Disse kunstnere fortsætter med at redefinere 3D-trykt kunst

Jeg hørte engang en vittighed til en kunståbning med 3D printet kunst. Den lød nogenlunde sådan her: "Hvordan ved du, at du kigger på et stykke 3D printet kunst?" Svar: "Fordi alle fortæller dig det." Det fik mig til at grine først og fremmest, fordi det er sandt, folk har en tendens til at være så begejstrede for dette medie, at de bare ikke kan lade være med at snakke om det. Og for det andet grinede jeg, fordi i næsten alle tilfælde af 3D printet kunst, jeg har set, virkede det for mig irrelevant, at det var lavet med en 3D-printer. Intet ved disse værker syntes at kræve teknologien. Det kunne alt sammen være lavet på en anden måde. Hvilket rejser spørgsmålet: Hvad er det egentlig, alle snakker om? 3D-printere er bare redskaber, ikke anderledes i deres natur end for eksempel projektorer. Jeg har aldrig oplevet, at nogen er kommet hen til mig i et galleri, peget på en tegning og sagt: "Den er lavet med en projektor." Men igen, jeg har heller aldrig oplevet, at nogen er kommet hen til mig og sagt: "Den er lavet helt af assistenter, mens kunstneren var på ferie." Pointen er, at det ikke betyder noget. Når idéen til et kunstværk er dannet, og der tages skridt til at realisere det, gør det ingen forskel, om det faktiske arbejde udføres af denne maskine eller den maskine, eller dette par hænder eller det par hænder. Det faktum, at en 3D-printer blev brugt til at lave kunst, validerer på ingen måde værket – det er kun ét aspekt af oplevelsen, og som regel det mindst vigtige aspekt. Det er i hvert fald min mening. Så da jeg blev bedt om at skrive om kunstnere, der omdefinerer 3D printet kunst, tog jeg den tilgang, at jeg skulle fremhæve kunstnere, der har interessante idéer og laver værker, jeg gerne vil tale om, uanset hvordan værkerne bliver lavet. Med den forbehold taget, her er syv kunstnere, der bruger 3D printteknologi til at skabe deres værker, og som gennem styrken af deres idéer omdefinerer denne nye teknologis plads i nutidig æstetik.

Rirkrit Tiravanija

Hvis du nogensinde har hørt udtrykket Relationel Æstetik eller Relationel Kunst, har du sandsynligvis hørt om den thailandske kunstner Rirkrit Tiravanija. Hans arbejde var afgørende for populariseringen af denne type kunstoplevelse i 1990’erne. Hans mest berømte relationelle kunstudstilling hed pad thai. Til udstillingen, som fandt sted på Paula Allen Gallery i New York i 1990, lavede kunstneren ikke værker, men tilberedte pad thai i rummet og serverede det for gæsterne i galleriet. Udstillingen hjalp med at definere relationel æstetik som en udforskning af idéen om, at kunstnere ikke så meget er skabere, men tilrettelæggere af oplevelser. De menneskelige relationer, der opstår ud af disse oplevelser, er det vigtigste.

For nylig har Tiravanija fået opmærksomhed for sin omsluttende installation på Art Basel Hong Kong 2017, som stillede spørgsmål ved kunstens og kunsthistoriens rolle i den menneskelige oplevelse. Værket var i bund og grund en kæmpe labyrint bygget af traditionelt bundet bambus. Besøgende gik ind i labyrinten, og mens de fandt vej, stødte de gradvist på fem 3D-printede bonsaitræer, hver placeret på en træfod inspireret af de skulpturelle baser, som kunstneren Constantin BrâncuÈ™i engang skabte. Det vigtigste er ikke, at bonsaitræerne er 3D-printede, men at de er kunstige. Pointen med et bonsaitræ er, at det er en naturlig ting, som er påvirket af menneskehænder på en måde, så menneskets indgriben ikke kan genkendes. I dette tilfælde arbejder træernes kunstighed sammen med de stemningsfulde forestillinger, som labyrinten vækker, blandet med kunsthistoriske referencer, og det giver beskueren en abstrakt, åben oplevelse, der kræver social interaktion for at forstå dens mulige betydningslag.

Rirkrit Tiravanija - Untitled 2017 (no water no fire), 2017. 3D-printet bonsaitræ på træfod. © Rirkrit Tiravanija, Courtesy of gallery Neugerriemschneider, Berlin

Wieki Somers

Ordet vanitas stammer fra latin og betyder tomhed. Det blev brugt i Nederlandene i det 16. og 17. århundrede som navn for en type stilleben-malerier. Vanitas-malerier er grundlæggende stilleben, der viser samlinger af banale, materielle ting, ofte sammen med menneskekranier, for at illustrere meningsløsheden i jagten på jordiske ting. Den hollandske kunstner og designer Wieki Somers brugte det visuelle sprog, der er almindeligt i vanitas-malerier, i en serie 3D-printede kunstværker, hun skabte i 2010 som svar på en designkonkurrence, der bad designere om at "tænke over begrebet fremskridt." Serien, der hed Consume or Conserve, bestod af tre stilleben-skulpturelle tableau’er. Hvert tableau bestod af banale, dagligdags produkter som en vægt, en støvsuger og en brødrister, alle fuldstændig 3D-printet ud af aske fra menneskelige rester.

I sin forklaring af værket påpegede Somers, at menneskets teknologi er nået så langt, at vi snart kan stå over for udsigten til evigt liv. "Men," spurgte hun, "hvad er evigt liv godt for, hvis vi kun bruger det til fortsat at være blot forbrugere, der stræber efter flere og flere produkter, uanset konsekvenserne? Hvis vi fortsætter ad denne vej med ukritiseret innovation, kan vi en dag ende med at blive til de produkter, vi samler." Hun fulgte dette koncept til sin logiske ende ved bogstaveligt talt at skabe produkter ud af resterne af engang dyrebare menneskeliv.

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D-printede menneskelige rester. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

Den New York-baserede kunstner Stephanie Lempert laver værker om kommunikation. Hun håber at rette vores opmærksomhed mod sproget og de måder, vi bruger det til at fortælle vores historier, vores fortid og vores minder for at skabe mening i vores liv. Som en multidimensionel kunstner bruger Lempert forskellige medier. Et af hendes mest præcise værker er en serie kaldet Reconstructed Reliquaries, hvor hun skabte skulpturelle relikvier, der bogstaveligt talt er bygget af sprog. Disse objekter taler for sig selv på flere niveauer. Lempert skabte dem ved hjælp af 3D-printsoftware. Hun foretrækker dog at bruge den branchekendte, men mindre hypede betegnelse hurtig prototype-skulptur.

Stephanie Lempert - Reconstructed Reliquaries, In Search of Lost time, 2011. Hurtig prototype-skulptur. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

Den hollandske kunstner Theo Jansen blev først kendt i 1990’erne, da han begyndte at skabe sine Strandbeests, gigantiske, kinetiske væsener, der tilsyneladende går rundt af sig selv. De er, som han kalder dem, "selvbevægende stranddyr." Du har måske set optagelser af dem, der poetisk kravler hen over strande rundt om i verden. Delvist designer, delvist ingeniør og delvist kunstner sagde Jansen engang: "Væggene mellem kunst og teknik findes kun i vores sind." Normalt er hans store kreationer lavet af PVC-rør. Men for nylig begyndte han at gøre sine kreationer tilgængelige for næsten alle ved at tilbyde miniature, 3D-printede Strandbeests til salg for kun €160,00. Det mest vidunderlige er, at enhver, der kan få fat i planerne, kan få en printet ud. Som hans hjemmeside siger: "Theo Jansens Strandbeests har fundet en måde at formere sig på ved at injicere deres digitale DNA direkte i 3D-printersystemer."

Theo Jansen - Miniature 3D-printet Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Den belgiske kunstner Nick Ervincks værker skriger af klare farver og spændende former og indkapsler idéen om, at et objekt, der fylder plads, også kan skabe plads. Hans skulpturer findes i alle størrelser, fra miniaturer til monumentale offentlige værker. Ved at designe sine egne 3D-printværktøjer og -teknikker presser han grænserne for dette redskab og bruger det ikke blot som et mål i sig selv, men som en særpræget metode til at realisere sine personlige visionære kreationer.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyurethan og polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Hope

Den Brooklyn-baserede kunstner Shane Hope bruger 3D-printede cellulære strukturer som et element i sine abstrakte malerier. På afstand ligner de malerier med tykke penselstrøg, men ved nærmere eftersyn afsløres stabler af sammensatte nanostrukturer. At dette element er 3D-printet, er hverken åbenlyst eller nødvendigt for at værdsætte værkerne, men overvejelsen af teknologiens implikationer tilføjer lag til deres mulige betydning.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-printede PLA molekylære modeller på akrylunderlag. © Shane Hope, courtesy of Winkleman Gallery, New York

Monika Horcicova

Den tjekkiske kunstner Monika Horcicovas værker er både hjemsøgte og smukke. Hun vender tilbage til temaer om menneskeknogler og skeletstrukturer og skaber kompositioner, der udfordrer vores forestillinger om vores egen mening og potentiale. Selvom hun ikke arbejder udelukkende i mediet, har hun ofte brugt 3D-printteknologi til at skabe sine gipskomposit-skulpturer.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D-printet gipskomposit. © Monika Horcicova

Forsidebillede: Rirkrit Tiravanija - Untitled 2013 (indexical shadow no.1), 2013-2017. Rustfri stålfod (3 x paneler), 3D-printet plastik (Bonsaitræ), rustfri stålkube (fod). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 tommer, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija og Pilar Corrias Gallery, London
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio