米切爾-伊尼斯與納什向朱利安·斯坦查克的藝術致敬
畫家朱利安·斯坦查克（Julian Stanczak）於今年早些時候在他的故鄉俄亥俄州克里夫蘭去世，享年88歲。在他去世之前，紐約的米切爾-伊尼斯和納什（Mitchell-Innes and Nash）一直在計劃他在畫廊的第二次個展。該展覽於5月18日開幕，距斯坦查克去世不到兩個月，並且已經成為不僅僅是另一場展覽。這是對一位真正受人喜愛和有影響力的藝術家的作品和生活的慶祝。展覽的副標題是 表面的生命，1970-1975年的畫作。如標題所示，展覽僅展示了70年代五年期間創作的作品。但更重要的是，這提到了斯坦查克為他的作品以及整個藝術界帶來的生命。作為最終被稱為光學藝術（Op Art）的先驅之一，斯坦查克是一位開創者，他發現了僅使用顏色和線條這些簡單元素所能實現的非凡事物。
意外發明的光學藝術
今天，光學藝術這個術語被大多數藝術愛好者、策展人、教育工作者和收藏家理解為一種迷幻的幾何藝術，能夠欺騙眼睛，使人感知到不存在的運動、空間和光線。這一運動通常與一些知名藝術家如布里奇特·萊利和維克多·瓦薩雷利相聯繫，他們在早期是這一運動最具知名度的倡導者。而當代觀眾往往將其視為一個有凝聚力的運動，參與的藝術家有著共同的議程，或者至少在美學方向上朝著一致的方向發展。
但關於光學藝術的真相遠不如那麼光鮮亮麗。光學藝術這個術語源自於一場展覽的名稱，展出者正是朱利安·斯坦茨卡（Julian Stanczak）。這場展覽是他在紐約的第一次，於1964年在瑪莎·傑克遜畫廊舉行。瑪莎·傑克遜本人將展覽命名為朱利安·斯坦茨卡：光學畫作。當斯坦茨卡從克里夫蘭的家前往紐約觀看展覽時，他第一次看到這個名稱是在畫廊的窗戶上寫著的。斯坦茨卡在2011年的一次訪談中回憶道：“我說，‘我的天啊，你從哪裡得到的？瑪莎，你怎麼能說是光學的呢？’”傑克遜試圖讓他冷靜下來，回答道：“嘿，朱利安，這是給藝術評論家們思考的東西。”而他們確實思考了。事實上，一位名叫唐納德·賈德（Donald Judd）的年輕雕塑家，當時為《藝術》雜誌撰寫評論，對這場展覽進行了評價，並在評論中提到其標題，創造了“光學藝術”這個詞。
朱利安·斯坦查克 - 靜態藍，1973年，壓克力畫布，48x120英寸
顏色和線條
回顧來看，將某一特定類型的畫作單獨挑出來稱之為光學，確實顯得荒謬。光學這個詞與任何存在於可見光譜中的現象有關。但在那場首次於瑪莎·傑克遜畫廊舉辦的朱利安·斯坦查克展覽中，這個術語的解釋不僅是指可見的事物，而是與視覺錯覺有關。斯坦查克運用了顏色和線條的組合，給人以深度和運動的印象，並暗示光線是從作品的表面發出的。但這件作品並不是試圖欺騙任何人。這僅僅是對顏色和線條在其自身上能夠實現的可能性的一次探索。
他對色彩和線條元素的最初吸引力，始於數十年前的第一次紐約展覽之前，當時他還是一名在二戰期間烏干達難民營的年輕人。他在勞動營工作時失去了主導的右臂，隨後又被無能的軍醫進一步傷害。這次傷害終結了他成為音樂家的夢想，因此在抵達非洲並注意到那裡的美麗和色彩後，他抓住機會學習用左手畫畫和繪畫。那段時間的作品非凡，顯示出即使是用非主導手，他也擁有從現實中繪畫的非凡能力。但他並不想畫他所見所經歷的東西。他反而尋求抽象的主題，以幫助他忘記過去，畫出一些普遍的東西。
朱利安·斯坦查克 - 表面的生命，1970 – 1975 年的畫作，2017 年在米切爾-伊尼斯和納什紐約的展覽視圖
即將來到俄亥俄州
一旦有能力，Stanczak 來到美國，與住在俄亥俄州的家人團聚。他發現克里夫蘭市非常適合他的藝術抱負，在那裡發現了一個充滿活力的交響樂團和藝術博物館。他在辛辛那提藝術學院報名參加藝術課程，正是在那裡他真正開始專注於顏色的元素。但他很快發現，學校裡沒有人能教他所有他想知道的東西。Stanczak 說：“我喜歡顏色。我想知道更多關於它的事情。可是沒有人回答我的問題。所以我聽說 Albers 是專家。他在哪裡教書？在耶魯大學。所以我就去耶魯。”
由阿爾伯斯所指的，是約瑟夫·阿爾伯斯，他是色彩方面的首屈一指的現代主義專家。約瑟夫·阿爾伯斯和他的妻子安妮在第二次世界大戰前是包豪斯的影響力教師。當納粹迫使包豪斯關閉時，他們受邀前往北卡羅來納州，在黑山學院任教。後來他們轉到耶魯大學。聽說阿爾伯斯是世界上色彩方面的首要專家，斯坦查克申請了耶魯的研究生課程。在阿爾伯斯的指導下，他確信自己一直渴望表達的一切都可以用色彩來表達，並且只需簡單地添加線條。
朱利安·斯坦查克 - 表面的生命，1970 – 1975 年的畫作，2017 年在米切爾-伊尼斯和納什紐約的展覽視圖
反應靈敏的眼睛
在他第一次在瑪莎·傑克遜畫廊舉辦展覽的兩年後，這次展覽導致了「光學藝術」一詞的誕生，紐約現代藝術博物館舉辦了名為《反應之眼》的雄心勃勃的幾何抽象藝術展。朱利安·斯坦查克被納入展覽中，他的耶魯大學老師約瑟夫·阿爾伯斯、前面提到的布里吉特·萊利和維克多·瓦薇利，以及來自15個國家的95位其他藝術家也參加了展覽。該展覽自此以向更廣泛的公眾想像介紹光學藝術而聞名。但在當時，MoMA從未使用「光學藝術」這個術語來指代展覽中的作品。相反，博物館使用了「感知」等術語來強調他們對藝術家如何使用幾何、顏色、表面、線條和光線來檢視人們的視覺方式的新探索。
正如指導《反應之眼》展覽的威廉·C·賽茨在展覽的新聞稿中所說： “這些作品存在的意義不在於作為可供檢視的物體，而在於作為觀者眼睛和心靈中感知反應的產生者。僅使用線條、帶子和圖案、平坦的顏色區域、白色、灰色或黑色，或是乾淨切割的木材、玻璃、金屬和塑料，感知藝術家建立了觀察者與藝術作品之間的新關係。這些新型的主觀經驗……對眼睛來說是完全真實的，儘管它們在作品本身中並不存在。” 《反應之眼》對朱利安·斯坦查克的職業生涯提供了巨大的推動，也對展覽中的許多其他藝術家產生了影響。但斯坦查克並沒有搬到紐約，儘管他本可以輕易享受巨大的名聲。相反，他仍然在克里夫蘭定居，在克里夫蘭藝術學院擔任了38年的繪畫教授。
朱利安·斯坦查克 - 表面的生命，1970 – 1975 年的畫作，2017 年在米切爾-伊尼斯和納什紐約的展覽視圖
紀念朱利安·斯坦查克
從他在克里夫蘭的家中，遠離藝術世界的首都，斯坦查克在他的一生中繼續探索顏色和光線在他的畫作中。他用非主手的左手一層一層地塗抹顏料的艱辛過程既耗時又繁重。但在他的過程中，他找到了快樂和釋放，這兩者都在他的作品中大量流露出來。幾十年來，他的畫作被全球近100家博物館收藏，儘管他幾乎被紐約的畫廊所忽視。
但最終在2004年，Stanczak回到紐約，在Stefan Stux Gallery舉辦了連續兩場個展。在接下來的十年裡，他在這座城市參加了幾個群展，逐漸再次在藝術購買公眾的心中變得突出。然後在2014年，他在Mitchell-Innes & Nash舉辦了他的第一次展覽。當前的追思展覽完美地副標題，因為Stanczak確實花了一生的時間為他的畫作的表面帶來生命。展覽只持續到2017年6月24日，所以如果你想看它，請趕快。但如果你錯過了，也不要擔心。隨著世界意識到它失去的天才，這可能只會是慶祝這位色彩和線條大師遺產的第一次展覽。
特色圖片：朱利安·斯坦查克 - 表面的生命，1970 – 1975 年的畫作，在紐約米切爾-伊尼斯與納什的展覽視圖，2017年
所有圖片由 Mitchell-Innes 和 Nash 提供
由 Barcio 作品
