Victor Vasarelys Formgivende Former på Centre Pompidou Paris
For første gang i mere end 50 år vises en stor retrospektiv udstilling med Victor Vasarely på et fransk museum. Centre Pompidou åbnede Vasarely: Sharing Forms i februar i år og samlede mere end 300 genstande, herunder kunstværker og ephemera, der dokumenterer den fuldstændige æstetiske udvikling hos en af det 20. århundredes modernismes giganter. Udstillingen fastslår klart Vasarely ikke blot som en stor kunstner, men som en stor idealist, der troede på, at der ikke findes nogen grænse mellem kunst og hverdag. Født i 1907 i Pécs, Østrig-Ungarn, begyndte Vasarely i 1918 på Műhely (værksted) skolen, den lokale budapestske udgave af Bauhaus. Skolen blev ledet af kunstneren og grafiske designeren Sándor Bortnyik. Efter to år hos Bortnyik flyttede Vasarely til Paris og begyndte en karriere som grafisk designer. Hans ambition var at anvende modernismens visuelle læresætninger på massekommunikationens verden. Et af hans mest berømte tidlige værker, “Zebra” (1937), indkapsler det grænseland, hvor de tilsyneladende adskilte discipliner kunst og design smelter sammen til ét. Den sort-hvide, lineære komposition viser to zebraer viklet ind i hinanden, muligvis i kamp, muligvis i kærlighed. Billedet erklærer elegant Vasarely som en mester i perspektiv ved at demonstrere hans evne til at forvandle en flad overflade til et kinetisk, tredimensionelt felt. Alligevel kæmper kritikere den dag i dag med spørgsmålet om, hvorvidt dette og hans andre tidlige værker skal klassificeres som kunst eller design. Faktisk var sidste gang en stor gennemgang af hans arbejde blev vist i Frankrig i 1963, da kunstneren kun var 57 år gammel, på Musée des Arts Décoratifs – ikke et billedkunstmuseum, men et museum for dekorativ kunst og design. Bare to år senere blev Vasarely dog inkluderet i The Responsive Eye, den skelsættende udstilling på Museum of Modern Art, der etablerede de førende kunstnere inden for Op Art-bevægelsen. Vasarely: Sharing Forms samler alle aspekter af hans arbejde på en universel måde. I stedet for at tvinge definitioner respekterer denne udstilling kompleksiteten og nuancerne i hans vision og tilbyder en tiltrængt udvidelse af Vasarely-historien.
Den evige reformator
Da Vasarely begyndte sin karriere som grafisk designer, betragtede han reklame som den mest udbredte form for visuel kultur, og han satte sig for at forvandle den ved at tilpasse den til de visuelle sprog fra kubisme, De Stijl, suprematisme og andre tidlige modernistiske retninger. Efter Anden Verdenskrig ændrede han dog fokus og besluttede, at i stedet for at bruge kunsten til at reformere design, ville han søge i den virkelige verden efter spor til, hvordan kunsten kunne forvandles. Han lagde mærke til alt i sit visuelle landskab, fra arkitektoniske strukturer til mønstrene af skygge og lys, der falder på naturlige former, til overfladerne af krystaller. Han indså, at der findes et æstetisk rum, hvor principperne for geometrisk abstraktion sameksisterer med principperne i den naturlige og byggede verden. Værker som “Kiruna” (1952) viser, hvordan han brød den visuelle verden ned til dens mest essentielle byggesten, såsom cirkler og firkanter, og til den simpleste mulige farvepalet.
Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Installationsfoto fra Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto venligst udlånt af IdeelArt.
Selv da han begyndte at udvikle sit helt eget unikke visuelle sprog, forblev Vasarely altid reformatoren. Han opfattede, at hans geometriske kompositioner endnu ikke var fuldendte. De manglede ét yderligere aspekt – bevægelsens fremtræden. Men i stedet for at skabe egentlig kinetisk kunst, som for eksempel Alexander Calders mobiler, var Vasarely interesseret i, hvordan hjernen opfatter bevægelse. Han observerede, hvordan bølger på vandoverfladen eller i solens varme skaber illusionen af, at rummet er forvrænget, og at faste genstande er flydende. Han anvendte denne tanke i sine kompositioner ved at indføre bølgemønstre i sine geometriske kompositioner og tilsyneladende forvride værkernes overflader. I malerier som “Re.Na II A” (1968) synes overfladen at bule udad. I andre malerier synes overfladen at kollapse. Mest forbløffende er det, at så snart øjet fanger, hvad det ser i disse bølgemønstre, synes billedet at skifte og giver både illusionen af tredimensionelt rum og indtrykket af bevægelse.
Victor Vasarely - Zante, 1949. Installationsfoto fra Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto venligst udlånt af IdeelArt.
Et universelt visuelt sprog
Et af de mest idealistiske aspekter af Vasarelys arv var hans skabelse af den “plastiske enhed”: et grundlæggende visuelt redskab, der kan tilpasses til at skabe uendelige visuelle kompositioner. Den plastiske enhed består af én geometrisk form i én farve, som indeholder en anden, forskellig geometrisk form i en anden farve indeni – for eksempel en blå firkant, der omgiver en rød cirkel, eller omvendt. I moderne termer er den plastiske enhed som en pixel. Vasarely kombinerede de plastiske enheder i forskellige geometriske sammensætninger og brugte derefter linje og farve til at indføre bølger i kompositionerne. Dette enkle visuelle sprog var virkelig demokratisk, da det let kunne kopieres af alle. Stilens universalitet inspirerede endda Vasarely til igen at overveje, hvordan han kunne bruge det, han havde skabt, til positivt at påvirke borgernes hverdag.
Victor Vasarely - Forme 1009 décor 5110, ca. 1973. Udgave 23/50. Forme 1008 décor 5105, ca. 1973. Udgave 75. Forme 1008 décor 5104, ca. 1973. Udgave 17/75. Forme 1009 décor 5108, ca. 1973. Udgave 22/50. Forme 1007 décor 5101, ca. 1973. Udgave 27/100. Forme 1008 décor 5106, ca. 1973. Udgave 61/75. Forme 1010 décor 5112, ca. 1973. Udgave 31/100. Forme 1007 décor 5100, ca. 1973. Udgave 6/100. Installationsfoto fra Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto venligst udlånt af IdeelArt.
Som Vasarely: Sharing Forms smukt viser, udtænkte Vasarely adskillige strategier for at bringe sin kunst ud i det offentlige rum. Han skabte et væld af vægmalerier, plakater og endda industridesign, som for eksempel det 21-dele kaffegods og dessertservice, han designede for Rosenthal. Han skabte logoer for virksomheder som Renault og Musee de Cinema blandt andre. Og han dedikerede sig til at skabe alle slags kunst i offentlige rum. Han forestillede sig det, han kaldte en “polykrom by af lykke,” hvor hans livlige, farverige, geometriske offentlige værker ville bringe “de dystre og grå forstæder” til live. Gennem hele denne udstilling ser vi, hvordan plasticitet er fælles for alle former for visuel kultur. Vasarely viste, hvordan det er en væsentlig del af billedkunsten, naturligvis. Men han så også plasticitet som afgørende for de sten, der bruges til at bygge byen, og i farverne og lysets skygger, der falder på naturen. De kunstige skel mellem felterne kunst, design, mode, film, arkitektur og endda reklame smelter bort, når vi ser hele den visuelle kultur på denne måde. Det er den lære, Vasarely gav: at kunsten er overalt. Vasarely: Sharing Forms kan ses på Centre Pompidou til og med 6. maj 2019.
Fremhævet billede: Victor Vasarely - Alom, 1968. Installationsfoto fra Centre Pompidou, Paris, 2019. Foto venligst udlånt af IdeelArt.
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio
