Hvorfor kunstkritiker Rosalind Krauss stadig er afgørende for abstraktion

Rosalind Krauss betragtes af mange kunstnere, kunstuddannede og fagfolk i kunstverdenen som den vigtigste kunstkritiker i live. Og selvom det er ubestrideligt, at hun gennem sine skrifter har spredt nogle af de mest indflydelsesrige kunstteorier i de sidste halvtreds år, kan jeg for mit liv ikke forstå, hvorfor hun bliver mærket med det ord: kritiker. Ifølge min forståelse af, hvad hun gør, er Krauss ikke en kritiker. Hun er en antikritiker. Hun er en, der tænker dybt over kunst og skriver om det, men som ikke definerer, hvordan resten af os skal værdsætte det. Hun er en kunstskribent. Hun er en kunstforkæmper. Hun er en kunstforsvarer. Men kritik? Hvem har brug for det? Kunstnere har bestemt ikke brug for kritik. Det eneste, en kunstner har brug for at høre, er ros. Kritik er for markedet. Det er en måde at opretholde standarder for smag. Men der findes ikke noget som "god" kunst eller "dårlig" kunst. Det eneste, kunstkritikere virkelig ender med at gøre, er at starte argumenter, ødelægge sjov og begrænse muligheder. De spreder blandt masserne subjektive og ofte ubegrundede værdiomdømmelser. De påvirker den offentlige mening baseret på meningerne fra et mindretal af én. Men hvad Krauss har brugt sit liv på, er efter min mening helt det modsatte. Hun har udvidet mulighederne for kunstnere. Hun har udfordret status quo, og i mere end fem årtier har hun kontinuerligt udvidet den måde, folk føler sig bemyndiget til at se på, tale om og skrive om kunst. Hvad angår mig selv, har Krauss lært mig gennem sit skrivning, at det vigtigste, jeg kan gøre i tjeneste for et kunstværk, er at beskrive det. Hun viste mig, at en eftertænksom, præcis beskrivelse er den højeste kompliment, jeg kan give en kunstner eller et kunstværk, meget højere end at nå til vurderingsfasen: at sige, at noget er "godt", eller at jeg "kan lide" noget. Smag er subjektiv. Vurdering er manipulerende. Præcis beskrivelse viser, at man har respekteret værket nok til at se nøje på det og oversætte det ærligt til et klart sprog, som alle kan forstå.

Den unge Rosalind Krauss

Rosalind Krauss blev født i 1941 i Washington, D.C. Hendes far var advokat for det amerikanske justitsministerium. Han tog ofte Rosalind med for at besøge National Gallery of Art. Det var der, hun begyndte at udvikle ønsket og evnen til at tale intellektuelt om værdien af moderne kunst. I et interview fra 2016 med Dylan Kerr for Artspace, mindedes Krauss, at hendes far var kritisk over for moderne kunst. Men selv som ung kvinde følte hun sig drevet til at forsvare værket. Hun havde en idé om, at det var vitalt, og hun talte regelmæssigt for det til sin far, mens de besøgte museet. “Jeg adopterede en vis militans,” siger hun, “for jeg måtte forsøge at overbevise min far om, at disse moderne kunstværker ikke var falske, at de virkelig var vigtige. Dette skærpede mit ønske om at forklare.”

Da hun begyndte på Wellesley College i 1958, startede hun det, der er blevet en livslang akademisk karriere dedikeret til ideen om at forklare vigtigheden af kunst. Hun studerede kunsthistorie og begyndte seriøst at læse, hvad andre kunstskrivere havde at sige om de herskende tendenser i øjeblikket. Det var en spændende tid for amerikansk kunst. Abstrakt ekspressionisme var på højden af sin magt, og kunstnere, der var imod det eller inspireret af det, bevægede det amerikanske kunstlandskab i en række fascinerende retninger: konceptuel kunst, installationskunst, jordarbejder og landkunst, performancekunst, lys- og rumkunst, og minimalisme, for blot at nævne nogle få. Krauss var skarp og perceptiv. Selvom hun hurtigt studerede historien, udviklede hun også sine egne ideer om det, hun studerede. Og i processen stod hun over for en hård realitet i tiden: det snævre synspunkt om, hvordan det var acceptabelt at tale om kunst, og det lille antal indflydelsesrige stemmer, der definerede det.

Rosalind Krauss - The Originality of the Avant-Garde and Other Modernist Myths (MIT Press), book cover

Bergerne

De to mest indflydelsesrige kunstkritikere i midten af det 20. århundrede var Harold Rosenberg og Clement Greenberg. Clement Greenberg var ansvarlig for at gøre karrierer for nogle af de mest berømte kunstnere i efterkrigstiden. Han er mest kendt for at støtte hvide, mandlige Abstract Expressionists som Jackson Pollock og Willem de Kooning, og for at ignorere kvinder og kunstnere af farve. Den enkleste måde at beskrive den måde, Greenberg skrev om kunst på, er at sige, at han var en formalist. Han talte om malerier ikke i forhold til deres indhold, deres fortælling eller deres kulturelle betydning. Han talte om dem i forhold til farve, linje, form, overfladeegenskaber og mediespecifikke kvaliteter.

Harold Rosenberg talte om kunst med et andet sprog end Clement Greenberg. Rosenberg kunne simpelthen beskrives som en kritiker, der fokuserede på de poetiske elementer i kunsten. Han skrev om visse kunstneres evne til at skabe kontemplativt arbejde og skrev om de transcendente kvaliteter i deres kunst. Både Greenberg og Rosenberg blev bredt respekteret og tages stadig alvorligt i dag. I høj grad er de helte, fordi de i vid udstrækning legitimerede abstraktion i den amerikanske bevidsthed. Hver på sin egen måde lærte disse to kritikere efterkrigstidens amerikanere, at abstrakt kunst var større, dybere og mere kompliceret, end det syntes for de fleste mennesker på det tidspunkt. De hævede abstraktion til samme prestige som den realistiske kunst, der fyldte museer og historiebøger. Men på en anden måde repræsenterede begge disse kritikere en gammel måde at tale om kunst på. De engagerede sig i det på en struktureret måde, der var forankret i fortidens traditioner. De bedømte det og lavede værdidomme baseret på dagsordener, der spillede ind i den eksisterende magtstruktur i samfundet, og på den måde begrænsede de, hvad kunst kunne blive.

Rosalind Krauss - Perpetual Inventory (October Books), book cover

Post-strukturalistisk kunstskrivning

Efter sin eksamen fra Wellesley gik Rosalind Krauss til Harvard, hvor hun fik sin Ph.D. i 1969. Mens hun stadig var studerende, begyndte hun at skrive om kunst i Artforum. Oprindeligt havde hun en forkærlighed for Clement Greenbergs arbejde. Men over tid kom hun til at omfavne et post-strukturalistisk synspunkt. Grundlæggende er strukturalisme ideen om, at verden kan forstås i form af identificerbare, beskrivbare strukturer, der igen får alt andet til at give mening. Historie omtales ofte som en struktureret række af begivenheder, der uundgåeligt førte til nutidens verden. En strukturalistisk kunstkritiker mener, at hvert element i et kunstværk kan forstås i forhold til, hvordan det relaterer sig til et eksisterende, struktureret tankesystem. Og omvendt udfordrer post-strukturalisme i bund og grund den idé.

Post-strukturalistisk kunstskrivning er ikke kritik, idet den ikke er efter en endelig vurdering af et kunstværk. Post-strukturalisme inviterer til multiple fortolkninger. Den går ind for individuel evaluering. Den afviser autoriteten af arvede strukturer. Den går ind for at tale om ting på måder, der stiller spørgsmålstegn ved status quo. Den anerkender, at historiske sociale strukturer understøtter en måde at se og interagere med verden på, der passer ind i de eksisterende fortællinger fra magthaverne. Post-strukturalister mener, at ved at udfordre disse måder at se og interagere med verden på, kan en mere mangfoldig, retfærdig, eksperimenterende og interessant verden opstå: en, der i sidste ende også vil være mere sand.

Rosalind Krauss - Bachelors, book cover

På gitteret

Efter ti år med at skrive for Artforum forlod Rosalind Krauss for at co-fundere et nyt kunsttidsskrift med Annette Michelson, kaldet October. Ideen med October var at fremme nye måder at tænke på kunst. Tidsskriftet blev opkaldt efter den måned, der markerede begyndelsen på den Bolsjevikiske Revolution. I siderne af October har Krauss offentliggjort sin mest indflydelsesrige kunstskrivning. I Bind 8 offentliggjorde hun sit essay Sculpture in the Expanded Field, som forklarede et væsentligt udvidet syn på skulptur. Essayet beskrev ikke en specifik måde at definere skulptur på, men begyndte snarere en samtale om at finde en måde at tale om plastisk kunsttendenser uden at skulle definere, hvad de er, strengt. Dette essay forbliver som en livline til eksperimenterende, tværfaglige kunstnere i dag.

Og i bind 9 fra oktober offentliggjorde Krauss et essay kaldet Grids, som i dag betragtes af mange som et af de vigtigste essays fra det 20. århundrede, der forklarer abstraktion. Essayet udforsker historien om brugen af gitter i kunsten og overvejer de forskellige måder, hvorpå kunstnere har reduceret deres arbejde til udforskninger af gitteret. Hvad der er bemærkelsesværdigt ved essayet, efter min mening, er, at det på trods af at være akademisk informeret og meget beskrivende, er åbent og når få konklusioner. En generalisering, som Krauss når frem til, er ideen om, at gitter i sidste ende er symbolske. Men hvad de symboliserer, forbliver åbent. Krauss præsenterer mange eksempler, åbner mange muligheder og underbygger dem med veluddannede eksempler. Men i sidste ende beskriver hun langt mere, end hun dømmer. Og det, synes jeg, er hendes største arv. Hun åbner døren for, hvad der måtte komme næste gang, og lader fremtiden for kunsten udfolde sig, som den vil.

Rosalind Krauss - The Optical Unconscious, book cover

Fremhævet billede: Rosalind Krauss, foto af Judy Olausen, ca. 1978

Af Phillip Barcio