Den hypnotiserende verden af Franco Grignani

I februar åbner m.a.x. museo og Chiasso Kulturcenter i Schweiz en udstilling, der udforsker karrieren for Franco Grignani (1908 – 1999). Selvom du måske aldrig har hørt om Grignani, ejer du sandsynligvis mindst én kopi af hans mest berømte værk. Grignani designede det berømte “Woolmark”-logo: den trekantede, sammenflettede hvirvel af sorte og hvide linjer, som ses på mærker, der angiver, at noget er lavet af ren jomfruuld. Dette uskyldige logo har måske aldrig fanget dit blik før, men hvis du ser nærmere efter, kan du opdage en verden af optisk gådefuldhed. Logoet har egenskaber, der minder om det, matematikere kalder en ikke-orienterbar flade: en todimensionel, sammenhængende sti, der hele tiden forvandler sig til sit spejlbillede. Jo mere du prøver at forstå, hvad du ser i dette logo, desto mere spiller dine øjne dig et puds. Det er dog ikke blot en simpel optisk illusion. Logoet benytter også formernes psykologi. Dets trekantede struktur signalerer stabilitet og styrke. Dets cirkulære linjer antyder ømhed og støtte. Dets buede sider udstråler harmoni og fred. Den sort-hvide farvepalet benytter desuden farvepsykologi. Sort står for styrke og autoritet. Hvid antyder åbenhed og renhed. Sort og hvid sammen udstråler harmoni og inklusion. Grignani var fuldt ud bevidst om alt dette, da han designede logoet. Hver beslutning var bevidst. Da han udviklede designet i 1963, var han 55 år gammel. Han havde allerede i årtier forsket i opfattelsens videnskab og havde skabt tusindvis af skitser, logoer, tegninger, plakater og malerier baseret på sine erfaringer. Grignani hældte alt, hvad han vidste om syn, optik og symbolers skjulte betydning, ned i dette ene enkle design. Resultatet blev et af de mest genkendelige forbrugerlogoer nogensinde. Men som den kommende udstilling i Chiasso antyder, var det, der virkelig gjorde Woolmark-logoet og resten af hans arbejde så succesfuldt, at Grignani ikke var en almindelig designer. Han var en fuldendt kunstner, der fuldt ud forstod, hvordan mennesker metafysisk interagerer med den visuelle verden.

Mere Bauhaus end Bauhaus

Det er passende, at vi fejrer Grignanis arbejde i 2019, 100-året for grundlæggelsen af Bauhaus. Selvom Grignani ikke var direkte tilknyttet Bauhaus, legemliggjorde hans karriere skolens højeste idealer. Grignani studerede arkitektur, og efter endt uddannelse grundlagde han et designfirma, der skabte firmalogoer for italienske virksomheder som bilfabrikanten Fiat og forlaget Arnoldo Mondadori Editore. Hans designs var ikke kun skabt for grafisk effekt; de var baseret på en detaljeret undersøgelse af, hvordan folk interagerer med visuelle fænomener i deres daglige liv. Ligesom Bauhaus-medlemmer stræbte Grignani efter, at hvert af hans designs skulle være et “totalværk af kunst,” noget der ikke blot var smukt og nyttigt, men som også tog hensyn til de psykologiske behov hos dem, der skulle bruge det.

Franco Grignani - Operativo numerico, 1965

Hans syn på grafisk design var, at det er et redskab til øjeblikkelig visuel kommunikation. Men han indså, at budskabet i en reklame kun delvist formidles gennem ord og fotografier. Hans forskning viste, at størstedelen af informationen i et billede kommunikeres gennem formelle æstetiske elementer, som betragteren opfatter på et underbevidst plan. Hans beherskelse af denne del af sit arbejde kom ikke fra designundervisning, men fra en grundig studie af modernistisk abstrakt kunst. I en af hans mest berømte tidlige Fiat-plakater stavede Grignani ordet Fiat med svære at læse, små, kursivskriftede bogstaver. Budskabet i annoncen er dog tydeligt: dette er et produkt til fremtiden. Billedet kombinerede Dada-collageteknikker (sort-hvide fotografiske elementer lagt over en farvet baggrund), futuristiske kompositionstaktikker (skarpe diagonale linjer) og et suprematistisk formsprog (en enkelt grøn firkant på hvid baggrund). Selvom bilen i annoncen er forældet efter nutidens standarder, skriger billedet, takket være sit design, stadig modernitet i dag.

Franco Grignani - Dissociazione dal bordo, 1967

Den glemte op-kunstner

Samtidig med at Grignani designede logoer, bogomslag, plakater og firmareklamer, skabte han også flittigt kunst i sit atelier. De malerier, han lavede allerede i 1950’erne, forudser Op Art-bevægelsen med perceptuelt udfordrende opstillinger af linjer og former, der synes at blive bevægelige efter længere tids betragten. På trods af at han lavede denne type malerier før de anerkendte pionerer inden for Op Art, som Victor Vasarely og Bridget Riley, blev Grignani ikke inkluderet i The Responsive Eye-udstillingen på MoMA, som krediteres for at have introduceret Op Art til offentligheden. MoMA ejer dog ét værk af Grignani: en litografi doneret af kunstneren selv, dateret 1965, samme år som The Responsive Eye-udstillingen. Billedet på litografiet ville have passet perfekt ind i udstillingen, hvilket sikkert er grunden til, at Grignani donerede det – for at sende et budskab om, at han uretfærdigt blev udeladt.

Franco Grignani - Frammentazione radiale, 1964

Interessant nok var Grignani med i en langt tidligere MoMA-udstilling – Modern Art In Your Life – i 1949. Hans arbejde i den udstilling ville også have passet perfekt ind i The Responsive Eye, bortset fra at det ikke var et maleri, men en reklame. Den kendsgerning kan være kilden til den fordom, der holdt Grignani ude af Op Art-samtalen, og kan også være grunden til, at så få kender til ham i dag. Men det var en uheldig og ubegrundet fejl. Der er ingen tvivl om, at Grignani var en af det 20. århundredes mest effektive designere, men han var meget mere end det. Han var en optimistisk og eftertænksom kunstner, der dedikerede sit liv til at afdække sammenhængene mellem det, vi ser, og det, vi føler, og en strålende spørger til, hvad det igen får os til at tro på. Franco Grignani (1908-1999) – Multi-sensorisk mellem kunst, grafik og fotografi kan ses på m.a.x. museo og Chiasso Kulturcenter i Schweiz fra 17. februar til 15. september 2019.

Forsidebillede: Franco Grignani - N. 265, (dissociazione dal bordo), 1969. Akryl på Schoeller-karton. 50 x 70 cm.
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio