Edward Burtynsky og Landskaber Som Ingen Andre

Den canadiske fotograf Edward Burtynsky har fotograferet den naturlige verden i næsten fire årtier. Han begyndte sin karriere i slutningen af 1970’erne med at fotografere naturlandskaber ud fra et strengt formalistisk perspektiv, hvor han indrammede dem på en måde, så kompositionerne efterlignede abstrakte ekspressionistiske malerier. Som det forklares på hans hjemmeside, “Det vigtigste for ham var den abstrakte ekspressionistiske behandling af det billedlige rum som et tæt, komprimeret felt jævnt fordelt over hele fladen af en stor komposition.” Men i løbet af de næste par år udvidede Burtynsky de beskedne mål, han oprindeligt havde sat for sin fotografiske karriere. I stedet for blot at forsøge at skabe interessante, modernistiske kompositioner begyndte han at søge efter motiver, der kunne give ham mulighed for samtidig at fremsætte sociale, politiske, økonomiske og kulturelle udsagn med sit arbejde. I en serie med titlen Railcuts fangede han billeder, der skildrer den fysiske skade, som jorden påføres ved anlæggelsen af transnationale jernbanespor. I en serie kaldet Homesteads dokumenterede han de usikre måder, hvorpå mennesker omdanner deres naturlige omgivelser, når de bygger hjem, kvarterer og byer. Til sin serie kaldet Tailings fotograferede han de apokalyptiske ødemarker, som ofte efterlades af de strømme af affaldsprodukter, der siver ud af jorden, når mineraler udvindes og adskilles fra malmen under minedrift. Disse og mange andre serier, han har produceret, har givet Burtynsky en TED Prize, ført til to prisvindende dokumentarfilm om hans arbejde og placeret Burtynsky fast i frontlinjen af miljøbevægelsen. Han oplever stor succes som fotograf, men jeg sidder tilbage med et spørgsmål om den sande værdi af hans fotografier: er de aktivisme, er de journalistik, eller er de kunst?

Det abstrakte fotografi-dilemma

Fotografer er mellemled mellem skuepladser og tilskuere. Uanset om deres motiv er en bilulykke, et optøjer, en krig, et vildt dyr, en solformørkelse, en modelfotograf, et naturligt eller unaturligt landskab eller en farverig geometrisk komposition skabt i et atelier eller på en computer, er det det samme: de har brug for noget synligt at fange – helst noget fascinerende – som til gengæld vil fange og fastholde beskuerens interesse. Men siden de tidligste dage med fin kunstfotografi, hvor kunstnere som Alvin Langdon Coburn og Man Ray blandt andet undersøgte, hvad en vending som abstrakt fotografi kunne betyde, har fotografiske kunstnere måttet kæmpe med fotografiets væsen: at det er et medie skabt til at fange virkeligheden.

Et fotografi er et aftryk – et fanget øjeblik – skabt når lys interagerer på en kontrolleret måde med et konkret, objektivt, observerbart fænomen. Hvordan kan et fotografi så nogen sinde være abstrakt? Var det ikke sådan, at det, der vises på et fotografi, virkelig eksisterede, i hvert fald et brøkdel af et sekund, præcis som det bliver afbildet? Det må det have, ellers ville det ikke være der. Så ja, der kan argumenteres for – og mange har forsøgt – at ethvert fotografi per definition er objektivt. Derfor er det kompliceret for fotografer at arbejde i mellemrummet mellem abstraktion og realisme. Når de fotograferer virkeligheden, inviterer de til vurderinger af motivet, som distraherer beskueren fra at værdsætte billedets formelle kvaliteter, såsom dets brug af farve, form og linje. Men når de bevæger sig for langt væk fra den fotografiske proces, for eksempel ved at udelukke kameraet, rejser det grundlæggende spørgsmål om, hvorvidt slutproduktet overhovedet er et fotografi. For det at bruge maling til at skabe noget gør ikke i sig selv det, du har lavet, til et maleri.

Edward Burtynsky - Salt Pan #16, Little Rann of Kutch, Gujarat, Indien, 2016

Skuepladser hjælper os med at se

Edward Burtynsky undgår dette dilemma ved at omfavne tanken om, at tilskuere altid naturligt vil udvikle personlige følelsesmæssige reaktioner på ethvert fotografi, de tilfældigvis ser, og han arbejder med det. Han har bevaret interessen for formalismen, hvilket demonstreres af de abstrakte mønstre, teksturer og kompositioner, han fanger, når han indrammer de naturlige og menneskeskabte landskaber, han fotograferer. Enhver, der kender til det 20. århundredes abstrakte kunsthistorie, kan sandsynligvis se forbindelser mellem hans fotografier og værker af forskellige modernistiske malere. Men i stedet for kun at fokusere på dette punkt – som kunne virke lidt trivielt – kombinerer Burtynsky sin kærlighed til modernistiske billeder med en passion for at dokumentere noget, der er af presserende betydning for hans generation: den storskala, industrielle omdannelse af den naturlige verden.

Se på rækken af klare pink former i hans fotografi fra 2005 Manufacturing #17, af en kyllinge-forarbejdningsfabrik i Kina. Den slående farve er det, der straks fanger min opmærksomhed. Et hav af pink med strejf af rødt, hvidt og blåt, indrammet under en horisont af gråt og hvidt. Farve, mønster og form kunne let være alt, dette fotografi handler om. Jeg slører mine øjne, og bortset fra formenes præcision og kompositionens geometriske kvaliteter kunne jeg se på et Philip Guston-malerie. Men så kigger jeg nærmere. Hver af de pink former er et menneske, hvis job er at stå hele dagen i et kæmpestort, kølet lager uden vinduer, under fluorescerende lys, iført beskyttende gummitøj fra top til tå, og skille de døde lig ad af tidligere følende væsener, som ligesom disse arbejdere engang havde tanker, følelser, relationer, frygt og tvangshandlinger. Dette er ikke et abstrakt billede. Dette er et billede, der dokumenterer den kolde præcision, hvormed billig mad leveres til folk, der ikke værdsætter noget liv: hverken kylling eller menneske.

Edward Burtynsky - Manufacturing #17, Deda Chicken Processing Plant, Dehui City, Jilin Provins, Kina, 2005

Du bestemmer

I sin TED-tale fremsatte Edward Burtynsky en lidenskabelig opfordring til, at hans fotografier kunne bruges af offentligheden som inspiration og motivere os til at handle for at ændre verden. Han udtrykte farerne ved at ændre den naturlige verden til fordel for udvinding af ressourcer og definerede sig dermed som aktivist. Og nogle vil måske sige, at hans fotografier, i deres ligefremme dokumentation af naturens forvandling, også definerer ham som journalist. Men jeg har stadig visse tvivl om gyldigheden af begge disse betegnelser. Jeg vil hellere argumentere for, at Edward Burtynskys arbejde bør vurderes for dets formelle kvaliteter som kunst. Det vigtigste argument for mig er, at hans fotografier får mig til at føle noget. Hans fotografi fra 2008 Fisher Body Plant #1, af ydersiden af en forladt bilfabrik i Detroit, står alene som en slags anti-Agnes Martin. I stedet for sarte rækker af vandrette og lodrette linjer, der giver mig en følelse af lethed og fladhed, giver det gitterlignende mønster i dette billede mig en følelse af vægt og tekstur. Nogle ser på et Agnes Martin-malerie og føler glæde. Andre gør ikke, de ser bare linjer. Nogle kan se på Fisher Body Plant #1 og føle rædsel. Det gør jeg ikke, jeg ser potentiale.

Hvad angår at kalde Edward Burtynsky en aktivist, mener jeg, det ville være forkert. Jeg siger det kun, fordi han bruger de samme teknologier til at lave sine fotografier, som driver markedet for ressourceudvinding. Tænk på de ædle metaller, der får hans digitalkamera til at fungere, og de fossildrevne køretøjer, der hjælper ham med at opnå sine unikke perspektiver. Hvis du fotograferer en bilulykke, betyder det også, at du ikke gør noget for at hjælpe. Hvis du fotograferer et optøjer og sælger billedet til et medie, tjener du penge på krisen. Det, Burtynsky gør, er ikke så dystert. Men da jeg så UPS’ globale postleveringsreklame, der blev vist før hans TED Talk-video om olies gru, undrede jeg mig over, hvad det egentlige budskab er. Er det forbrugervenligt? Er det imod forbrug? Det bedste, jeg kunne finde ud af, er, at Burtynsky som aktivist siger noget i retning af: “Forbrug er forfærdeligt og forårsager ødelæggelsen af det naturlige miljø, og vi bør gøre noget ved det, men ikke endnu, fordi jeg stadig er afhængig af olie- og mineraludvinding for at lave mit arbejde.” Men jeg kan heller ikke kalde Burtynsky en journalist. Journalistik bør per definition være upartisk. Og endelig, desværre, da Burtynsky er så ivrig efter at fortælle os, hvad vi skal tænke, når vi ser hans arbejde, kan jeg heller ikke kalde ham en kunstner. Ingen selvrespekterende kunstner ville efterlade så lidt til beskuerens fantasi. Men jeg vil sige dette: Edward Burtynsky er en fotograf; hvilket måske er noget for sig selv – noget svært at definere, men ubestrideligt i sin kraft.

Edward Burtynsky - Fisher Body Plant #1, Detroit, Michigan, USA, 2008

Fremhævet billede: Edward Burtynsky - Nickel Tailings #35, Sudbury, Ontario, 1996

Alle billeder © Edward Burtynsky, alle billeder anvendt udelukkende til illustration

Af Phillip Barcio