من التجريد إلى التشكيل - مسار ريتشارد ديبينكورن

عندما توفي ريتشارد ديبنكورن في عام 1993، ترك وراءه مجموعة من الأعمال التي دافعت عن أهمية الرسم. على الرغم من احتكاكه ببعض أكثر الفنانين تأثيرًا في جيله، ظل متمسكًا بالفردية بشدة، مبدعًا مجموعة أعمال لا تزال اليوم فريدة وسهلة التمييز. بعد أن بدأ مسيرته كرسام تجريدي في الأربعينيات، وكان يعتقد بالمصادفة أن لا يجب على أي رسام حديث ذي قيمة أن يهتم بالأعمال التصويرية، فجأة حول ديبنكورن تركيزه إلى رسم البورتريه، والطبيعة الصامتة، والمناظر الطبيعية. كان لهذا التحول غير المتوقع تأثير غريب جعله يُصنف كفنان طليعي، لأنه تحدى قناعاته وقناعات معظم الرسامين المعروفين الآخرين. لكن بعد عقد من الزمن عاد إلى التجريد. وبينما كان يُقال عنه إنه ثوري، قال: «أنا في الحقيقة رسام تقليدي، ولست طليعيًا على الإطلاق»، مضيفًا أن كل ما كان يرغب فيه حقًا هو «اتباع تقليد وتمديده». من وجهة نظره، كانت الاتجاهات المختلفة التي اتخذها جزءًا من مسار واحد: تطور تدريجي بعيدًا عن الارتباك الأيديولوجي ونحو فهم المشاكل القديمة والدائمة المتعلقة ببساطة بصنع لوحات جيدة.

متمرد تقليدي

يُعرف ريتشارد ديبنكورن اليوم كرسام كاليفورني نموذجي. ساعدت تركيباته الفضفاضة المتوازنة ولوحة ألوانه الباهتة في تحديد جمالية ثقافة الحرية والنسيم والضوء المدهش. لكن ديبنكورن وُلد في بورتلاند، أوريغون. انتقل إلى كاليفورنيا في عمر السنتين. قبل أن يصبح رسامًا محترفًا، خدم لمدة عامين كجندي في مشاة البحرية الأمريكية خلال الحرب العالمية الثانية. بعد الحرب، استخدم امتيازات قانون GI للالتحاق بمدرسة الفنون. مثل معظم الفنانين في جيله، انغمس ديبنكورن بكل قلبه في التعبيرية التجريدية، التي كانت الاتجاه الفني السائد في ذلك الوقت. صنع تركيبات تعبيرية تنقل القلق والطاقة لفنان كان بوضوح في حالة بحث. وكان في صحبة جيدة، حيث درس ودرّس إلى جانب رسامين كاليفورنيين ناشئين آخرين مثل مارك روثكو وكليفورد ستيل.

لكن ديبنكورن بدأ يتحرك سريعًا، يدرس ويُدرّس في ألبوكيركي، نيو مكسيكو، وأوربانا، إلينوي، قبل أن يعود مرة أخرى إلى كاليفورنيا. خلال رحلاته، أصبح واعيًا لحوار أوسع يدور بين رسامين من عقول مختلفة: حوار لم يكن متعلقًا كثيرًا بما بدأ يراه كفصل زائف بين التجريد والتصوير، بل كان متعلقًا أكثر بالأهمية الأعمق لما يمكن أن تحققه اللوحة. توصل إلى استنتاج مفاده أن «كل اللوحات تبدأ من مزاج، من علاقة مع الأشياء أو الناس، من انطباع بصري كامل. أن نطلق على هذا التعبير اسم تجريدي يبدو لي غالبًا ما يربك المسألة.»

ريتشارد ديبنكورن - بيركلي 3، 1953. زيت على قماش. 54 1/10 × 68 بوصة. 137.5 × 172.7 سم. © مؤسسة ريتشارد ديبنكورن، بيركلي

عالم من الألوان والسطوح

الموقف المتغير الذي تبناه ديبنكورن تجاه التجريد وضعه في موقف غريب بالنسبة لفنان حديث. منذ أواخر القرن العشرين، كان معظم الفنانين التجريديين قد تدربوا في الأصل كرسامين تصويريين واقعيين ثم انتقلوا إلى التجريد من خلال عملية تقليل نحو لغة بصرية أبسط. بدأ ديبنكورن بالتجريد ثم انتقل إلى التصوير. لكنه الآن، بعد أن تحرر من وهم الفروق الفلسفية بين التجريد والتصوير، وجد أنه قادر على رسم ما يراه — الأشكال البشرية، الوجوه، والمناظر الطبيعية الحضرية والطبيعية — بينما لا يزال يستكشف داخل هذه الصور خصائص وعناصر التجريد التي وجدها أكثر إثارة للاهتمام.

ريتشارد ديبنكورن - طبيعة صامتة مع قشر البرتقال، 1955. زيت على قماش. 29 3/10 × 24 1/2 بوصة. 74.3 × 62.2 سم (يسار) / ريتشارد ديبنكورن - وادي شابوت، 1955. زيت على قماش. 49.5 × 47.6 سم (يمين). © مؤسسة ريتشارد ديبنكورن، بيركلي

بدلاً من تقليد الحياة الواقعية بلوحات فائقة الواقعية، ترجم ديبنكورن العالم المرئي إلى ترتيبات من حقول الألوان، الخطوط، والأشكال شبه الهندسية. عمل بالفحم والطلاء الزيتي، مما سمح لطبقات متعددة بالظهور في التكوين النهائي. المدينة الأولى هي واحدة من أشهر لوحاته التصويرية المبكرة. فيها، تتحد الأشكال الهندسية، السطوح الخطية، حقول الألوان التجريدية، الطبقات السفلية، وعلامات الكمال التركيبي المعذبة في رؤية تصويرية تعبيرية في الوقت نفسه، وتجريدية إلى حد ما. بالمقارنة جنبًا إلى جنب مع عمل تجريدي سابق من سلسلة ألبوكيركي، من السهل رؤية أن يد الفنان واحدة.

ريتشارد ديبنكورن - المدينة الأولى، 1963. زيت على قماش. 60 1/4 × 50 1/2 بوصة. 153.04 × 128.27 سم. مجموعة متحف الفن الحديث في سان فرانسيسكو (يسار) / ريتشارد ديبنكورن - ألبوكيركي 4، 1951. زيت على قماش. 50 7/10 × 45 7/10 بوصة. 128.9 × 116.2 سم (يمين). © مؤسسة ريتشارد ديبنكورن، بيركلي

جمال الطلاء

حوالي عام 1966، بعد عقد أو نحو ذلك من الرسم التصويري، بدأ ديبنكورن سلسلة جديدة أشار لها مؤرخو الفن على أنها عودة الفنان إلى التجريد الخالص. أطلق على السلسلة اسم أوشن بارك، نسبة إلى حي سانتا مونيكا الساحلي حيث كان يقع استوديو الرسم الخاص به، شمال لوس أنجلوس. بالفعل، تبدو لوحات أوشن بارك خالية من أي إشارة واضحة إلى العناصر التصويرية. تبدو هندسية وتجريدية. لكن مجرد وصف هذه اللوحات بأنها تجريد هندسي، وتصنيفها كرحيل آخر عن أعماله السابقة، هو قراءة مبسطة.

في مقابلة أجراها ديبنكورن مع برنامج CBS Sunday Morning عام 1988، ذكر التأثير الذي كان لبيئته دائمًا على عمله. أوضح أن إحساس المكان أكثر من أي شيء آخر كان مصدر إلهام لوحاته الناضجة. لوحات أوشن بارك ليست عودة إلى شيء أكثر مما كانت لوحات التصوير في العقد السابق رحيلًا عن شيء. في كلا الفترتين، استكشف ديبنكورن قضايا التكوين، الانسجام، اللون، والتوازن. تقوم سلسلة أوشن بارك بنفس الشيء، مستخدمة الضوء، الأشكال، والترتيبات الجمالية للمكان التي واجهها ديبنكورن في العالم الحقيقي، في هذه الحالة عالم شاطئ سانتا مونيكا، لإثراء تحقيق أعمق في نفس القضايا.

ريتشارد ديبنكورن - أوشن بارك 43، 1971. زيت وفحم على قماش. 93 × 81 بوصة. 236.2 × 205.7 سم. © مؤسسة ريتشارد ديبنكورن، بيركلي

كيف تبدأ لوحة

في أواخر مسيرته، غير واضح متى، كتب ديبنكورن قائمة بما اعتبره دروسًا متراكمة من تجربته كرسام حتى ذلك الحين. تضمنت القائمة عشرة أقوال أصلية. أطلق عليها «ملاحظات لنفسي حول بدء لوحة». القائمة الكاملة متاحة في مكان آخر على الإنترنت لأنه كان يشاركها كثيرًا، لذا لا حاجة لإدراجها هنا. لكن لمحة عن بعض البنود في القائمة تكشف الكثير عن أسلوبه، وعن الموقف الناضج الذي طوره ديبنكورن تجاه التجريد، التصوير، والتجريب.

البند الأول في القائمة ينص على: «حاول ما هو غير مؤكد. قد تأتي اليقين أو لا تأتي لاحقًا. قد يكون حينها وهمًا ذا قيمة». بند آخر ينص ببساطة: «تحمل الفوضى». تكشف هذه الملاحظات عن فنان ملتزم بالبحث. تظهر أنه رأى موضوعية ما يسمى بالعالم الحقيقي كنقطة انطلاق فقط في عملية إبداعية داخلية. سواء كان يرسم بورتريه، أو شكلًا بشريًا، أو تركيبة تجريدية هندسية، كان يعمل في اتجاه بعيد عن اليقين، نحو إحساس عالمي بالانسجام. بند آخر في القائمة ينص على: «لا يمكن محو الأخطاء لكنها تحركك من موقعك الحالي.» يتجلى هذا الشعور في الطبقات الغنية والملمس في جميع لوحاته، التي تعبر عن جهوده الصعبة والمستهلكة للوقت.

ريتشارد ديبنكورن - أوشن بارك 135، 1985. زيت، قلم شمع، وحبر على قماش. 16 3/4 × 17 1/2 بوصة. 42.5 × 44.5 سم. © مؤسسة ريتشارد ديبنكورن، بيركلي

عملاق متواضع

حقق ريتشارد ديبنكورن العديد من القمم خلال مسيرته. كان عضوًا مؤسسًا لمدرسة باي إيريا التصويرية في الخمسينيات، التي تُنسب إليها إعادة تقديم الرسم التصويري إلى الفن الأمريكي الحديث بعد التعبيرية التجريدية. وبحلول منتصف الثمانينيات، أصبح من بين أعلى الفنانين أجرًا في الولايات المتحدة. وفي التسعينيات، حصل حتى على الوسام الوطني للفنون، وهو من أرفع الأوسمة التي تمنحها الحكومة الأمريكية للفنانين.

لكن رغم تأثيره، أو ربما في محاولة للدفاع عن نفسه منه، ظل فنانًا متواضعًا ومجتهدًا. في النهاية غادر المدينة، وعاد شمالًا إلى وادي نهر الروس غرب نابا. هناك، استمر في الرسم حتى أضعفته المرض. وطالما كان قادرًا على العمل، سواء برسم التجريدات، كما في سلسلته المتأخرة غطاء صندوق السيجار، أو برسم مناظر طبيعية لمنزله البري، ظل مخلصًا لشغفه مدى الحياة: تحقيق في اللون، الفضاء، والانسجام، وتفانٍ في التحديات والتقاليد القديمة للرسم.

ريتشارد ديبنكورن - غطاء صندوق السيجار 8، 1979. زيت ورصاص على غطاء صندوق سيجار خشبي. 6 1/2 × 5 3/4 بوصة. 16.5 × 14.6 سم. © مؤسسة ريتشارد ديبنكورن، بيركلي

الصورة المميزة: ريتشارد ديبنكورن - أوشن بارك 89.5 (تفصيل)، 1975. زيت وفحم على قماش. © مؤسسة ريتشارد ديبنكورن، بيركلي
جميع الصور مستخدمة لأغراض توضيحية فقط
بواسطة فيليب Barcio