การรวมกันของนามธรรมและรูปธรรม - ศิลปะของอัลเบิร์ต โอเฮลิน
เมื่อแรกเห็น ภาพวาดหลายชิ้นของ Albert Oehlen ดูซับซ้อน เหมือนเสียงรบกวนที่เห็นได้ด้วยตา พวกเขาผสมผสานองค์ประกอบที่เป็นรูปธรรมกับองค์ประกอบที่เป็นนามธรรมล้วนๆ รวมถึงกระบวนการ วัสดุ และเทคนิคที่หลากหลายและเปลี่ยนแปลงอยู่เสมอ เมื่อเรามุ่งเน้นไปที่องค์ประกอบที่แตกต่างเหล่านั้น การจัดวางภาพอาจดูแยกส่วนและไม่กลมกลืนในบางครั้ง แต่เมื่อพิจารณาจากมุมมองที่กว้างขึ้น ไม่ใช่แค่เป็นภาพที่แสดงผลสุดท้าย แต่เป็นตัวกระตุ้นให้เกิดการตอบสนองทางสุนทรียะที่ลึกซึ้งขึ้น จะเห็นความกลมกลืนในภาพวาดของเขา Oehlen เคยเป็นนักเรียนของ Sigmar Polke จิตรกร ช่างภาพ และอาจารย์ชาวเยอรมันที่ท้าทายขอบเขตระหว่างภาพเหมือนและนามธรรม และเขายังเคยเป็นเพื่อนร่วมห้องกับ Martin Kippenberger ศิลปินมัลติมีเดียชาวเยอรมันที่มีชื่อเสียงในการสำรวจว่าจริงโลกภายนอกตัดกับนามธรรมอย่างไร และเขายังเป็นเพื่อนสนิทกับ Christopher Wool จิตรกรที่ผสมผสานข้อความตัวอักษรที่โดดเด่นกับนามธรรมในลักษณะที่สร้างเส้นแบ่งชัดเจนระหว่างทั้งสอง ในขณะเดียวกันก็แสดงให้เห็นว่าทั้งสองเป็นสิ่งเดียวกัน ในแง่ของการผสมผสานภาพเหมือนและนามธรรม ผลงานที่ Oehlen สร้างขึ้นมีมรดกที่ชัดเจนร่วมกับศิลปินทั้งสามนี้ แต่ยังมีความคล้ายคลึงที่สำคัญอีกอย่างหนึ่งที่ไม่ชัดเจนเท่าไร: มันเรียบง่ายกว่าที่เห็น
วิวัฒนาการของ Albert Oehlen
Albert Oehlen เกิดในปี 1954 ที่เมืองเครเฟลด์ ประเทศเยอรมนี ทางตะวันตกเฉียงเหนือของเมืองดุสเซลดอร์ฟ เขาเติบโตในครอบครัวที่มีศิลปะเป็นพื้นฐาน พ่อของ Oehlen เป็นศิลปิน และน้องชายของเขา Markus ที่อายุน้อยกว่าสองปี ก็กลายเป็นศิลปินนามธรรมแนวป็อปที่มีชื่อเสียงในงานจิตรกรรมและประติมากรรม Albert เคยกล่าวว่าเขารู้เสมอว่าจะเป็นศิลปิน เหมือนเป็นสิ่งที่เขารับรู้โดยธรรมชาติ แต่การเลือกที่จะมุ่งเน้นไปที่จิตรกรรม โดยเฉพาะ จิตรกรรมนามธรรม เป็นสิ่งที่เกิดขึ้นกับเขาอย่างค่อยเป็นค่อยไป
Oehlen สำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยศิลปะในเมืองฮัมบูร์กในปี 1978 หลังจากเรียนจบ เขาได้ทดลองกับรูปแบบการแสดงออกต่างๆ รวมถึงดนตรี แต่หลังจากย้ายจากเยอรมนีไปสเปน ซึ่งเขาได้อยู่ร่วมบ้านกับ Martin Kippenberger เขาก็พบเสียงของตัวเองในฐานะจิตรกรนามธรรม ในการสัมภาษณ์กับ Interview Magazine ในปี 2009 Oehlen กล่าวว่าเขาใช้โอกาสนั้นเปลี่ยนแปลงวิธีการทำงานศิลปะของเขา “ผมอยากเริ่มต้นสิ่งใหม่ที่ผมฝันมานาน นั่นคือจิตรกรรมนามธรรม” Oehlen กล่าว “และผมใช้โอกาสเริ่มต้นที่นั่น [ในสเปน] ซึ่งดีมากเพราะเราค่อนข้างโดดเดี่ยว มีแค่ผมกับมาร์ตินในบ้านหลังนั้น คุณจึงสามารถทำผิดพลาดและดูว่าคนอื่นตอบสนองอย่างไร”
Albert Oehlen - ไม่มีชื่อเรื่อง, 1989. สีน้ำมันและเรซินบนผ้าใบ ขนาด 23 4/5 × 28 9/10 นิ้ว 60.4 × 73.5 ซม. © Albert Oehlen
ความไม่แน่นอนของการวาดภาพ
การได้รับอิสระเต็มที่ในการทดลองและล้มเหลวทำให้ Oehlen ตระหนักถึงความสำคัญของความไม่มั่นคงในงานศิลปะของเขา มีความตื่นเต้นในตัวเองที่ไม่รู้ว่าสิ่งใดจะออกมาเป็นอย่างไร มีพลังชีวิตที่ผลักดันศิลปินให้แสดงสิ่งที่ไม่รู้จักหรือไม่เคยจินตนาการมาก่อน แต่ข้อเสียที่อาจเกิดขึ้นจากอิสระในการทดลองอย่างเต็มที่คือมันอาจทำให้เกิดความกลัวไม่กล้าลงมือทำ จะเริ่มต้นจากตรงไหนถ้าไม่รู้ว่าจะไปทางไหน? เพื่อให้ตัวเองมีโครงสร้างพอที่จะโฟกัสและยังสนุกกับอิสระในการทดลอง Oehlen จึงเริ่มตั้งกฎง่ายๆ ให้ตัวเองในสตูดิโอ
กฎที่ตั้งขึ้นโดยไม่มีเหตุผลเหล่านี้ไม่มีจุดประสงค์อื่นนอกจากท้าทายตัวเองในกระบวนการสร้างสรรค์ เพื่อสร้างความไม่แน่นอนและความขัดแย้ง เขาบางครั้งจำกัดผลงานให้ใช้สีเดียว บางครั้งจำกัดตัวเองให้ทำงานช้าลง หนึ่งในกฎที่ Oehlen ชอบมากและเคยสอนนักเรียนที่ Kunstakademie Düsseldorf คือ “เปลี่ยนวัสดุ เพราะการตัดสินใจหลายอย่างที่คุณไม่รู้ตัว มันเริ่มตั้งแต่ตอนที่คุณไปซื้ออุปกรณ์ศิลปะ คุณตัดสินใจ และมันมักจะเหมือนเดิม เช่น แปรงที่คุณซื้อ และถ้าคุณถูกบังคับให้เปลี่ยนอะไรบางอย่าง มันจะทำให้งานมีความไม่มั่นคงซึ่งช่วยได้มาก มันทำให้คุณค้นพบว่าสิ่งที่คุณต้องการจริงๆ คืออะไร”
Albert Oehlen - Titanium Cat with Laboratory tested Animal, 1999. สีน้ำมันบนผ้าใบ © Albert Oehlen
ไม่มีอะไรน่าเกลียด
ตลอดหลายสิบปีของการทดลองและตั้งข้อจำกัดโดยไม่มีเหตุผล Oehlen ได้ค้นพบข้อเท็จจริงที่น่าขัน เพราะคุณสมบัติทางกายภาพที่เป็นเอกลักษณ์ของผลงาน ทำให้แทบไม่มีใครทำให้ภาพวาดดูน่าเกลียดได้ เคยมีช่วงเวลาที่แนวคิดเรื่องภาพวาดที่ไม่ดีเป็นเรื่องที่ผู้ดูแลและศิลปินหลายคน รวมถึง Oehlen ให้ความสนใจ มีการพิจารณาคำนิยามต่างๆ ของภาพวาดที่ไม่ดี บางคนเชื่อว่ามันเกี่ยวข้องกับกระบวนการ บางคนเชื่อว่ามันเป็นพื้นฐานของการจัดวางภาพ หรือคุณสมบัติทางสุนทรียะของงาน
Oehlen พยายามทำภาพวาดที่ไม่ดีเหมือนนักดนตรีที่ทำเพลงที่ฟังไม่ได้ แต่เขาค้นพบว่าคนสามารถมองว่าภาพวาดทุกภาพสวยงาม เพราะมนุษย์มีความดึงดูดโดยธรรมชาติต่อความงามที่มีอยู่ในสีบนพื้นผิว ไม่ว่าวัตถุจะเป็นอะไร ไม่ว่าสกิลของศิลปินจะเป็นอย่างไร ไม่ว่าวิธีจัดวางภาพและกระบวนการจะเป็นอย่างไร ก็สามารถโต้แย้งได้ว่าไม่มีภาพวาดไหนที่ไม่ดี เพราะถ้าเรายอมมอง เราจะพบสิ่งดีในนั้น
Albert Oehlen - ไม่มีชื่อเรื่อง, 2005. สีอะคริลิกและสีน้ำมันบนผ้าใบ © Albert Oehlen
ตัวกระตุ้นทางสายตา
ผลงานที่โตเต็มที่ของ Albert Oehlen ในวันนี้สะท้อนถึงจิตใจของจิตรกรที่รักในการทำงานของเขาอย่างแท้จริง เขามีความหลากหลายในวัสดุและเทคนิค ให้โอกาสตัวเองเติบโตและพัฒนา บางครั้งเขาทำภาพตัดปะแล้วทาสีทับ โดยใช้วัสดุจากโฆษณาบิลบอร์ดเก่าและภาพพิมพ์อิงค์เจ็ท บางครั้งใช้สเปรย์ บางครั้งใช้สีน้ำมัน บางครั้งก็ถูสีให้เลือนลางไปทั่วพื้นผิว ความสุขของเขาในฐานะศิลปินมาจากการผสมผสานที่ลงตัวระหว่างการทดลองและกฎ หรือพูดอีกอย่างคือ กระบวนการ
สำหรับผู้ชม อาจรู้สึกสับสนกับชั้นเลเยอร์ รูปแบบ และการอ้างอิงมากมายในผลงานของ Oehlen แต่ดังที่กล่าวไว้ข้างต้น การทำให้มองง่ายขึ้นจะช่วยให้เข้าใจคุณค่าของงานได้มากขึ้น วิธีทำให้ง่ายคือมองไม่ใช่เป็นชิ้นงานที่มีความหมายให้ถอดรหัส แต่เป็นตัวกระตุ้นทางสายตา ถอยออกมาและมองเป็นการเปิดเผยกระบวนการ และปล่อยให้มันกระตุ้นอารมณ์หรือความคิด ภาพเหมือน ข้อความ สี เครื่องหมาย หรือเศษซากทางวัฒนธรรมรวมกันสร้างความรู้สึก ซึ่งส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับเรา ภาพไม่ใช่จุดจบของเรื่อง ถ้าเป็นเช่นนั้นจริง มันคงสับสนมาก แต่ภาพเป็นเพียงจุดเริ่มต้น
Albert Oehlen - I 28, 2011. ภาพตัดปะบนผ้าใบ © Albert Oehlen
ลดเสียงรบกวนให้เรียบง่าย
ในแง่สายตา ผลงานของ Albert Oehlen ถูกจัดอยู่ในกลุ่มศิลปะหลายแนว เช่น นีโอ-เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ และ Neue Wilde นีโอ-เอ็กซ์เพรสชันนิสต์มีบทบาทสำคัญในการนำภาพเหมือนกลับมา หลังจากยุคของแนว แอ็บสแตรกต์ เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ มินิมัลลิสม์ และ ศิลปะแบบแนวคิด ส่วน Neue Wilde หรือเยาวชนป่าเถื่อน ผสมผสานภาพนามธรรมและภาพเหมือนด้วยสีสันสดใสและลายพู่กันที่แสดงอารมณ์ ในตอนแรกผลงานของ Oehlen มักดูเหมือนมีทั้งสององค์ประกอบ แต่ Oehlen ยังได้รับฉายาอีกอย่างหนึ่งว่า “อิสระสุดขั้ว” ชื่อนี้มาจากความยืนยันของ Oehlen ว่าเขาไม่เป็นส่วนหนึ่งของขบวนการใด และผลงานแต่ละชิ้นควรถูกพิจารณาแยกกันตามข้อเสนอทางสุนทรียะของมันเอง
ข้อเสนอของ Oehlen คืออะไร เป็นบทสนทนาเปิดที่แม้แต่ Oehlen เองก็ไม่สามารถอธิบายได้ทั้งหมด สิ่งที่ชัดเจนคือเขาได้พัฒนาวิสัยทัศน์ทางสุนทรียะที่เป็นเอกลักษณ์อย่างค่อยเป็นค่อยไป และยังคงพัฒนาอยู่ เขาใช้เครื่องมือทางสายตาที่มีอยู่เพื่อสร้างสิ่งที่จะกระตุ้นความรู้สึกในผู้ชม ทุกอย่างสวยงามและดี อย่างน้อยในใจบางคน ผู้คนอาจชอบหรือไม่ชอบ แล้วไง? มันไม่สามารถเข้าใจได้ด้วยการวิเคราะห์ข้อเท็จจริง สิ่งที่เรารู้แน่ชัดคือเสียงรบกวนของป้ายชื่อ การตัดสิน และการวิจารณ์ทางสุนทรียะนั้นเป็นอุปสรรคต่อผลงานของเขา เช่นเดียวกับองค์ประกอบมากมายที่ Oehlen ผสมผสานในผลงานของเขา ทั้งหมดนั้นเป็นเสียงรบกวน ผ่านกระบวนการที่ไม่แน่นอนและเปิดกว้าง Oehlen เพียงแค่พยายามสร้างภาพวาดที่ดี เขากำลังนำองค์ประกอบซับซ้อนของบรรยากาศทางสายตามาทำให้เรียบง่ายขึ้น ยิ่งเราทำให้การมองผลงานของเขาง่ายขึ้นเท่าไร มันก็ยิ่งเรียบง่ายขึ้น และยิ่งเห็นว่าสวยงามได้ง่ายขึ้นเท่านั้น
Albert Oehlen - Aus Dem Nachlass, 2007. ภาพพิมพ์ลิโธกราฟฟีบนกระดาษ Somerset Epson © Albert Oehlen
ภาพเด่น: Albert Oehlen - ไม่มีชื่อเรื่อง (รายละเอียด), 1993. สีน้ำมันบนผ้าใบ © Albert Oehlen
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio
