阿爾曼如何重新定義裝配
對於藝術愛好者來說，沒有什麼比聽到藝術家用他們自己的話講述自己的故事更令人興奮的了。年輕的 阿曼德·費爾南德茲 如何轉變為 阿爾曼，這位20世紀最具創新性的概念藝術家之一的故事，最早是在1968年為美國藝術檔案館錄製的 阿爾曼藝術家 訪談中親自講述的。在這次迷人的訪談中，阿爾曼詳細而迷人地講述了他到那時為止的生活故事。他回憶起他的戰前青年時期，與慈愛的父母在尼斯成長。他的父親來自富裕家庭，性格溫和，是一位“星期天（業餘）畫家”，並擁有一家古董店。阿爾曼的母親來自貧困家庭，未被丈夫的富裕親戚接受。她堅強而聰明，專注且是一位才華橫溢的音樂家。阿爾曼回憶起在納粹佔領期間幾乎挨餓的日子，並自豪地談到他的戰後藝術史和柔道教育。最後，他講述了導致他成為新現實主義創始成員的冒險，他在訪談中表示這一運動“持續了二十分鐘。”
阿爾曼、克萊因和帕斯卡爾劃分世界
阿曼與新現實主義創始成員的關聯故事，是三位年輕朋友在二戰後一起旅行歐洲的故事。某個下午，這三位朋友（藝術家伊夫·克萊因和詩人克勞德·帕斯卡）發現自己在海灘上。阿曼這樣講述：「……我們決定成為國王，但不是為了擁有王冠，而是負責任、有意識的國王……我們劃分了世界。伊夫·克萊因負責所有有機生命……活著的。克勞德·帕斯卡負責所有自然但不活的東西，比如石頭。而我，負責所有人造的東西。」
阿爾曼 - 資產階級的垃圾 (Bourgeois Garbage)，1959年。© 2018 阿爾曼工作室
在接下來的六十年裡，阿爾曼擴展了他對「一切所造之物」的統治，通過美學地表達生產、消費和毀滅的過程。他組合了大量的產品，專注於同類物品、發現物和垃圾的收藏。他創造了裝置，製作了版畫和繪畫，建造了雕塑和浮雕，並經常將他的創作封裝在壓克力或混凝土中。他專注於探索基於大規模生產的製造產品的重複視覺語言。他的豐富創作的結果是，到他於2005年去世時，阿爾曼已成為世界上最著名的概念藝術家，專注於裝置技術。
阿爾曼 - 孩子的垃圾 (Children’s Garbage), 1960. © 2018 阿爾曼工作室
積累的藝術
在阿爾曼的職業生涯中，他積累了許多東西。他是一位天生的收藏家。他最早表達積累行為的方式之一是收集和展示垃圾的積累。他以他稱之為Poubelles（法語中的垃圾桶）形式展出了他的垃圾積累。阿爾曼的一些Poubelles被展示在用木頭或有機玻璃製成的盒子裡。在他或許是最著名、最宏偉和最雄心勃勃的Poubelle中，阿爾曼用垃圾填滿了巴黎Iris Clert畫廊的整個展覽空間。這次展覽名為“滿了”，是對兩年前在同一畫廊由他的朋友伊夫·克萊因舉辦的名為“虛無”的展覽的回應，該展覽中畫廊被漆成純白色，除了牆邊的一個空櫃子外，裡面什麼都沒有。
阿爾曼的憤怒 - 立體主義磨坊，1961年。© 2018 阿爾曼工作室
除了垃圾，阿爾曼還收集了一些仍然有用的物品。他最初收集的物品包括熨斗、橡皮圖章和顏料管等簡單的物品。與他的垃圾收集一樣，他將這些物品放在壓克力玻璃或木箱中展示。到了1960年代，他開始收集具有更戲劇性美學影響的物品，如斧頭、鑽頭、樂器、機械零件、汽車零件和衣物。當他開始將這些物品組合成三維雕塑物件時，他創造了最終成為他標誌性風格的拼裝作品。
阿爾曼的憤怒 - 巴尼的斧頭，1962年。© 2018 阿爾曼工作室
阿曼德·費爾南德斯藝術中的驚豔美學
除了編輯他標誌性的累積作品和創造他獨特的裝置藝術，這些作品從消費和浪費的角度檢視製造物品，阿爾曼還花了大量時間思考破壞。在他稱之為Colères的作品中，阿爾曼故意砸碎或燒毀物品，然後將它們的破碎片段以抽象的構圖排列在畫布上。法語中的colères意為憤怒，阿爾曼將這些作品稱為他的“憤怒”。他的Colères包括砸碎鋼琴、薩克斯風和小提琴等樂器，以及咖啡磨、打字機和相機等日常物品。
Arman - 大提琴椅，1993年，鑄銅大提琴形狀的椅子，33 1/2 x 16 x 19 吋。© 2018 Arman Studio
阿爾曼也從切割的角度探索了破壞，通過將物體切成幾個部分。與他破碎的物體一樣，他經常將樂器等物體切開，並將它們展示在畫布上。在其他情況下，他會切割雕塑的部分，例如一尊1962年的聖女貞德小雕像，他從中切割了她身體的大部分。有時這些切割的物體似乎像是一個哲學謎語，試圖通過拆解來檢視某物的運作方式，以至於它不再運作。其他時候，例如在他1997年的切割裝置《雅馬哈的精神》中，它們則接近於異想天開，或可能是荒謬的。
Arman - Section Bulls, 1956, 橡膠印章痕跡附在面板上的紙張，19.7 x 12.1 吋。© 2018 Arman Studio
阿曼製作人對阿曼藝術家
阿爾曼不僅對發現的物品和廢棄物感興趣。除了調查產品的積累、消耗和破壞外，阿爾曼還在他的職業生涯中花了很多時間研究生產的行為。他通過雕塑來實現這一點。他曾經為他的朋友伊夫·克萊因的裸體製作了一個石膏模具，然後鑄造成青銅，並將其塗上伊夫·克萊因藍色。與他其他技術一樣，他在雕塑中也經常回到樂器的主題。有時他的樂器雕塑是以多件形式製作的，有時則被拆分並以零件的形式展示，有時他則將它們製作成家具，如桌子底座或椅子。
Arman - Allure au Bretelle, 1958, 墨水於畫布上的紙，150 x 204 公分。© 2018 Arman Studio
二維作品
阿爾曼也是一位多產的二維藝術創作者。在他發明自己標誌性的拼貼風格之前，他開始對多重作品的研究，最初是從二維作品開始的。他對多重作品的最早研究以他所稱的Cachets和Allures的形式出現。Cachets是由傳統橡皮印章在表面上重複標記創作的二維作品。Allures則類似，但涉及使用浸入墨水的普通物體的印章狀印記來創作抽象構圖。
Arman - 無題，1994年，丙烯顏料和畫筆裝置於畫布上。© 2018 Arman Studio
通過他所稱的刷子畫作，阿爾曼彌合了他二維作品與其積累和組合實踐之間的概念差距。在這些作品中，他使用刷子將媒介塗抹到二維表面上，然後將刷子附著在表面上。結果是一幅包含了畫作本身所用刷子的雕塑元素的畫作。儘管阿爾曼在其職業生涯中對立體派做出了許多致敬和參考，但這些作品在捕捉時間和過程的能力上代表了一種概念上的勝利，因其存在而變得四維，實現了立體派本身所珍視的東西。
Arman - Long Term Parking, 1982. © 2018 Arman Studio
阿爾曼的公共遺產
阿爾曼最重要的禮物之一就是他的真實性。從小他就是一位收藏家，並且欣賞製造物品，這些特質受到他父親作為古董商的工作的鼓勵。他真心熱愛音樂，這一特質受到他母親的影響，她是一位大提琴手。在戰爭期間，他和大多數鄰居一樣，幾年來幾乎面臨飢餓。這些早期的影響表現為對音樂器具美學的欣賞，對囤積、浪費和被丟棄資源的著迷，以及對收藏、保護和保存的熱愛。
阿爾曼 - 中國之夜，1976年。© 2018 阿爾曼工作室
當阿爾曼在1960年代來到美國時，他目睹了一種與他所離開的戰後歐洲截然不同的文化。他見證了前所未有的大規模消費。對於他所身處的文化，他的持久評論最能通過他的一件紀念性公共雕塑來總結，這件作品高達18米，名為長期停車。 這件作品由60輛汽車封閉在混凝土中組成。
Arman - 雅馬哈的精神，1997年，切片鋼琴與雅馬哈摩托車。© 2018 Arman Studio
儘管其意義可能含糊不清，但這件雕塑，像阿爾曼的許多作品一樣，觸及了一種直觀而現代的東西，沒有當代人能夠置身事外。它談及了組合的概念：將不同的部分拼湊在一起，將我們丟棄的碎片、破碎的部分、瓦礫和我們的集體身份轉化為有意義的東西，如果我們幸運的話，還能變得美麗。
特色圖片：Arman - Accumulation Renault No. 106, 1967
所有圖片僅用於說明目的
由 Barcio 作品
