Alberto Burri und die Transformation von Materialien

Wenn wir sagen, ein Kunstwerk hat Bedeutung, impliziert das, dass wir glauben, Bedeutung existiert. Aber wenn Bedeutung existiert, sollte das Leben selbst nicht das bedeutungsvollste sein? Schließlich können wir nur, weil wir leben, das Nachdenken über die Bedeutung anderer Dinge genießen. Alberto Burri wurde während einer Zeit des Paradoxons bezüglich der Bedeutung Künstler. Er begann während des Zweiten Weltkriegs als Kriegsgefangener zu malen. Er war vor dem Krieg Arzt gewesen und hatte an der Front in der italienischen Infanterie gedient, und hatte somit aus erster Hand das Ende der Zivilisation miterlebt, zu dem die Menschheit offensichtlich bezüglich der scheinbaren Sinnlosigkeit des menschlichen Lebens gekommen war. Gleichzeitig stürzten sich jedoch Künstler in Europa und Amerika kopfüber in Ausdrucksformen, die ganz auf persönliche Bedeutung abzielten: unbewusste Bedeutung, psychologische Bedeutung, verborgene Bedeutung und universelle Bedeutung. Irgendwie hielt die Gesellschaft zwei gegensätzliche Gedanken fest: dass ein lebendes Wesen so wenig Bedeutung haben kann, dass es im Krieg verschwendet werden kann, und dass ein unbelebtes Objekt so viel Bedeutung besitzen kann, dass es unbezahlbar wird. Burri's Werk befasst sich zumindest teilweise mit seinen Gefühlen darüber, was Bedeutung haben sollte und hat. Wenn wir es uns genau ansehen, können wir vielleicht einige der Wahrheiten entdecken, die dieser einzigartige Künstler aufgedeckt hat; Wahrheiten, die unser Verständnis von abstrakter Kunst und uns selbst erweitern könnten.

Alberto Burris Wurzeln

In gewisser Hinsicht wäre Alberto Burri vielleicht kein Künstler geworden, wenn es keinen Krieg gegeben hätte. Stattdessen wäre er Landarzt geworden. Burri wurde 1915 in einer kleinen Stadt in Umbrien, Italien, geboren, als Sohn eines Weinhändlers und einer Lehrerin. Die Landschaft seiner Heimat ist idyllisch. Ihre Landschaft würde schließlich als Motiv für viele von Burris ersten Gemälden dienen, die er sich selbst beibrachte, während er als amerikanischer Kriegsgefangener in Texas war. 1940 schloss Burri sein Medizinstudium ab. Er hatte gerade begonnen, als Arzt zu praktizieren, als Italien später im selben Jahr in den Zweiten Weltkrieg eintrat. Burri wurde in die Infanterie eingezogen. Fast drei Jahre kämpfte er als Frontsoldat in Nordafrika und diente auch als Arzt im Feld.

Als Burris Einheit gefangen genommen wurde, wurde er in ein Kriegsgefangenenlager in Hereford, Texas, geschickt. Dort durfte Burri keine Medizin praktizieren. Also nahm er, wie viele andere Kriegsgefangene, das Malen auf, um die Zeit zu vertreiben. Da es an geeigneten Leinwänden mangelte, malte er auf Jutesäcken. Er malte idyllische Landschaften von dem, was er in Texas sah, und von dem, was er früher im Leben in Umbrien gesehen hatte. Nach dem Krieg, als er nach Italien repatriiert wurde, gab Burri die Medizin für immer auf und widmete sich ganz seiner Kunst. Aber er nahm seine Ästhetik in eine ganz andere Richtung. Er reduzierte seine visuelle Sprache und schuf Bilder, die völlig abstrakt waren. Er verwendete weiterhin Jute, die im Nachkriegsitalien im Überfluss vorhanden war, und integrierte auch alle anderen Materialien, Medien und Werkzeuge, die billig und leicht verfügbar waren. Seine Farbpalette und seine Bilder ähnelten der zerfetzten Landschaft seines Heimatlandes und der Textur und dem Aussehen von so vielem, was verschwendet worden war.

Alberto Burri - Bianco, Öl, Stoffcollage, Sand, Kleber und Jute auf Leinwand, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom

Der Ansturm auf die Bedeutung

Die Tatsache, dass Burri’s neu abstrahierter Stil Farben, Texturen, Materialien und Formen, die an Zerstörung und Blutvergießen erinnern, einbezog, scheint eine Einladung an die Betrachter zu sein, anzunehmen, dass er Werke über seine Erfahrungen als Arzt und Soldat schuf. Aber Burri betonte während seiner gesamten Karriere, dass in seinen Entscheidungen keine solche Bedeutung zu finden sei und dass es in seinen Bildern überhaupt keine Bedeutung gebe. 1994 sagte er in Bezug auf sein gesamtes Werk: „Form und Raum! Das Ende. Es gibt nichts anderes.“

Vielleicht liegt in dieser Aussage die tiefere Wahrheit, die Burri über Bedeutung und Existenz entdeckt hat. Die einzige Universalität, die allen Dingen gemeinsam ist, einschließlich Menschen, Gemälden, Tieren und Bomben, ist, dass alles nur Materie ist, die in verschiedenen Formen im Raum existiert. In der Philosophie priorisiert der Materialismus die physische Welt über die bewusste Welt. Manchmal verwenden Atheisten den Begriff in Bezug auf ihre Ablehnung eines spirituellen Bereichs. Manchmal verwenden Wissenschaftler ihn, um objektive Beobachtungen von ihren persönlichen Reaktionen auf dieselben Beobachtungen zu trennen. Wenn wir glauben sollen, was Alberto Burri selbst über seine Arbeit sagt (und warum sollten wir das nicht tun?), dann exemplifiziert seine Kunst den Materialismus. Sie erforscht die Realität der formalen, physischen Eigenschaften seiner Materialien und nichts weiter.

Alberto Burri - Sacco e Rosso, Acrylfarbe und Jutesack auf Leinwand, 1954 (Links) / Sacco 5 P, Stoff auf Leinwand, Jute und Handstich, 1953 (Rechts). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom

Burri’s Materielle Realitäten

In Bezug auf die formalen Qualitäten seines Werkes war Burri ein äußerst kreativer Innovator. Er entwickelte eine Reihe von Techniken, um seine Arbeiten zu schaffen, und integrierte eine ebenso vielfältige Palette von Materialien, um die Auswirkungen dieser Techniken zu betonen. Indem er das Konzept des Collage entlehnte, erhielten seine Bilder ein geschichtetes Aussehen, das die Grenze zwischen Malerei, Relief und Skulptur verwischte. Seine frühesten Werke waren Mischungen aus Farbe und geschichtetem Stoff, den er zusammengenäht und genäht hatte. Später fügte er Dimension hinzu, indem er seine Oberflächen schnitt, riss und Löcher hinein stach. Er verwendete Feuer, um hölzerne Elemente seiner Arbeiten zu verbrennen, und nutzte den Verkohlungsprozess, um seine Formen zu schaffen. Er verwendete Hitze, um Plastik zu schmelzen, und fügte seinen Kompositionen eine seltsam organische Dimension und Textur hinzu.

Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom

Um die formalistische Natur seiner Kunstwerke zu betonen, gab er seinen Arbeiten nicht poetische Namen, sondern betitelte sie einfach nach ihrer physischen Beschaffenheit, indem er die italienischen Wörter für ihre Farbe, ihr Material oder die Technik verwendete, die er zu ihrer Herstellung genutzt hatte. Seine mit Teer hergestellten Werke nannte er Catrami, seine geschmolzenen Plastikarbeiten waren Plastichi, seine Holzarbeiten wurden Legni genannt. Seine Arbeiten aus Jute nannte er Sacchi, das italienische Wort für Taschen. Die Werke, die er mit Feuer schuf, hießen Cumbustiono, und seine ikonischen, vorstehenden Werke, die er durch das Einfügen fremder Vorsprünge hinter den Oberflächen herstellte; nannte er Gobbi, das italienische Wort für Bucklige.

Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom

Der große Riss

Eine der ikonischsten Errungenschaften von Burris Karriere kam in Form einer Ästhetik, die er Cretto nannte, einem toskanischen Slangwort für Riss. Um Cretto zu erreichen, übertrieb er die Prozesse, die zu dem natürlichen Erscheinungsbild feiner, haarfeiner Risse in verschiedenen Malmedien führten, während sie im Laufe der Zeit alterten, ein Effekt, der als Craquelure bekannt ist. Der Effekt wird normalerweise als nachteilig für ein Gemälde angesehen. Zum Beispiel hat Kazimir Malevichs wegweisendes Gemälde Schwarzes Quadrat, das einst eine solide schwarze Form war, so schlecht gealtert, dass es einem von Burris Cretto-Gemälden ähnlich sieht.

Alberto Burri - Cretto, Acrovinyl auf Cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom

Durch die Aneignung eines Prozesses, der normalerweise mit Verfall in Verbindung gebracht wird, und dessen Umwandlung in einen Schaffensprozess, drückt Burri erneut eine wesentliche Dichotomie über die Bedeutung der Dinge aus. Er schafft durch den Akt der Zerstörung. Er findet Schönheit im Verfall. Die ultimative Manifestation dieses Ausdrucks kam 1985, als Burri ihn nutzte, um sein monumentales Werk, Il Grande Cretto, zu schaffen. Eines der größten bekannten Werke der Land Art, Il Grande Cretto, wurde über dem ehemaligen Standort einer annihilierten Stadt, der Stadt Gibellina in Sizilien, errichtet, die 1968 bei einem Erdbeben zerstört wurde. Il Grande Cretto liegt über ihren Ruinen, eine massive Ansammlung von Steinformen und Ritzen, die etwa 120.000 Quadratmeter misst.

Kasimir Malewitsch - Schwarzes Quadrat, 1915, 80 cm x 80 cm, © Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Ein Erbe der Innovation

Burri war nicht der einzige Künstler, der nach dem Zweiten Weltkrieg von dieser Art Ästhetik inspiriert wurde. In den 1960er Jahren verwendeten so viele Künstler verworfene, scheinbar wertlose Materialien in ihren Arbeiten, dass der Begriff Arte Povera, oder arme Kunst, geprägt wurde, um ihren Stil zu beschreiben. Und der Begriff Art Informel wurde geprägt, um die wilden, expressiven Leinwände zu beschreiben, die Maler durch Intuition und emotionale Aktion schufen. Obwohl Burri's Ästhetik dazu geführt hat, dass er sowohl mit Arte Povera als auch mit Art Informel assoziiert wird, hatte er einen ganz anderen Grund, diese Ästhetik zu umarmen als die anderen, die ihm nachfolgten.

Arte Povera war eine Reaktion auf etwas anderes, das in der Kunst geschah; es war eine Rückkehr zu einer proletarischen Ästhetik. Arte Informel war eine Umarmung des persönlichen Ausdrucks und der Kraft, Werke zu schaffen, die etwas Tiefes und Verstecktes im Werk ausdrücken. Was Burri tat, war keine Reaktion gegen etwas anderes. Und keine Bedeutung war in seinem Werk verborgen. Er sagte: „Die Worte bedeuten mir nichts; sie reden um das Bild herum. Was ich auszudrücken habe, erscheint im Bild.” Dieser einzigartige, selbstbewusste Ansatz zu einer völlig formalen Untersuchung von Materialien, Form und Raum hinterließ ein Beispiel, das etwas Hoffnungsvolles aussagte: Gemälde sind nur Gemälde. Es ist der Künstler, der ihre Bedeutung bestimmt, und daher sollte der Künstler – das lebendige, atmende, kreative Individuum – geschätzt werden.

Vorschaubild: Alberto Burri - Ferro, 1954, Fotoquelle Guggenheim Museum
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio