To store Mary Heilmann-udstillinger giver kunstneren en længe ventet opmærksomhed
Mary Heilmann får meget opmærksomhed lige nu, hvilket hun sandsynligvis ville være den første til at indrømme, er alt, hvad hun nogensinde virkelig har ønsket. Det er ikke en kritik. Jeg parafraserer kun, hvad Heilmann sagde til Guardian i et interview i 2016. Da hun var ung, ønskede hun at være atlet, fordi det fik hende til at få opmærksomhed. Så hun blev dykker, men senere, da surfing var på mode, blev hun surfer, så hun kunne være en del af miljøet. I college studerede hun poesi. Det var først, da hun begyndte at få opmærksomhed for sin dygtighed i at kaste keramik, at hun graviterede mod kunst. Men hvad er der galt i det? Hvad er der galt i at gøre noget, fordi det giver dig opmærksomhed? Hvad er der galt i ikke at have en altruistisk grund til at lave kunst? Nogle kunstnere hævder, at de laver kunst ud af en trang til at skabe. Andre hævder mere ophøjede filosofiske eller poetiske grunde. Så nægter nogle kunstnere simpelthen at forklare, hvorfor de gør, hvad de gør, som om det er ufatteligt eller ubegribelig med blot ord. Heilmann, der fyldte 77 tidligere på året, er komfortabel nok i sin egen hud til at fortælle sandheden: hun nyder simpelthen at lave ting, og da det er interessant, sjovt, får opmærksomhed og betaler regningerne, har hun fortsat med at gøre det. Men sammenlignet med sine venner, som gennem årene har inkluderet Richard Serra, Philip Glass, Andy Warhol, Bruce Nauman og dusinvis af andre berømte kunstnere, har Heilmann levet et liv i relativ uklarhed. Det hele ændrede sig i 2007, da en stor retrospektiv af hendes arbejde rejste rundt i USA i to år. Siden da er hun gradvist begyndt at gøre krav på sin retmæssige plads som den indflydelsesrige kraft i nutidig abstrakt kunst, som hun virkelig er. Hvis du aldrig har hørt om Mary Heilmann, er flere elementer af hendes massive oeuvre i øjeblikket udstillet i to samtidige solo-udstillinger tæt på hinanden i New York, hvilket gør dette til det perfekte tidspunkt at opdage hendes arbejde.
Ærlighedens kunst
Mary Heilmann har generøst givet dusinvis af interviews i løbet af sin karriere. Det alene ville ikke nødvendigvis adskille hende fra andre kunstnere. Men det, der adskiller hende, er, at hun i sine interviews er så villig til at være brutalt ærlig. På sin afslappede og uformelle måde siger hun præcis, hvad hun virkelig tænker, hvilket gør det svært, hvis ikke umuligt, for nogen at kritisere hende - selvom mange mennesker gennem årene har forsøgt. For eksempel er der dem, der har kaldt det arbejde, Heilmann laver, afledt, og antyder, at hun bare gentager de trættende troper fra fortiden, og endda direkte kopierer præstationerne fra nogle andre berømte kunstnere. Men i et interview med Ross Bleckner for BOMB Magazine, talte Heilmann stolt om det faktum, at hun ofte henter inspiration fra kunstnere fra fortiden, hvis arbejde hun beundrer. På et tidspunkt i det interview peger hun på et nyt værk til Bleckner og siger, at det er en Calder. Og det er ikke kun berømte kunstnere, som Heilmann efterligner. I flere interviews har hun sagt, med et smil på læben, at hun elsker farvekombinationerne fra The Simpsons tv-show. Hun kopierer farverne på sine lærreder, kun håbende at opnå den samme livlighed og renhed, som de havde, da hun først så dem i tegnefilmen. Nogle kritikere kalder Heilmann doven. Men i sit interview med ART21 tog hun vinden ud af sejlene på sine modstandere, grinede over hvor doven hun er, og bemærkede, at hun aldrig kunne have kæmpet, som Abstract Expressionisterne gjorde. Hun indrømmer, at hun aktivt søger de hurtigste, nemmeste måder at realisere sine værker på. Hun taler åbent om at bruge Photoshop til at udvikle sine ideer, og joker med, at nogle af hendes malerier kun tager hende minutter at producere. Og så er der den mest berømte kritik, hun har modtaget, da kunstkritikeren David Hickey beskyldte Heilmann for at vide ingenting om malerhåndværket. Da hun i dag bliver spurgt om det essay, er Heilmann enig og anerkender, at da Hickey skrev det essay, havde han ret.
Mary Heilmann - installation view, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Photo: Bill Jacobson Studio, New York
Dårer og Deres Dårskaber
Men der er noget helt omvendt ved tankegangen hos alle disse kritikere, der fejlagtigt tager Mary Heilmann for en tåbe. For det første glemmer de visdommen fra digteren William Blake, der påpegede, at den tåbe, der fortsætter i sin dårskab, bliver klog. Faktisk, selvom Heilmann måske ikke vidste noget om maleriets håndværk, da hun først begyndte at male i begyndelsen af 1970'erne, lærte hun sig selv. Hun studerede arbejdet fra sine idoler. Hun samtalede med de andre kunstnere, som hun socialiserede og arbejdede med. Hun stolede på sin konkurrenceånd, sit geni og sin vedholdenhed for at lære så meget om maleriets håndværk, at hun kom til at undervise i det professionelt. Og for en angiveligt doven kunstner har Heilmann bestemt produceret en bemærkelsesværdig massiv mængde værker, som i øvrigt findes repræsenteret i mange af de mest prestigefyldte samlinger i verden. Og for en kunstner, der angiveligt er afledt, er det bemærkelsesværdigt, hvor kortfattet og straks genkendelig den mængde værker er blevet. Måske er det, kritikere ikke forstår, at det ikke er op til dem at beslutte, hvad forudsætningerne er for at være kunstner. Den amerikanske forfatter Kurt Vonnegut påpegede engang i et brev til sin bror, en aspirerende maler, at det, der gør et godt kunstværk, er, at folk ønsker at være omkring det. I tilfældet med Mary Heilmann passer hendes arbejde bestemt ind under den beskrivelse. Det passer så godt, faktisk, at en af de ting, som Heilmann er blevet mest kendt for, er hendes tendens til at inkludere stole i sine udstillinger, så folk, der deltager i showsene, kan sætte sig ned. Hun designer og håndlaver stolene. De er ikoniske for hendes palet og den verden af former, hun har udviklet i sit andet arbejde. Det faktum, at de overhovedet er nødvendige - at seerne, der deltager i hendes udstillinger, har behov for at sidde et stykke tid, fordi de er interesserede i at blive i så lang tid i nærheden af hendes arbejde - er al den validering, Heilmann har brug for.
Mary Heilmann - Sunny Chair for Whitechapel (2016) (Mint), 2016, Painted plywood, 25 1/2 × 8 3/10 × 24 3/10 in, © Whitechapel Gallery
Viser af kraft
Da Mary Heilmann først kom til New York City, efter at have fået sin MFA fra University of California, Berkeley, i 1968, var hun en selvbeskreven "aggressiv hippie." Hun mente, at hun var lige så god som Donald Judd, Robert Smithson, Richard Serra, Eva Hesse eller nogen af de andre kunstnere, der dominerede scenen på det tidspunkt. Hun plejede at dukke op i den bar, hvor sådanne berømte kunstnere hang ud, og starte diskussioner bare for at få en reaktion fra konkurrenterne. Hun fik noget opmærksomhed dengang, men blev nægtet den berømmelse, hun desperat ønskede, og som hun mente, hun fortjente. I dag er hun eftertænksom omkring de oplevelser. Hun reflekterer over, at det måske er en god ting, at den opmærksomhed, hun får i dag, ikke kom til hende tidligere i livet. Hun føler, at hendes tidligere arbejde ikke ville være blevet forstået dengang på samme måde, som det kan forstås nu. Denne idé berører et almindeligt tema for Heilmann: det japanske koncept Wabi-sabi. I bund og grund er Wabi-sabi idéen om, at skønhed findes i det forbigående. En kastet keramisk tekop, der besidder ufuldkommenheder, er smukkere end noget maskinlavet, fordi den accepterer materialernes ufuldkommenheder, såvel som dem fra den person, der lavede den. Som tingene ældes, tager tiden sin vejret på dem, og de bliver smukkere - dette er Wabi-sabi. Tilbage i 1976, hvis vi havde haft chancen for at se de røde, gule og blå malerier, som Mary Heilmann malede, hvem kan sige, hvordan vi ville have reageret på dem. Men nu, fyrre år senere, er de fysisk ældre, ligesom vi er. Vi ser deres ufuldkommenheder, såvel som kunstnerens ufuldkommenheder, som hun aldrig har forsøgt at skjule. På en eller anden måde gennem den oplevelse kan vi også bemærke ufuldkommenhederne i os selv og anerkende deres ynde.
RYB: Mary Heilmann Paintings, 1975–78, installation view at Craig F. Starr, New York 2017, Light Blue Studio
Mary Heilmann Aktuelt Udstillet
Hvis du gerne vil opdage kunsten af Mary Heilmann, er fem lærreder, et hængende keramikstykke og fem keramikkopper og -underkopper i øjeblikket udstillet på Dan Flavin Art Institute ved Dia Art Foundation i Bridgehamton, New York indtil 27. maj 2018. Samtidig, indtil 28. oktober 2017, præsenterer udstillingen RYB: Mary Heilmann Paintings, 1975-78 i Craig F. Starr Gallery i New York en installation af tre keramiske skåle på en hylde, samt 12 lærreder, som Heilmann skabte i sin gennembrudsperiode i slutningen af 1970'erne, hvor hun kun brugte primærfarver og enkle geometriske former som en udfordring til at genoverveje, hvad maleri kunne blive. Meta Beskrivelse: To aktuelle New York-udstillinger af arbejdet fra Mary Heilmann præsenterer eksempler på hendes malerier, skulpturer og keramik, der viser det varierede værk af en indflydelsesrig kunstner.
Mary Heilmann - installation view, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Photo: Bill Jacobson Studio, New York
Fremhævet billede: Mary Heilmann - installationsvisning, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Foto: Bill Jacobson Studio, New York
Af Phillip Barcio
