Den Spændende Revolution af Louise Fishman

Louise Fishman er tidligere blevet kaldt en revolutionær. Det er et mærkat, der er blevet kastet mod hende utallige gange af grunde, der har lidt at gøre med hende, og meget at gøre med en kultur, der føler sig tvunget til at opdele mennesker, som truer status quo. Men politikken omkring social protest til side, har Fishman opnået noget virkelig revolutionerende gennem en kunstnerkarriere, der indtil nu har strakt sig over seks årtier: hun har udtrykt sig ærligt i sin kunst. Hvordan er det revolutionerende? Ærlig selvudfoldelse kan lyde som en simpel, let ting at opnå. Men det er meget sværere, end det lyder. For at udtrykke os ærligt, må vi først være villige og i stand til at afklæde, hvad vi egentlig er, og det kræver, at vi tager fat på de utallige påvirkninger, der har manipuleret os siden det øjeblik, vi blev født.

At afklæde fortiden

For Fishman tog afklædningen af mysteriet om, hvordan hun ærligt kunne udtrykke sig i sin kunst, fart i 1965, året hvor hun fik sin MFA fra University of Illinois, Champaign, og flyttede til New York City. Hun bragte med sig en arv af en bred vifte af stærke påvirkninger: hendes jødiske opvækst; hendes familiearv, da hun var opvokset af en mor og en tante, som begge var kunstnere; påvirkningen af de kønsforudindtagelser, der var rettet mod hende som kvindelig kunstner i et mandsdomineret felt; og den almindelige stigmatisering, der var knyttet til hendes seksuelle identifikation som lesbisk. Oven i det hele havde hun brugt sit liv på at studere kunst og kunsthistorie og følte påvirkningen fra alle de kunstnere, der var kommet før hende.

Det var der, i kunsthistorien, at hendes personlige revolution virkelig begyndte at blomstre. Hun indså, at hver eneste kunstner, hun nogensinde havde studeret i skolen, var en mand. Alt, hvad hun var blevet lært, var rettet mod forestillingen om, at hun ikke hørte til i kunstverdenen på grund af sit køn. Det var den samme iboende forudindtagethed, som havde været brugt mod kvindelige kunstnere gennem historien, som forhindrede deres værker i at blive delt og holdt deres navne skjult. Fishman tog denne erkendelse som et samlingspunkt. Hun standsede sin arbejdsmetode og begyndte forfra, denne gang med at nærme sig kunsten ikke fra udenforstående påvirkninger, men fra perspektivet om faktisk at forsøge at opdage sandheden om, hvem hun unikt og ærligt er.

Louise Fishman - San Stae 2017, olie på lærred, 72 × 96 in, 182,9 × 243,8 cm, foto: Cheim & Read, New York

At rive fortiden itu

Da hun først flyttede til New York City, var Fishman en abstrakt maler, der arbejdede i de gængse stilarter på hendes tid, stilarter der hældede mod geometrisk abstraktion og minimalisme. Men erkendelsen af, at alt, hvad hun nogensinde havde lært om maleri, var opstået ud af en stor patriarkalsk sammensværgelse for at forvride virkeligheden, overbeviste hende om, at det at følge de gængse tendenser var en vej til middelmådighed og ensartethed. Penslerne, lærrederne, underlagene, teknikkerne, stilarterne: alt sammen var arvet fra en falsk fortid.

Hun klippede nogle af de malerier, hun havde arbejdet på, i stykker og lærte sig derefter, selvom hun aldrig før havde haft brug for det, håndværk forbundet med historisk kvindelighed, såsom syning og quiltning, og brugte disse færdigheder til at sy stumperne af sine opskårne malerier sammen til nye værker. De nye stykker mindede om primitive klæder eller tæpper. De var rå og personlige. De talte om en tilbagevenden til kunstens oprindelige begyndelse: de første kunstnere var trods alt kvinder. Og de formidlede også en stærk allegori: en frisk æstetisk holdning bogstaveligt talt generobret, genopbygget fra den knuste, uægte myte om fortiden.

Louise Fishman - Sharps and Flats, 2017, olie på lærred, 70 × 90 in, 177,8 × 228,6 cm, foto: Cheim & Read, New York

At finde en vej frem

På samme tid var Fishman også aktivt engageret i New Yorks sociale, kulturelle og politiske scener. Hun var en aktivist, der deltog i forskellige direkte aktion-koalitioner, som kæmpede for feministiske idealer. Hun var også en åbenlys fortaler inden for det lesbiske fællesskab. Disse aktiviteter var afgørende for forsvaret af hende selv og hendes fællesskab. Men de var også repræsentative for den større arv, hun var født ind i. Hvor meget bestemmer vores køn, vores seksualitet, vores politik, vores tro og vores familiehistorie egentlig, hvem vi virkelig er? Ved at lade sådanne elementer styre vores liv og påvirke vores kunst, spiller vi så bare ind i de samme kulturelle myter, vi angiveligt kæmper imod?

Mens hun søgte sin vej gennem sådanne spørgsmål, fortsatte Fishman med at arbejde på at finde sin unikke æstetiske holdning som kunstner. Hun omfavnede en eksperimenterende tilgang til sit arbejde. Hun boede i en del af det nedre Manhattan, hvor et uendeligt udvalg af fundne genstande, mærkelige materialer og usædvanlige forbrugsvarer var tilgængelige. I stedet for at stole på de traditionelle, forudsigelige, arvede måder at lave kunst på, tog hun imod alt, hvad der faktisk var omkring hende, og byggede værker ud fra den materielle virkelighed i sin autentiske tilværelse. Hun arbejdede stort, småt, todimensionelt, tredimensionelt: hvad end der voksede ud af hendes omgivelser og øjeblikket. Hun udviklede en alsidig tilgang til kunstskabelse, der skyldte mindre til kunsthistorien end til dens ånd.

Louise Fishman - Untitled, 2011, akryl på rustent metal, 1 1/4 × 8 1/2 × 7 1/4 in, 3,2 × 21,6 × 18,4 cm, ICA Philadelphia, Philadelphia, foto: Cheim & Read, New York

At vende tilbage til maleriet

Til sidst bragte hendes æstetiske eksperimenter Fishman tilbage til maleriet. Men hendes nye engagement med maleriet var mere ærligt og mere personligt end før. Hun brugte overflader, der kommunikerede hendes individuelle karakter, og anvendte medier, som hun personligt var tiltrukket af, hvilket hjalp med at formidle de følelsesmæssige lag, der er iboende i værket. Hun brugte redskaber og teknikker uden for det sædvanlige malerværksteds område. Og de emner, hun tog op i sit arbejde, havde også udviklet sig. Hun skabte en række værker kendt som Angry malerier, som bruger direkte, enkle tekstudtalelser til at udfordre kulturelle reaktioner på kvindelige følelser. Og efter et besøg på koncentrationslejre i Tyskland udviklede hun en række værker, der konfronterede hendes personlige følelser om hendes familiehistorie, hendes jødiske fortid og de mange andre måder, hun kropsligt relaterede til den forfølgelse, der er indkapslet i sådanne steder.

I dag formidler hendes arbejde en moden, tidløs oprigtighed. Gennem sin årtier lange rejse mod ærlig selvudfoldelse har Fishman genopfundet maleriet som en personlig måde at udtrykke sig på. Hun tog det tilbage til dets rødder og bragte det frem igen i tiden, nu med hende som vejleder i stedet for omvendt. Undervejs har hun skabt, og fortsætter med at skabe, en bemærkelsesværdig alsidig produktion, som omfatter værker på papir, små malerier, tekstbaserede værker, abstrakte gestiske malerier, skulpturelle genstande og mange andre æstetiske fænomener. Alt arbejdet besidder et samlet æstetisk sprog af maling og grus. Menneskelighed er tydelig i dets harmoniske vekselvirkning mellem fejl og præcision. Et subtilt, men inderligt følelsesregister formidles gennem hendes skiftende farvepalet.

Louise Fishman - Untitled, 2011-2013, akvareller, 7 1/8 × 10 1/4 in, 18,1 × 26 cm, © Louise Fishman, med tilladelse fra Gallery Nosco | Frameless og Cheim & Read

En levende arv

Personligt, udover hendes kunstneriske bidrag, jo mere jeg læser om Louise Fishman, desto mere vil jeg vide. Hendes navn er kommet på en kort, roterende liste, der konstant flyder gennem mit hoved: mennesker, jeg gerne vil invitere til en slags ultimativ cocktailfest, hvor resten af os kunne flyde gennem rummet ubemærket, lytte til de oplystes stemmer og overveje deres visdom og vid.

Fishman er en anerkendt abstrakt kunstner, som har haft indflydelse i den nutidige kunstverden i mere end 40 år. Men det er kun begyndelsen på, hvorfor hun er vigtig for mig. Faktisk stødte jeg første gang på hendes navn ikke i et kunstgalleri, men mens jeg fulgte et internetforskningsspor om modkulturelle direkte aktion-grupper fra 1960’erne og 70’erne. Fishman har på forskellige tidspunkter været tilknyttet flere koalitioner, der arbejdede for social reform. Den, jeg læste om, da jeg først stødte på hendes navn, var W.I.T.C.H., eller Women’s International Terrorist Conspiracy from Hell.

W.I.T.C.H. deltog i offentlige aktioner, der havde til formål at undergrave den patriarkalske struktur, som samfundet er bygget på. Det alene er noget, jeg gerne vil høre mere om. Men det, der rørte mig mest, da jeg læste om hende, var et citat, hun gav i et interview med Alexxa Gotthardt i 2015 for Artsy. Mens hun talte om sin erfaring i grupper som W.I.T.C.H., sagde Fishman, “I de grupper skulle alle tale, vi var alle lige, og hvad vi sagde kunne ikke betvivles. Det var vidnesbyrd: her er min oplevelse som kvinde og som kvindelig kunstner.” Den idé om vidnesbyrd, om muligheden for at udtrykke sig ærligt, ubestridt – det er det, jeg opfatter, når jeg ser på det arbejde, Fishman laver. Det er direkte og oprigtigt, og komplekst. Det fanger mit blik og trækker det forsigtigt hen over overfladen. Hendes kompositioner præsenterer sig som visuelle tidslinjer, abstrakte fænomenologiske dagbøger. Budskabet, de bærer med sig, er, at de ikke er her for at blive betvivlet. De kræver at blive anerkendt ikke for, hvad vi tolker dem som, ikke for hvad vi ønsker, de skal være, men for hvad de faktisk er.

Forsidebillede: Louise Fishman - Untitled, 2011-2013, akvareller, 12 × 17 7/8 in, 30,5 × 45,4 cm, © Louise Fishman, med tilladelse fra Gallery Nosco | Frameless og Cheim & Read

Alle billeder anvendt til illustration

Af Phillip Barcio