Disse kunstnere fortsætter med at redefinere 3D-trykt kunst

Jeg hørte engang en vittighed ved en kunståbning med 3D-printet kunst. Den gik noget i retning af: "Hvordan ved du, at du ser et stykke 3D-printet kunst?" Svar: "Fordi alle fortæller dig det." Det fik mig til at grine, først og fremmest fordi det er sandt, folk har en tendens til at være så begejstrede for dette medium, at de bare ikke kan modstå at snakke om det. Og for det andet grinede jeg, fordi i næsten hver eneste sag af 3D-printet kunst, jeg har set, syntes det faktum, at det var lavet med en 3D-printer, at være irrelevant. Intet ved disse værker syntes at kræve teknologien. Det kunne alt sammen være gjort med nogle andre midler. Hvilket rejser spørgsmålet: Hvad er alle så begejstrede for? 3D-printere er bare værktøjer, ikke anderledes i deres natur end for eksempel projektorer. Jeg har aldrig haft nogen, der gik hen til mig i et galleri, pegede på en tegning og sagde: "Det blev lavet med en projektor." Men igen, jeg har aldrig haft nogen, der gik hen til mig og sagde: "Det blev lavet helt af assistenter, mens kunstneren var på ferie." Pointen er, at det ikke betyder noget. Når ideen til et kunstværk er dannet, og der tages skridt til at realisere det, gør det ingen forskel, om det faktiske arbejde udføres af denne maskine eller den maskine, eller dette par hænder eller det par hænder. Det faktum, at en 3D-printer blev brugt til at lave kunst, validerer på ingen måde værket - det er kun én aspekt af oplevelsen, og som regel det mindst vigtige aspekt. Dette er i det mindste min mening. Så da jeg blev bedt om at skrive om kunstnere, der redefinerer 3D-printet kunst, indtog jeg den holdning, at jeg skulle fremhæve kunstnere, der har interessante ideer og laver værker, jeg gerne vil tale om, uanset hvordan værket bliver lavet. Så med den forbehold, her er syv kunstnere, der bruger 3D-printteknologi til at lave deres værk, som gennem styrken af deres ideer redefinerer dette nye værktøjs plads i nutidig æstetik.

Rirkrit Tiravanija

Hvis du nogensinde har hørt termen Relational Aesthetics eller Relational Art, har du sandsynligvis hørt om den thailandske kunstner Rirkrit Tiravanija. Hans arbejde var essentielt for stigningen i populariteten af denne type kunstoplevelse i 1990'erne. Hans mest berømte relationelle kunstudstilling hed pad thai. Til udstillingen, som blev afholdt i Paula Allen Gallery i New York i 1990, lavede kunstneren pad thai i rummet og serverede det til besøgende i galleriet i stedet for at skabe og vise værker. Udstillingen hjalp med at definere relationel æstetik som en udforskning af ideen om, at kunstnere ikke så meget er skabere, men facilitatorer af oplevelser. De menneskelige relationer, der opstår ud af disse oplevelser, er det, der er mest vigtigt.

For nylig har Tiravanija fået opmærksomhed for sin immersive installation på Art Basel Hong Kong 2017, som stillede spørgsmål ved kunstens og kunsthistoriets rolle inden for den menneskelige oplevelse. Værket var i bund og grund en kæmpe labyrint konstrueret af traditionelt bundet bambus. Besøgende trådte ind i labyrinten, og mens de fandt vej inden i den, stødte de gradvist på fem 3D-printede bonsai-træer, hver sat på en træpiedestal inspireret af de skulpturelle baser, som kunstneren Constantin BrâncuÈ™i engang skabte. Det faktum, at bonsai-træerne er 3D-printede, er ikke det vigtigste. Det er det faktum, at de er kunstige, der betyder noget. Pointen med et bonsai-træ er, at det er en naturlig ting, der er blevet påvirket af menneskelige hænder på en sådan måde, at den menneskelige indgriben er ugenkendelig. I dette tilfælde arbejder træernes kunstighed sammen med de tankevækkende begreber inspireret af labyrinten, alt blandet med de kunsthistoriske referencer, for at give seerne en abstrakt, åben oplevelse, der kræver social interaktion for at forstå dens potentielle betydningsniveauer.

Rirkrit Tiravanija - Untitled 2017 (no water no fire), 2017. 3D printed bonsai tree on wooden base. © Rirkrit Tiravanija, Courtesy of gallery Neugerriemschneider, Berlin

Aldre Somers

Ordet vanitas kommer fra latin og betyder tomhed. Det blev brugt i Nederlandene i det 16. og 17. århundrede som navnet på en type stillebenmaleri. Vanitas-malerier er grundlæggende stillebenmalerier, der viser samlinger af banale, materielle genstande, ofte sammen med menneskelige kranier, der illustrerer meningsløsheden i jagten på jordiske ting. Den hollandske kunstner og designer Wieki Somers brugte det visuelle sprog, der er almindeligt for Vanitas-malerier, i en serie af 3D-printede kunstværker, hun skabte i 2010, som svar på en designkonkurrence, der bad designere om at "tænke over begrebet fremskridt." Titled Consume or Conserve, den serie hun skabte, indeholdt tre stilleben skulpturelle tableau. Hvert tableau bestod af banale, hverdagsprodukter, såsom en vægt, en støvsuger og en brødrister, der var helt 3D-printet af asken fra menneskelige rester.

I sin forklaring af arbejdet påpegede Somers, at menneskelig teknologi er avanceret til det punkt, hvor vi snart kan stå over for udsigten til evigt liv. "Men," spurgte hun, "hvad er et evigt liv godt for, hvis vi kun bruger det til at fortsætte med at være blot forbrugere, der stræber efter flere og flere produkter, uanset konsekvenserne? Hvis vi fortsætter ad denne vej med ukritiseret innovation, kan vi en dag finde os selv forvandlet til de selvsamme produkter, vi samler." Hun fulgte det koncept til sin logiske konklusion og skabte bogstaveligt talt produkter ud af resterne af engang dyrebare menneskeliv.

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D printed human remains. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

Den New York-baserede kunstner Stephanie Lempert laver værker om kommunikation. Hun håber at vække vores opmærksomhed på sprog og de måder, vi bruger det til at kommunikere vores historier, vores historik og vores minder for at skabe mening i vores liv. Som en multidimensionel kunstner bruger Lempert en række medier. Et af hendes mest præcise værkserier er en serie kaldet Reconstructed Reliquaries, for hvilken hun har skabt skulpturelle relikvier, der bogstaveligt talt er bygget af sprog. Disse objekter taler for sig selv på flere niveauer. Lempert skabte dem ved hjælp af 3D-printsoftware. Hun foretrækker dog at bruge den branche-standard, men mindre buzz-worthy terminologi, rapid prototype sculpture.

Stephanie Lempert - Reconstructed Reliquaries, In Search of Lost time, 2011. Rapid Prototype Sculpture. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

Den hollandske kunstner Theo Jansen blev først kendt i 1990'erne, da han begyndte at skabe sine Strandbeests, gigantiske, kinetiske væsener, der ser ud til at gå rundt af sig selv. De er, som han kalder dem, "selvpropellerende stranddyr." Du har måske set optagelser af dem, der poetisk kravler over strande verden over. Delvist designer, delvist ingeniør og delvist kunstner, sagde Jansen engang: "Væggene mellem kunst og ingeniørkunst eksisterer kun i vores sind." Normalt er hans store kreationer lavet af PVC-rør. Men for nylig begyndte han at gøre sine kreationer tilgængelige for næsten alle ved at tilbyde miniature, 3D-printede Strandbeests til salg for kun €160,00. Mest vidunderligt er det, at enhver, der kan få fat i planerne, kan få en printet. Som hans hjemmeside siger: "Theo Jansens Strandbeests har fundet en måde at formere sig på ved at injicere deres digitale DNA direkte ind i 3D-printsystemer."

Theo Jansen - Miniature 3D printed Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Det belgiske kunstner Nick Ervincks arbejde skriger af levende farver og spændende former, der legemliggør forestillingen om, at et objekt, der optager plads, også kan skabe plads. Hans skulpturer kommer i alle størrelser, fra miniaturer til monumentale offentlige værker. Ved at designe sine egne 3D-printværktøjer og -teknikker skubber han grænserne for dette værktøj, idet han bruger det ikke blot som et mål i sig selv, men som en idiosynkratisk metode til at realisere sine personlige visionære kreationer.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyurethane and polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Hope

Den Brooklyn-baserede kunstner Shane Hope bruger 3D-printede cellulære strukturer som et element i sine abstrakte malerier. Set på afstand ser de ud som maleriske værker, der er højt stablet med impasto penselstræk, men ved nærmere eftersyn afslører stakke af samlede nano-strukturer sig. At dette element er 3D-printet er ikke åbenlyst eller nødvendigt for ens værdsættelse af værkerne, men overvejelse af teknologiens implikationer tilføjer lag til deres potentielle betydning.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-printed PLA molecular models on acrylic substrate. © Shane Hope, courtesy of Winkleman Gallery, New York

Monika Horcicova

Det arbejde, som den tjekkiske kunstner Monika Horcicova udfører, er hjemsøgende og smukt. Hun vender tilbage til temaer om menneskebens og skeletstrukturer og skaber kompositioner, der udfordrer vores idéer om vores eget formål og potentiale. Selvom hun ikke arbejder udelukkende i mediet, bruger hun ofte 3D-printteknologi til at skabe sine gipskomposit-skulpturer.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D printed plaster composite. © Monika Horcicova

Fremhævet billede: Rirkrit Tiravanija - Untitled 2013 (indexical shadow no.1), 2013-2017. Rustfrit stålbase (3 x paneler), 3D-printet plastik (Bonsai-træ), rustfrit stål kube (plinth). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 tommer, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija og Pilar Corrias Gallery, London
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio