Hvorfor kunstkritiker Rosalind Krauss stadig er afgørende for abstraktion

Rosalind Krauss anses af mange kunstnere, kunstundervisere og fagfolk i kunstverdenen for at være den vigtigste kunstkritiker i live. Og selvom det er ubestrideligt, at hun gennem sine skrifter har spredt nogle af de mest indflydelsesrige kunstteorier fra de sidste halvtreds år, kan jeg ikke forstå, hvorfor hun betegnes med det ord: kritiker. Ifølge min forståelse af, hvad hun gør, er Krauss ikke en kritiker. Hun er en anti-kritiker. Hun er en, der tænker dybt over kunst og skriver om det, men som ikke definerer, hvordan vi andre skal værdsætte den. Hun er en kunstskribent. Hun er en kunstforkæmper. Hun er en kunstforsvarer. Men kritik? Hvem har brug for det? Kunstnere har bestemt ikke brug for kritik. Det eneste, en kunstner behøver at høre, er ros. Kritik er for markedet. Det er en måde at opretholde smagsstandarder på. Men der findes ikke noget som "god" kunst eller "dårlig" kunst. Det eneste, kunstkritikere virkelig ender med at gøre, er at starte skænderier, ødelægge fornøjelsen og begrænse mulighederne. De spreder blandt masserne subjektive og ofte ubegrundede vurderinger. De påvirker den offentlige mening baseret på en mindretals mening. Men hvad Krauss efter min mening har brugt sit liv på, er det modsatte. Hun har udvidet kunstneres muligheder. Hun har udfordret status quo og har i mere end fem årtier kontinuerligt udvidet den måde, folk føler sig bemyndigede til at se på, tale om og skrive om kunst. Hvad angår mig selv, lærte Krauss mig gennem sine skrifter, at det vigtigste, jeg kan gøre i tjeneste for et kunstværk, er at beskrive det. Hun viste mig, at en gennemarbejdet, præcis beskrivelse er den største ros, jeg kan give en kunstner eller et kunstværk, langt højere end at nå til bedømmelsesfasen: at sige, at noget er "godt", eller at jeg "kan lide" noget. Smag er subjektiv. Bedømmelse er manipulerende. Præcis beskrivelse viser, at man har respekteret værket nok til at se nøje på det og oversætte det ærligt til et enkelt sprog, som alle kan forstå.

Den unge Rosalind Krauss

Rosalind Krauss blev født i 1941 i Washington, D.C. Hendes far var advokat for det amerikanske justitsministerium. Han tog ofte Rosalind med på besøg i National Gallery of Art. Det var dér, hun begyndte at udvikle ønsket og evnen til intellektuelt at tale om værdien af moderne kunst. I et interview i 2016 med Dylan Kerr for Artspace mindedes Krauss, at hendes far var kritisk over for moderne kunst. Men allerede som ung kvinde følte hun sig drevet til at forsvare værkerne. Hun havde en idé om, at det var vigtigt, og talte regelmæssigt for det over for sin far, mens de gik rundt i museet. "Jeg tog en vis militans til mig," siger hun, "for jeg måtte forsøge at overbevise min far om, at disse moderne kunstværker ikke var falske, at de virkelig var vigtige. Det skærpede mit ønske om at forklare."

Hun begyndte på Wellesley College i 1958 og startede dermed en livslang akademisk karriere dedikeret til idéen om at forklare kunstens betydning. Hun studerede kunsthistorie og begyndte seriøst at læse, hvad andre kunstskribenter havde at sige om tidens dominerende tendenser. Det var en spændende tid for amerikansk kunst. Abstrakt ekspressionisme var på sit højeste, og kunstnere, der var imod den eller inspireret af den, bevægede det amerikanske kunstlandskab i mange fascinerende retninger: konceptkunst, installationskunst, jordværker og landkunst, performancekunst, lys- og rumkunst og minimalisme, for blot at nævne nogle få. Krauss var skarp og opmærksom. Selvom hun hurtigt lærte historie, udviklede hun også sine egne idéer om det, hun studerede. Og i processen stod hun over for en barsk realitet på den tid: det snævre syn på, hvordan det var acceptabelt at tale om kunst, og det lille antal indflydelsesrige stemmer, der definerede det.

Rosalind Krauss - Originaliteten af avantgarden og andre modernistiske myter (MIT Press), bogomslag

Berg-familien

De to mest indflydelsesrige kunstkritikere i midten af det 20. århundrede var Harold Rosenberg og Clement Greenberg. Clement Greenberg var ansvarlig for at gøre karrierer for nogle af de mest berømte kunstnere i efterkrigstiden. Han er mest kendt for at støtte hvide, mandlige abstrakte ekspressionister som Jackson Pollock og Willem de Kooning, og for at ignorere kvinder og kunstnere med anden hudfarve. Den enkleste måde at beskrive, hvordan Greenberg skrev om kunst, er at sige, at han var formalist. Han talte om malerier ikke i forhold til deres indhold, fortælling eller kulturelle betydning. Han talte om dem i forhold til farve, linje, form, overfladekvaliteter og mediespecifikke egenskaber.

Harold Rosenberg talte om kunst med et andet sprog end Clement Greenberg. Rosenberg kan bedst beskrives som en kritiker, der fokuserede på de poetiske elementer i kunsten. Han skrev om visse kunstneres evne til at skabe eftertænksom kunst og om de transcendente kvaliteter i deres kunst. Både Greenberg og Rosenberg var bredt respekterede og tages stadig alvorligt i dag. I høj grad er de helte, fordi de i vid udstrækning legitimerede abstraktion i den amerikanske bevidsthed. På hver sin måde lærte disse to kritikere efterkrigstidens amerikanere, at abstrakt kunst var større, dybere og mere kompliceret, end de fleste troede dengang. De hævede abstraktionen til samme prestige som den realistiske kunst, der fyldte museer og historiebøger. Men på en anden måde repræsenterede begge kritikere en gammel måde at tale om kunst på. De engagerede sig i kunsten på en struktureret måde rodfæstet i fortidens traditioner. De bedømte den og traf værdidomme baseret på dagsordener, der spillede ind i samfundets eksisterende magtstruktur, og på den måde begrænsede de, hvad kunsten kunne blive til.

Rosalind Krauss - Evig beholdning (October Books), bogomslag

Poststrukturalistisk kunstskrivning

Efter sin eksamen fra Wellesley gik Rosalind Krauss til Harvard, hvor hun i 1969 opnåede sin ph.d. Mens hun stadig var studerende, begyndte hun at skrive om kunst i Artforum. Oprindeligt havde hun en forkærlighed for Clement Greenbergs arbejde. Men med tiden omfavnede hun et poststrukturalistisk synspunkt. Grundlæggende er strukturalisme idéen om, at verden kan forstås gennem identificerbare, beskrivbare strukturer, som igen får alt andet til at give mening. Historie tales ofte om som en struktureret række begivenheder, der uundgåeligt førte til nutidens verden. En strukturalistisk kunstkritiker mener, at hvert element i et kunstværk kan forstås ud fra, hvordan det relaterer sig til et eksisterende, struktureret tankesystem. Og omvendt udfordrer poststrukturalismen grundlæggende denne idé.

Poststrukturalistisk kunstskrivning er ikke kritik i den forstand, at den søger en endelig bedømmelse af et kunstværk. Poststrukturalismen inviterer til flere fortolkninger. Den går ind for individuel vurdering. Den afviser autoriteten af arvede strukturer. Den opfordrer til at tale om ting på måder, der stiller spørgsmål ved status quo. Den anerkender, at historiske sociale strukturer understøtter en måde at se og interagere med verden på, som passer ind i magthavernes eksisterende fortællinger. Poststrukturalister mener, at ved at udfordre disse måder at se og interagere med verden på, kan en mere mangfoldig, retfærdig, eksperimenterende og interessant verden opstå: en verden, der i sidste ende også vil være mere sand.

Rosalind Krauss - Bachelors, bogomslag

Om gitteret

Efter ti år som skribent for Artforum forlod Rosalind Krauss for at være medstifter af et nyt kunsttidsskrift sammen med Annette Michelson, kaldet October. Ideen med October var at fremme nye måder at tænke om kunst på. Tidsskriftet blev opkaldt efter måneden, der markerede begyndelsen på den bolsjevikiske revolution. I October har Krauss udgivet sine mest indflydelsesrige kunstskrifter. I bind 8 publicerede hun sit essay Sculpture in the Expanded Field, som forklarede et væsentligt udvidet syn på skulptur. Essayet beskrev ikke en specifik måde at definere skulptur på, men startede snarere en samtale om at finde en måde at tale om plastiske kunsttendenser uden at skulle definere dem stift. Dette essay er stadig en livline for eksperimenterende, tværfaglige kunstnere i dag.

Og i bind 9 af October publicerede Krauss et essay kaldet Grids, som i dag af mange anses for at være et af de vigtigste essays fra det 20. århundrede, der forklarer abstraktion. Essayet udforsker historien om brugen af gitre i kunsten og overvejer de forskellige måder, kunstnere har reduceret deres arbejde til undersøgelser af gitteret. Det bemærkelsesværdige ved essayet, efter min mening, er, at det på trods af at være akademisk informeret og meget beskrivende, er åbent og når frem til få konklusioner. En generalisering, Krauss når frem til, er idéen om, at gitre i sidste ende er symbolske. Men hvad de symboliserer, forbliver åbent. Krauss præsenterer mange eksempler, åbner mange muligheder og underbygger dem med veluddannede eksempler. Men i sidste ende beskriver hun langt mere, end hun bedømmer. Og det er for mig hendes største arv. Hun åbner døren for, hvad der kan komme, og lader kunstens fremtid udfolde sig, som den vil.

Rosalind Krauss - The Optical Unconscious, bogomslag

Fremhævet billede: Rosalind Krauss, foto af Judy Olausen, ca. 1978

Af Phillip Barcio