Victor Vasarelys Formgivende Former på Centre Pompidou Paris
For første gang i mere end 50 år er en stor retrospektiv over Victor Vasarely udstillet på et fransk museum. Centre Pompidou åbnede Vasarely: Sharing Forms i februar, hvor mere end 300 genstande, herunder kunstværker og ephemera, blev samlet for at dokumentere den komplette æstetiske udvikling af en af de store inden for 20. århundredes modernisme. Udstillingen fastslår Vasarely ikke kun som en stor kunstner, men også som en stor idealist, en der troede, at der ikke er nogen grænse mellem kunst og hverdagsliv. Født i 1907 i Pécs, Østrig-Ungarn, tilmeldte Vasarely sig Műhely (værksted) skolen, den lokale Budapest-version af Bauhaus, i 1918. Skolen blev drevet af kunstneren og grafiske designer Sándor Bortnyik. Efter to års studier hos Bortnyik flyttede Vasarely til Paris og begyndte en karriere som grafisk designer. Hans ambition var at anvende de visuelle lektioner fra modernismen til massekommunikationens verden. Et af hans mest berømte tidlige værker, "Zebra" (1937), legemliggør det liminale rum, hvor de tilsyneladende adskilte discipliner kunst og design smelter sammen som én. Den sort-hvide, lineære komposition viser to zebraer sammenfiltret, muligvis i kamp, muligvis i kærlighed. Billedet erklærer dygtigt Vasarely som en mester i perspektiv ved at demonstrere hans evne til at transformere en flad overflade til et kinetisk, tredimensionelt felt. Alligevel kæmper kritikere den dag i dag med spørgsmålet om, hvorvidt dette og hans andre tidlige værker skal klassificeres som kunst eller design. Faktisk var det sidste gang, en stor undersøgelse af hans arbejde blev præsenteret i Frankrig i 1963, da kunstneren kun var 57 år gammel, på Musée des Arts Décoratifs - ikke et kunstmuseum, men et museum for dekorativ kunst og design. Bare to år senere blev Vasarely dog inkluderet i The Responsive Eye, den banebrydende udstilling på Museum of Modern Art, der etablerede de førende kunstnere inden for Op Art-bevægelsen. Vasarely: Sharing Forms bringer alle aspekter af hans arbejde sammen på en universel måde. I stedet for at tvinge definitioner respekterer denne udstilling kompleksiteten og nuancerne i hans vision og tilbyder en meget nødvendig udvidelse af Vasarely-historien.
Den Evige Reformator
Da Vasarely først begyndte sin karriere som grafisk designer, betragtede han reklame som den mest udbredte form for visuel kultur, så han satte sig for at transformere den ved at tilpasse den til de visuelle sprog fra Kubisme, De Stijl, Suprematisme og andre tidlige modernistiske positioner. Efter Anden Verdenskrig ændrede han imidlertid sit fokus og besluttede, at i stedet for at bruge kunst til at reformere design, ville han se til den virkelige verden for spor om, hvordan man kunne transformere kunst. Han lagde mærke til alt i sit visuelle landskab, fra arkitektoniske strukturer til mønstrene af skygge og lys, der falder på naturlige former, til overfladerne af krystaller. Han indså, at der er et æstetisk rum, hvor principperne for geometrisk abstraktion sameksisterer med principperne for de naturlige og byggede verdener. Værker som “Kiruna” (1952) viser, hvordan han nedbrød den visuelle verden til dens mest essentielle byggesten, såsom cirkler og firkanter, og til den simpleste mulige farvepalet.
Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Installationsvisning på Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med venlig hilsen IdeelArt.
Selv da han var begyndt at udvikle sit eget virkelig unikke visuelle sprog, forblev Vasarely altid reformatoren. Han opfattede, at hans geometriske kompositioner endnu ikke var fuldendte. De havde brug for et yderligere aspekt - bevægelsens udseende. Men i stedet for at skabe faktisk kinetisk kunst, såsom mobilerne af Alexander Calder, var Vasarely interesseret i, hvordan hjernen opfattede bevægelse. Han observerede, hvordan bølger på overfladen af vand eller i solens varme skaber illusionen af, at rummet er forvrænget, og at faste objekter er flydende. Han anvendte denne tankegang på sine kompositioner, introducerede bølgemønstre til sine geometriske kompositioner og syntes at forvrænge overfladerne af værkerne. I malerier som "Re.Na II A" (1968) ser overfladen ud til at bule udad. I andre malerier ser overfladen ud til at kollapse. Mest fantastisk, så snart øjet fanger, hvad det ser i disse bølgemønstre, synes billedet at skifte, hvilket giver både illusionen af tredimensionelt rum og indtrykket af bevægelse.
Victor Vasarely - Zante, 1949. Installationsvisning på Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med venlig hilsen fra IdeelArt.
Et Universelt Visuelt Sprog
Et af de mest idealistiske aspekter af Vasarelys arv var hans skabelse af "den plastiske enhed:" et grundlæggende visuelt værktøj, der kan tilpasses til at skabe uendelige visuelle kompositioner. Vasarelys plastiske enhed består af en geometrisk form i én farve, der indeholder en anden, forskellig geometrisk form i en anden farve inden i sig - for eksempel en blå firkant, der omgiver en rød cirkel, eller omvendt. I nutidige termer er den plastiske enhed som en pixel. Vasarely ville kombinere de plastiske enheder sammen i forskellige geometriske kombinationer og derefter bruge linje og farve til at introducere bølger i kompositionerne. Dette enkle visuelle sprog var virkelig demokratisk, da det nemt kunne kopieres af alle. Stilen universelle karakter inspirerede endda Vasarely til at undre sig over, hvordan han kunne bruge det, han havde skabt, til positivt at påvirke borgernes hverdag.
Victor Vasarely - Form 1009 dekoration 5110, omkring 1973. Udgave 23/50. Form 1008 dekoration 5105, omkring 1973. Udgave 75. Form 1008 dekoration 5104, omkring 1973. Udgave 17/75. Form 1009 dekoration 5108, omkring 1973. Udgave 22/50. Form 1007 dekoration 5101, omkring 1973. Udgave 27/100. Form 1008 dekoration 5106, omkring 1973. Udgave 61/75. Form 1010 dekoration 5112, omkring 1973. Udgave 31/100. Form 1007 dekoration 5100, omkring 1973. Udgave 6/100. Installationsvisning på Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med venlig hilsen IdeelArt.
Som Vasarely: Sharing Forms smukt viser, koncipierede Vasarely adskillige strategier for at bringe sin kunst ind i det offentlige rum. Han skabte en mængde vægmalerier, plakater og endda industrielle designs, såsom det 21-delte kaffe- og dessertservice, han designede for Rosenthal. Han skabte logoer for virksomheder, såsom Renault og Musee de Cinema, blandt andre. Og han hengav sig til at skabe alle typer kunst i offentlige rum. Han forestillede sig, hvad han kaldte en "polykrom by af lykke", hvor hans livlige, farverige, geometriske offentlige værker ville bringe de "dystre og grå forstæder" til live. Gennem denne udstilling ser vi, hvordan plastiskhed er fælles for alle former for visuel kultur. Vasarely demonstrerede, hvordan det er en væsentlig del af kunst, selvfølgelig. Men han så også plastiskhed som essentiel for selve stenene, der bruges til at bygge byen, og i farverne og nuancerne af lys, der falder på naturen. De kunstige adskillelser mellem kunstens, designets, mode, filmens, arkitekturens og endda reklameverdenens felter smelter væk, når vi ser al visuel kultur på denne måde. Dette er lektien, som Vasarely lærte: at kunst er overalt. Vasarely: Sharing Forms kan ses på Centre Pompidou frem til 6. maj 2019.
Fremhævet billede: Victor Vasarely - Alom, 1968. Installationsvisning på Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto med venlig hilsen fra IdeelArt.
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio
