ่งที่ชัดเจนคือเขาได้พัฒนาวิสัยทัศน์ด้านสุนทรียศาสตร์ที่เป็นเอกลักษณ์อย่างค่อยเป็นค่อยไป ซึ่งยังคงพัฒนาอยู่ เขาใช้เครื่องมือทางภาพที่มีอยู่เพื่อสร้างสิ่งที่สามารถสร้างความรู้สึกภายในผู้ชม มันทั้งหมดสวยงามและดีทั้งหมด อย่างน้อยในบางความคิดของเรา ผู้คนสามารถบอกได้ว่าชอบหรือไม่ชอบ มันจะเป็นอย่างไร? มันไม่สามารถเข้าใจได้จากการวิเคราะห์ข้อเท็จจริง สิ่งที่เราสามารถพูดได้อย่างแน่นอนคือเสียงของป้ายชื่อ การตัดสิน และการวิจารณ์ด้านสุนทรียศาสตร์นั้นจริงๆ แล้วเป็นอุปสรรคต่อผลงานของเขา เหมือนกับองค์ประกอบมากมายที่ Oehlen รวมเข้าด้วยกันในผลงานของเขา มันทั้งหมดเป็นเสียงรบกวน ผ่านกระบวนการที่ไม่สามารถคาดเดาได้และเปิดกว้าง Oehlen กำลังพยายามสร้างภาพวาดที่ดี เขากำลังนำองค์ประกอบที่ซับซ้อนของบรรยากาศทางภาพมาทำให้เรียบง่ายขึ้น ยิ่งเราสามารถทำให้การมองผลงานของเขาง่ายขึ้นเท่าไหร่ มันก็จะยิ่งง่ายขึ้น และง่ายต่อการมองเห็นว่ามันสวยงาม.

Albert Oehlen - Aus Dem Nachlass, 2007. Lithographic print on Somerset Epson. © Albert Oehlen

ภาพเด่น: อัลเบิร์ต โอเฮลเลน - ไม่มีชื่อ (รายละเอียด), 1993. สีน้ำมันบนผ้าใบ. © อัลเบิร์ต โอเฮลเลน
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ