Sam Gilliams Musik af Farve i Basel

I forbindelse med starten på Art Basel 2018 åbnede Kunstmuseum Basel for nylig, hvad der kaldes den første europæiske soloudstilling nogensinde med værker af den amerikanske abstrakte kunstner Sam Gilliam. Udstillingen, med titlen Farvens Musik: Sam Gilliam, 1967 – 1973, viser i alt 45 værker udvalgt fra private og institutionelle samlinger i USA og Europa. Efter mange nutidige kunstneres mening er Gilliam en af de vigtigste amerikanske malere, ikke blot fordi hans værker er smukke, men også på grund af det bidrag, de har givet til den moderne kunstteori. Hans nyskabelser brød med forudfattede meninger på et afgørende tidspunkt og udfordrede direkte nogle af de mest markante stemmer i hans generation. Hans idéer var så vigtige, at det næsten kan være svært at tro, at Gilliam aldrig før har haft en soloudstilling i Europa. Men hvis man virkelig ser på hans karriere, er det måske ikke så overraskende alligevel. Gilliam har altid gjort tingene på sin egen måde. Selvom hans arbejde var med til at etablere det mangefacetterede kunstmarked, vi kender i dag, har han aldrig optrådt efter markedets forventninger. Kort sagt er Gilliam en oprører. På trods af at han to gange har repræsenteret USA på Venedig Biennalen – i 1972 og 2017 – har han først for nylig skrevet kontrakt med et galleri, for første gang i sin karriere. Tidligere, selv når han var i rampelyset, solgte han for det meste sine værker selv, direkte fra sit atelier. Ikke desto mindre har hans købere omfattet dusinvis af verdens mest prestigefyldte museer, herunder Tate Modern, Guggenheim-museet i New York, Metropolitan Museum of Art, MoMA og National Gallery of Art i Washington, DC, som alle har hans værker i deres samlinger. Hans vilje til aldrig at gøre, hvad der forventes, kan meget vel være grunden til, at Gilliam først nu er blevet genstand for en monografisk europæisk udstilling. Men det er også det, der har ført til hans største gennembrud. Hans enestående tillid til sin egen vision gør Gilliam til den perfekte repræsentant for uafhængighed i kunstverdenen, og det er det, der har gjort ham til en levende legende inden for moderne abstrakt kunst.

På den skrå kant

Født i 1933 begyndte Gilliam sin professionelle karriere på et tidspunkt, hvor tendenserne gik mod minimalisme, geometrisk abstraktion og postmalerisk abstraktion. Ligesom mange andre malere fra hans generation begyndte han med netop denne slags værker. Hans hårdkantede geometriske abstrakte værker fra begyndelsen af 1960’erne minder om værker af kunstnere som Frank Stella, Max Bill eller Carmen Herrera. Året, hvor alt ændrede sig for Gilliam, var 1967. Det var da, han tog en helt anden metode i brug: at hælde akrylmaling direkte på ugrundet lærred og derefter folde lærredet sammen, mens malingen stadig var våd. Derefter lod han lærredet tørre, så de krøllede linjer blev en fast del af materialet. Først derefter spændte han lærredet op på rammer.

Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Akryl på lærred, 282,6 x 293,4 x 5,1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, med tilladelse fra kunstneren, Metropolitan Museum of Art, New York, og David Kordansky Gallery, Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zürich

De linjer, der opstår ved denne metode, fungerer som spor efter kunstnerens hånd og tilføjer struktur og dybde til kunstværket. Denne nyskabelse alene var banebrydende. Men Gilliam stoppede ikke der. Han skråskår kanten på sine rammer, hvilket bragte ny opmærksomhed på maleriets sider og gav dem lige så stor betydning som overfladen. De skråskårne kanter fik malerierne til at virke, som om de trådte frem fra væggen i stedet for blot at hænge på den. Det gav malerierne en næsten skulpturel tilstedeværelse. Han kaldte disse værker “Skive-malerier.” Ordet skive havde flere betydninger. Rammerne blev skåret i, hvilket skabte den skrå kant. Også foldningerne i lærredet fungerede som skiver i billedet, hvilket skabte uforudsigelige farvekombinationer og uventede strukturelle variationer i værket, der mindede om flodlejer, der er skåret ind i jordens overflade.

Sam Gilliam - Rondo, 1971. Akryl på lærred, egetræsrammer. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, med tilladelse fra kunstneren, Kunstmuseum Basel og David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zürich

Aldrig den samme to gange

Den næste nyskabelse, som Gilliam er kendt for, skete i 1968, da han skabte sine første “Draperimalerier.” Denne værkgruppe befinder sig i et teoretisk rum et sted mellem maleri, skulptur og installation, fordi den fjerner rammerne og dermed udvider definitionen af, hvad et maleri kan være. Gilliam malede sine “Draperimalerier” med samme metode, som han brugte til sine “Skive-malerier,” ved at hælde akrylmaling direkte på ugrundet lærred. Men når maleriet var færdigt, foldede han det ikke sammen og spændte det op, men hængte lærredet direkte på væggen som et gardin eller et stykke tøj. Hans “Draperimalerier” tog idéen om et formet lærred til et nyt niveau og tillod værket at antage en helt ny form hver gang, det blev vist. Gilliam har med glæde bemærket, at hans “Draperimalerier” aldrig vises på samme måde to gange.

Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, Akryl på lærred, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, med tilladelse fra kunstneren og Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zürich

Siden hans store gennembrud i slutningen af 1960’erne har Gilliam fortsat med at eksperimentere og udvikle sig som kunstner. Han har udvidet sit udvalg af overflader og maler på papir og træ. Han har også undersøgt collagekunstens grænser og fundet stadig flere måder at blande materialer, medier og teknikker på. På trods af de tilsyneladende forskelle i hans forskellige værkgrupper er der dog ét aspekt i alt, hvad Gilliam har gjort, som definerer hans unikke bidrag til moderne kunst, nemlig hvordan han har hjulpet os til at forstå, at maleri og skulptur i virkeligheden er det samme. Folk siger ofte, at en kunstner har udvisket grænserne mellem maleri og skulptur, måske fordi deres malerier har dybde, eller fordi de hænger fra loftet eller står på gulvet. Gilliam har gjort meget mere end det. Han behandler virkelig sine overflader, som en billedhugger ville behandle metal, marmor eller ler. Han beviser, at en malerioverflade har evnen til at formidle følelser, fortælle en historie eller kommunikere formelt indhold. Han definerer overfladen som mere end blot en støtte – han gør den til et medie i sig selv. Farvens Musik: Sam Gilliam, 1967 – 1973 kan ses frem til 30. september på Kunstmuseum Basel.

Forsidebillede: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Akryl på lærred, 304,8 x 2269 cm. Corcoran Collection, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zürich

Af Phillip Barcio