Den Spændende Revolution af Louise Fishman

Louise Fishman er blevet kaldt en revolutionær før. Det er en betegnelse, der er blevet kastet efter hende utallige gange af grunde, der har lidt at gøre med hende, og meget at gøre med en kultur, der føler sig tvunget til at opdele mennesker, der truer status quo. Men bortset fra politikken omkring social protest, har Fishman opnået noget virkelig revolutionært i løbet af en kunstnerisk karriere, der indtil videre har strakt sig over seks årtier: hun har udtrykt sig ærligt i sin kunst. Hvordan er det revolutionært? Ærlig selvudfoldelse kan lyde som en simpel, let ting at opnå. Men det er meget sværere, end det lyder. For at udtrykke os ærligt, må vi først være villige og i stand til at afdække, hvad vi præcist er, og det kræver, at vi kommer til rette med de mange indflydelser, der har manipuleret os siden det øjeblik, vi blev født.

Optrævling af fortiden

For Fishman begyndte opklaringen af mysteriet om, hvordan hun ærligt kunne udtrykke sig selv i sin kunst for alvor i 1965, året hvor hun fik sin MFA fra University of Illinois, Champaign, og flyttede til New York City. Hun bragte med sig en arv af en bred vifte af stærke indflydelser: hendes jødiske opvækst; hendes familiearv, idet hun var opvokset af en mor og en tante, der begge var kunstnere; indflydelsen fra de kønsbiaser, der blev rettet mod hende som kvindelig kunstner i et mandsdomineret felt; og det mainstream stigma, der var knyttet til hendes seksuelle identifikation som lesbisk. Oven i alt dette havde hun brugt sit liv på at studere kunst og kunsthistorie og følte indflydelsen fra alle de kunstnere, der var kommet før hende.

Det var der, i kunsthistorien, at hendes personlige revolution virkelig begyndte at blomstre. Hun fik den erkendelse, at hver kunstner, hun nogensinde havde studeret i skolen, var en mand. Alt, hvad hun var blevet undervist i, var rettet mod forestillingen om, at hun ikke hørte hjemme i kunstverdenen på grund af sit køn. Det var den samme iboende bias, der var blevet brugt imod kvindelige kunstnere gennem historien, som forhindrede deres arbejde i at blive delt og holdt deres navne fra at blive kendt. Fishman tog den erkendelse som et samlingspunkt. Hun stoppede sin måde at arbejde på og begyndte forfra, denne gang med at nærme sig kunsten ikke fra perspektivet af ydre påvirkninger, men fra perspektivet af faktisk at forsøge at opdage sandheden om, hvem hun unikt og ærligt er.

Louise Fishman - San Stae 2017, Oil on linen, 72 × 96 in, 182.9 × 243.8 cm, photo credits Cheim & Read, New York

At rive fortiden fra hinanden

Da hun først flyttede til New York City, var Fishman en abstrakt maler, der arbejdede i de dominerende stilarter i sin tid, stilarter der hældte mod geometrisk abstraktion og Minimalisme. Men åbenbaringen om, at alt hvad hun nogensinde havde lært om maleri, var opstået ud af en omfattende patriarkalsk sammensværgelse for at forvride virkeligheden, overbeviste hende om, at det at følge de dominerende tendenser var en vej til middelmådighed og homogenitet. Penslerne, lærrederne, understøtningerne, teknikkerne, stilarterne: alt dette var arvet fra en falsk fortid.

Hun klippede nogle af de malerier, hun havde arbejdet på, og derefter, selvom hun aldrig før havde haft brug for sådanne ting, lærte hun sig selv de håndværk, der er forbundet med historisk femininitet, såsom syning og quiltning, og brugte disse færdigheder til at sy rester af hendes klippede malerier sammen til nye værker. De nye stykker fremkaldte primitive klæder eller tæpper. De var rå og personlige. De talte til en tilbagevenden til kunstens primære begyndelser: de første kunstnere var trods alt kvinder. Og de formidlede også en stærk allegori: en ny æstetisk position, der bogstaveligt talt blev genvundet, rekonstrueret fra den knuste, uægte myte fra fortiden.

Louise Fishman - Sharps and Flats, 2017, Oil on linen, 70 × 90 in, 177.8 × 228.6 cm, photo credits Cheim & Read, New York

At finde en vej fremad

I løbet af denne samme tid var Fishman også aktivt engageret i de sociale, kulturelle og politiske scener i New York. Hun var en aktivist, der deltog i forskellige direkte aktionskoalitioner, der kæmpede for feministiske idealer. Hun var også en åbenmundet talskvinde inden for det lesbiske samfund. Disse aktiviteter var essentielle for forsvaret af hende selv og hendes samfund. Men de var også repræsentative for den større arv, hun var født ind i. Hvor meget bestemmer vores køn, vores seksualitet, vores politik, vores religion og vores familiehistorie egentlig, hvem vi virkelig er? Ved at lade sådanne elementer kontrollere vores liv og påvirke vores kunstneriske skabelse, spiller vi så bare ind i hånden på de samme kulturelle myter, vi angiveligt modstår?

Mens hun søgte sin vej gennem sådanne spørgsmål, arbejdede Fishman fortsat på at finde sin unikke æstetiske position som kunstner. Hun omfavnede en eksperimentel tilgang til sit arbejde. Hun boede i en del af Lower Manhattan, hvor et uendeligt udvalg af fundne objekter, mærkelige materialer og usædvanlige forbrugsvarer var tilgængelige. I stedet for at stole på de traditionelle, forudsigelige, arvede måder at lave kunst på, omfavnede hun hvad der faktisk var omkring hende, og byggede værker ud fra den materielle virkelighed af sin autentiske eksistens. Hun arbejdede stort, småt, todimensionelt, tredimensionelt: hvad som helst der voksede ud af hendes miljø og øjeblikket. Hun udviklede en mangfoldig tilgang til kunstskabelse, der skyldtes mindre kunstens historie end dens ånd.

Louise Fishman - Untitled, 2011, Acrylic on rusted metal, 1 1/4 × 8 1/2 × 7 1/4 in, 3.2 × 21.6 × 18.4 cm, ICA Philadelphia, Philadelphia, photo credits Cheim & Read, New York

Tilbage til maleri

Til sidst bragte hendes æstetiske eksperimenter Fishman tilbage til maleriet. Men hendes nye engagement med maleriet var mere ærligt og mere personligt end før. Hun anvendte overflader, der kommunikerede hendes individuelle karakter, og brugte medier, som hun personligt var tiltrukket af, hvilket hjalp med at kommunikere de lag af følelser, der er iboende i værket. Hun anvendte værktøjer og teknikker uden for det sædvanlige område af maleristudiet. Og de emner, hun tog op i sit arbejde, var også udviklet. Hun skabte en samling værker kendt som Angry malerier, som bruger direkte, enkle tekstdeklarationer til at udfordre kulturelle reaktioner på kvindelig følelse. Og efter et besøg i koncentrationslejre i Tyskland udviklede hun en samling værker, der konfronterede hendes personlige følelser om hendes familiehistorie, hendes jødiske fortid og de mange andre måder, hun visceralt relaterede til forfølgelsen, der var legemliggjort i sådanne steder.

I dag formidler hendes arbejde en moden, tidløs oprigtighed. Gennem sin årtier lange rejse mod ærlig selvudfoldelse har Fishman genopfundet maleri som en personlig måde at udtrykke sig på. Hun tog det tilbage til sine rødder og bragte det frem igen i tiden, nu med hende som dens guide i stedet for omvendt. Undervejs har hun skabt, og fortsætter med at skabe, et bemærkelsesværdigt forskelligartet værk, som inkluderer værker på papir, små malerier, tekstbaserede værker, abstrakte gestural malerier, skulpturelle objekter og mange andre æstetiske fænomener. Alt arbejdet besidder et samlet æstetisk sprog af maling og grit. Menneskelighed er tydelig i dens harmoniske svingninger mellem fejl og præcision. En subtil, men hjertelig række af følelser formidles gennem hendes skiftende farvepalette.

Louise Fishman - Untitled, 2011-2013, Watercolours, 7 1/8 × 10 1/4 in, 18.1 × 26 cm, © Louise Fishman, courtesy of Gallery Nosco | Frameless and Cheim & Read

En levende arv

Personligt, bortset fra hendes kunstneriske bidrag, jo mere jeg læser om Louise Fishman, jo mere vil jeg finde ud af mere. Hendes navn er blevet en del af en kort, roterende liste, der konstant svæver gennem mit hoved: mennesker jeg gerne vil invitere til en slags ultimativ cocktailfest, hvor resten af os kunne svæve gennem rummet uset, lytte til de oplystes stemmer, overveje deres visdom og vid. Fishman er en anerkendt abstrakt kunstner, der har været indflydelsesrig i den moderne kunstverden i mere end 40 år. Men det er kun begyndelsen på, hvorfor hun er vigtig for mig. Faktisk stødte jeg første gang på hendes navn ikke i et kunstgalleri, men mens jeg fulgte et internetforskningskaninhul om modkulturens direkte aktionsgrupper fra 1960'erne og 70'erne. Fishman har på forskellige tidspunkter været tilknyttet flere koalitioner, der arbejder for social reform. Den, jeg læste om, da jeg første gang læste hendes navn, var W.I.T.C.H., eller Women’s International Terrorist Conspiracy from Hell.

W.I.T.C.H. engagerede sig i offentlige handlinger, der havde til formål at undergrave den patriarkalske struktur, som samfundet er bygget på. Det alene er noget, jeg gerne vil høre mere om. Men det, der mest rørte mig, da jeg læste om hende, var et citat, hun gav i et interview med Alexxa Gotthardt i 2015 for Artsy. Mens hun talte om sin erfaring i grupper som W.I.T.C.H., sagde Fishman: “I de grupper skulle alle tale, vi blev alle ligestillet, og hvad vi sagde kunne ikke blive sat spørgsmålstegn ved. Det var vidnesbyrd: her er min erfaring som kvinde, og som kvindelig kunstner.” Den idé om vidnesbyrd, om muligheden for at udtrykke sig ærligt, uden spørgsmål - det er, hvad jeg opfatter, når jeg ser på det arbejde, Fishman laver. Det er direkte og oprigtigt, og komplekst. Det drager mit blik ind og trækker det forsigtigt hen over overfladen. Hendes kompositioner præsenterer sig selv som visuelle tidslinjer, abstrakte fænomenologiske dagbøger. Budskabet, de bærer med sig, er, at de ikke er her for at blive sat spørgsmålstegn ved. De kræver at blive anerkendt ikke for hvad vi fortolker dem som, ikke for hvad vi ønsker, de skal være, men for hvad de faktisk er.

Fremhævet billede: Louise Fishman - Uden titel, 2011-2013, Akvareller, 12 × 17 7/8 tommer, 30,5 × 45,4 cm, © Louise Fishman, venligst udlånt af Gallery Nosco | Frameless og Cheim & Read

Alle billeder er kun til illustrative formål

Af Phillip Barcio