6 Eksempler på Offentlig Abstrakt Kunst på Grænsen til Det Repræsentative
Nogle gange tager folk imod abstrakt offentlig kunst, og andre gange gør de bestemt ikke. Nogle abstrakte offentlige kunstværker bliver elskede dele af det offentlige rum; andre bliver misforstået eller endda hadet af dem, der lever med dem hver dag. Under alle omstændigheder sker det ofte, at for at forstå hvorfor og hvordan et nyt abstrakt offentligt kunstværk har indtaget deres hjem, skaber offentligheden en skræddersyet fortælling om, hvad værket er, hvad det repræsenterer, eller hvad det betyder. Nogle af de mest succesfulde abstrakte offentlige kunstværker krydser let over til at kunne tolkes i repræsentative termer, hvilket giver beskuerne mulighed for at relatere til dem på flere forskellige niveauer. Her er seks berømte offentlige kunstværker, som er elsket af de samfund, hvor de befinder sig, og som eksisterer på grænsen mellem at blive betragtet som repræsentative og abstrakte.
Isamu Noguchi - Red Cube (New York)
Beliggende på 140 Broadway i New York City er “Red Cube” (1968) af Isamu Noguchi ikke faktisk en perfekt kube. Den røde, malede stålform er let forvrænget, som om den er blevet strakt. Gennem dens centrum går en hul, cirkulær tunnel. Værket er let at relatere til i figurative termer, da en kube er en så almindelig geometrisk form. Alligevel er der mange abstrakte og symbolske elementer i værket. Abstrakt modsiger det sine omgivelser, da linjerne i alle de omkringliggende bygninger er lodrette og vandrette, mens hver kant af “Red Cube” er diagonal. Det cirkulære hul udfordrer voyeurismen fra de utallige omkringliggende vinduer og tilbyder et kighul, hvorigennem man kan se den nærliggende højhusbygning. Symbolsk sagde Noguchi, “Kubussen betyder tilfældighed, som når man kaster terninger,” en henvisning til den nærliggende Wall Street. Kunstneren bemærkede også, at formen relaterer til “menneskeskabte” blokke, mens det cirkulære hul relaterer til “solstråling.”
Isamu Noguchi - Red Cube, Broadway, Manhattan, New York. Foto: Ðиколай МакÑимович
Sol LeWitt - Fire-sidet pyramide (Washington)
Beliggende i National Gallery of Art Sculpture Garden i Washington, D.C., er “Fire-sidet pyramide” (1999) typisk for mange LeWitt-værker, da “strukturen”, som han kaldte den, blev tegnet, men ikke bygget af ham. Et hold stenhuggere og ingeniører byggede den ud fra hans detaljerede anvisninger. Symbolsk har LeWitt sagt, at formen henviser til “tilbagetrukne” skyskrabere, en arkitektonisk tendens, der var almindelig i midten af det 20. århundrede og efterligner pyramideformen. Figurativt kunne enhver se på dette værk og antage, at det henviser til de egyptiske pyramider. Abstrakt er det dybt begrebsmæssigt, da LeWitt havde til hensigt, at det kunne genskabes når som helst, hvor som helst, af hvem som helst. I en formel abstrakt forstand tilbyder værket et uendeligt skiftende samspil af linjer, former, mønstre og figurer, efterhånden som det skiftende naturlige lys spiller sammen med de mange beton- og mørteloverflader.
Sol LeWitt - Fire-sidet pyramide. første opsætning 1997, fremstillet 1999 betonblokke og mørtel. samlet: 458,2 x 1012,2 x 970,9 cm (180 3/8 x 398 1/2 x 382 1/4 tommer). Gave fra Donald Fisher-familien 1998.149.1. På udstilling: Sculpture Garden. © National Gallery of Art
Henry Moore - Store to former (Toronto)
Oprindeligt opsat i 1973 på fortovet foran Art Gallery of Ontario, befinder “Store to former” af Henry Moore sig nu i et nærliggende åbent område kaldet Grange Park. De to bronzefigurer er et udtryk for Moores interesse for biomorfe abstraktioner. De vækker associationer til knogler samt til to menneskekroppe, der interagerer med hinanden i rummet. De ligner også naturlige klippeformationer, som kunne være formet af erosion. Da dette værk blev flyttet til sin nye placering, ændrede dets abstrakte kvaliteter sig betydeligt, da det for første gang kunne ses fra 360 grader. Ikke længere flankeret af en høj bygning, kunne det udtrykke sine naturlige organiske kvaliteter mere fuldt ud. Omgivet af græs og træer ligner det langt mindre to menneskefigurer og inviterer langt mere til en rent abstrakt fortolkning.
Henry Moore - Store to former. Art Gallery of Ontario. Foto: M. Readey
Anish Kapoor - Cloud Gate (Chicago)
Et af de mest åbenlyse eksempler på, at en abstrakt offentlig skulptur får en repræsentativ fortolkning af offentligheden, er “Cloud Gate” (2006) af Anish Kapoor. Opsat i Millennium Park i Chicago er den 33 fod høje skulptur i rustfrit stål inspireret af de visuelle kvaliteter ved flydende kviksølv. Dens abstrakte tendenser omfatter dens biomorfe tilstedeværelse midt i en tårnhøj jungle af fremstillede geometriske strukturer samt dens evne til at forvride de refleksioner, den giver af himlen, byen og forbipasserende. På trods af disse aspekter har folk i Chicago berømt givet den et nyt navn, kaldende den “Bønnen,” udelukkende baseret på dens nyreformede form.
Anish Kapoor - Cloud Gate, 2006. Millennium Park, Chicago. Foto: Nyx Ning
Claes Oldenburg og Coosje van Bruggen - Nål, Tråd og Knot (Milano)
Designet af Claes Oldenburg og hans hustru Coosje van Bruggen blev “Nål, Tråd og Knot” (2000) opsat i Milano, Italien, som en del af renoveringen af en nærliggende jernbanestation. Dens farver afspejler dem i den omkringliggende arkitektur, og dens billedsprog, siger Oldenburg, repræsenterer et tog, der kører gennem en tunnel. Denne i det væsentlige figurative skulptur har oplevet den modsatte reaktion af “Cloud Gate” i Chicago. I stedet for at reagere på dens figurative kvaliteter beundrer lokalbefolkningen den for den måde, dens linjer, farver og former står i kontrast til de visuelle elementer i den omkringliggende arkitektur. Dens tilstedeværelse fremhæver de formelle abstrakte visuelle kvaliteter i hele det offentlige rum og giver gaden, gadelygterne og de omkringliggende bygninger en ny, tydeligt ikke-figurativ udstråling.
Claes Oldenburg og Coosje van Bruggen - Nål, Tråd og Knot, 2000. Milano, Italien. Rustfrit stål, forstærket plastik, polyester gelcoat, polyurethanemalje. 18 m × 20 m × 37,5 m (59 ft × 65 ft × 123 ft). Foto: MarkusMark
Alexander Calder - Ørnen (Seattle)
Oprindeligt opstillet i Fort Worth, Texas, ligner “Ørnen” (1974) af Alexander Calder tydeligt en rovfugl. Den 39 fod høje, røde, malede stålform synes at have to ben, to vinger, en hale og et næb. Alligevel gik dens figurative aspekter tabt på dens oprindelige placering foran en glas-højhusbygning. Midt i den tårnhøje baggrund af stål og glas gav dens klare farve, biomorfe kurver og utallige flader værket dramatiske formelle abstrakte kvaliteter. Men i 1990’erne blev bygningen solgt, og skulpturen blev købt af en investeringsgruppe. Den blev kort udstillet på Philadelphia Museum of Art, før kunstsamlerne Jon og Mary Shirley fra Seattle-området købte den til Seattle Art Museum. Den befinder sig nu i den havnære Olympic Sculpture Park, hvor den har fået en helt anden visuel tilstedeværelse. Uden andre høje bygninger at konkurrere med træder de repræsentative aspekter af “Ørnen” straks frem, især i betragtning af de tusindvis af havfugle, hvis yndefulde, oprindelige former så smukt spejles i værket.
Alexander Calder - Ørnen, 1971. 11,81 m × 9,8 m × 9,91 m (38 ft 9 in × 32 ft × 32 ft 6 in). Seattle, Washington. Ejer: Seattle Art Museum
Forsidebillede: Isamu Noguchi - Red Cube, Broadway, Manhattan, New York. Foto: Ken Lund.
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio
