Sam Gilliams Musik af Farve i Basel

I forbindelse med starten af Art Basel 2018 åbnede Kunstmuseum Basel for nylig, hvad der kaldes den første europæiske soloudstilling nogensinde af værkerne fra den amerikanske abstrakte kunstner Sam Gilliam. Udstillingen med titlen The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973 præsenterer i alt 45 værker kurateret fra private og institutionelle samlinger fra USA og Europa. Ifølge mange nutidige kunstnere er Gilliam en af de vigtigste amerikanske malere, ikke kun fordi hans værker er smukke, men også på grund af det bidrag, de har givet til nutidig kunstteori. Hans innovationer knuste fordomme på et afgørende tidspunkt og udfordrede direkte nogle af de højeste stemmer fra hans generation. Så vigtige var hans ideer, at det faktisk kan lyde utroligt, at Gilliam aldrig før har haft en soloudstilling i Europa. Men hvis man virkelig undersøger hans karriere, kan det alligevel ikke komme som en overraskelse. Gilliam har altid gjort tingene på sin egen måde. Selvom hans arbejde hjalp med at etablere det multifacetterede kunstmarked, vi kender i dag, har han aldrig levet op til forventningerne fra det marked. Med ét ord, Gilliam er en rebel. På trods af at han har repræsenteret USA ved Venedig Biennalen to gange - i 1972 og 2017 - har han først for nylig underskrevet med et galleri for første gang i sin karriere. Tidligere, selv når han var i rampelyset, solgte han for det meste sine værker selv fra sit atelier. Ikke desto mindre omfattede hans købere dusinvis af de mest prestigefyldte museer i verden, herunder Tate Modern, Guggenheim Museum i New York, Metropolitan Museum of Art, MoMA og National Gallery of Art i Washington, DC, som alle ejer hans værker. Hans vilje til aldrig at gøre, hvad der forventes, kunne meget vel være det, der har stoppet Gilliam fra at være genstand for en monografisk europæisk udstilling indtil nu. Men det er også det, der har ført til hans største gennembrud. Hans enestående selvtillid i sin egen vision gør Gilliam til den perfekte repræsentant for uafhængighed i kunstverdenen, og det er det, der har gjort ham til en levende legende i verden af nutidig abstrakt kunst.

På den skrå kant

Født i 1933, indtrådte Gilliam i sin professionelle karriere på et tidspunkt, hvor tendenserne bevægede sig mod Minimalisme, Geometrisk Abstraktion og Post Painterly Abstraktion. Ligesom mange andre malere fra hans generation begyndte han at male præcis den slags værker. Hans hard-edge geometriske abstrakte værker fra begyndelsen af 1960'erne minder om værkerne fra kunstnere som Frank Stella, Max Bill eller Carmen Herrera. Året, hvor alt ændrede sig for Gilliam, var 1967. Det var da, han tog en helt anden metode i brug ved at hælde akrylmaling direkte på ubehandlet lærred og derefter folde lærredet sammen, mens malingen stadig var våd. Han lod derefter lærredet tørre, så de krøllede linjer for evigt ville blive inkorporeret i materialet. Først derefter strakte han lærredet på strækrammer.

Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Akryl på lærred, 282,6 x 293,4 x 5,1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, med venlig hilsen fra kunstneren, Metropolitan Museum of Art, New York, og David Kordansky Gallery, Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zürich

De resulterende linjer fra denne metode fungerer som rester af kunstnerens hånd og tilføjer struktur og dimension til kunstobjektet. Denne innovation alene var banebrydende. Alligevel stoppede Gilliam ikke der. Han skråede kanterne på sine strækrammer, hvilket bragte ny opmærksomhed til maleriets sider og gav dem lige så stor betydning som overfladen. De skråede kanter fik malerierne til at synes som om, de trådte frem fra væggen, i stedet for blot at hænge på den. Dette gav malerierne en næsten skulpturel tilstedeværelse. Han kaldte disse værker "Slice Paintings." Ordet slice havde flere betydninger. Strækrammerne blev skåret ind i, hvilket skabte den skrå effekt. Desuden fungerede folderne i lærredet som skiver ind i billedet, hvilket skabte uforudsigelige farvekombinationer og uventede strukturelle variationer i værket, der mindede om flodlejer udskåret i Jordens overflade.

Sam Gilliam - Rondo, 1971. Akryl på lærred, egetræsbjælker. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, med venlig hilsen fra kunstneren, Kunstmuseum Basel og David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zürich

Aldrig den samme to gange

Den næste innovation, som Gilliam er kendt for, fandt sted i 1968, da han skabte sin første "Drape Painting." Dette værk bor i et teoretisk rum et sted mellem maleri, skulptur og installation, fordi det eliminerer strækrammer, hvilket udvider definitionen af, hvad et maleri kan være. Gilliam malede sine "Drape Paintings" ved at bruge den samme metode, han anvendte med sine "Slice Paintings," ved at hælde akrylmaling direkte på ubehandlet lærred. Men da maleriet var færdigt, i stedet for at krølle det sammen og derefter strække det, draperede han simpelthen lærredet direkte på væggen, som et gardin eller et stykke tøj. Hans "Drape Paintings" tog ideen om et formet lærred til et nyt niveau, hvilket gjorde det muligt for værket at adoptere en helt ny konfiguration hver gang, det præsenteres. Gilliam har glad bemærket, at hans "Drape Paintings" aldrig vises på samme måde to gange.

Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, Akryl på lærred, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, Venligst udlånt af kunstneren og Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zürich

Siden hans store gennembrud i slutningen af 1960'erne har Gilliam fortsat med at eksperimentere og udvikle sig som kunstner. Han har udvidet sit udvalg af overflader og maler på papir og træ. Han har også undersøgt grænserne for collage og fundet flere og flere måder at blande materialer, medier og teknikker på. På trods af de tilsyneladende forskelle i alle hans forskellige værker er der dog ét aspekt af alt, hvad Gilliam har gjort, som definerer hans unikke bidrag til nutidig kunst, og som har at gøre med, hvordan han har hjulpet os med at forstå, at maleri og skulptur faktisk er det samme. Folk siger ofte, at en kunstner har udvisket grænserne mellem maleri og skulptur, måske fordi deres malerier har dimensioner, eller fordi de hænger fra loftet eller står på gulvet. Gilliam har opnået meget mere end det. Han behandler virkelig sine overflader på samme måde, som en skulptør ville behandle metal, marmor eller ler. Han beviser, at overfladen af et maleri har evnen til at formidle følelser, fortælle en historie eller kommunikere formelle emner. Han definerer overfladen som mere end en støtte – han gør den til et medie i sig selv. The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973 kan ses indtil 30. september på Kunstmuseum Basel.

Fremhævet billede: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Akryl på lærred, 304,8 x 2269 cm. Corcoran-samlingen, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zürich

Af Phillip Barcio