Die Bedeutung von Textur in der abstrakten Kunst

Im Großen und Ganzen gibt es in der Kunst, ebenso wie im Leben, zwei Kategorien von Struktur: rau und glatt. Beide können hart oder weich, nass oder trocken, organisch oder künstlich sein usw. Und unendliche Abstufungen von Rauheit und Glätte sind möglich. Doch ein wesentlicher Unterschied trennt die Funktion, die Struktur im Leben erfüllt, von der Funktion der Struktur in der Kunst. Im Leben kann Struktur eine Frage des Überlebens sein. Unsere Wahrnehmung, ob etwas rutschig, schleimig, schuppig oder flauschig ist, kann den Unterschied zwischen Leben und Tod bedeuten. Struktur in der Kunst ist weniger dramatisch. Die meisten Kunstwerke sind nicht einmal zum Anfassen gedacht. Und selbst wenn ein Kunstwerk berührt werden kann, bezieht sich seine Struktur mehr auf unsere ästhetische Erfahrung als auf unser Überleben. Dennoch ist Struktur ein wichtiger Teil unserer Interaktion mit Kunst. Sie ist eines der sieben formalen künstlerischen Elemente, zusammen mit Linie, Farbe, Form, Gestalt, Wert und Raum. Sie kann die Stimmung beeinflussen, psychologische Assoziationen hervorrufen, Aufmerksamkeit auf ein Medium lenken oder unseren Fokus auf die in einem Werk verwendeten Materialien richten. Geschickt eingesetzt kann Struktur sogar unsere Wahrnehmung dessen, was real ist, herausfordern.

Drama und Licht

Eine der frühesten Methoden, mit denen abstrakte Maler mit Struktur experimentierten, ist ein Verfahren namens Impasto. Wenn wir sagen, ein Gemälde ist Impasto, meinen wir, dass der Maler die Farbe in dicken Schichten auf die Oberfläche aufgetragen hat. Ein Impasto-Werk gilt als malerisch, da es die physischen Spuren des Malers hervorhebt. Postimpressionistische Maler wie Van Gogh nutzten Impasto, um Dramatik zu erzeugen und die Art und Weise zu beeinflussen, wie Licht mit der Oberfläche ihrer Bilder interagiert, da Impasto-Schichten Schatten und Lichtreflexe erzeugen. Abstrakte Expressionisten wie Jackson Pollock verwenden dick aufgetragene Farbe, um die Aufmerksamkeit auf den Akt des Malens zu lenken und die Persönlichkeit sowie die individuelle Technik des Künstlers zu offenbaren.

Das Gegenteil von Impasto-Struktur ist Flächigkeit. Künstler wie Helen Frankenthaler und Kenneth Noland färbten ihre Leinwände, indem sie verdünnte Farbe direkt auf ungrundierte Leinwände gossen, um die Oberfläche mit der Farbe zu verschmelzen. Ihre flachen Strukturen lenkten den Fokus von den physischen Gesten des Künstlers ab und regten zur Betrachtung anderer Elemente wie Farbe, Oberfläche und Raum an. Frühe abstrakte Künstler wie Kazimir Malevich malten ebenfalls flache, nicht malerische Bilder. Interessanterweise haben viele der ikonischen flachen Gemälde, die Malevich malte, wie das Schwarze Quadrat, im Laufe der Zeit Strukturen angenommen, die ganz anders sind als vom Künstler beabsichtigt. Es ist faszinierend darüber nachzudenken, ob die Bedeutung, die Betrachter in solchen Werken wahrnehmen, durch die Veränderung der Struktur verändert wurde.

Kazimir Malevich - Schwarzes Quadrat, 1915. Öl auf Leinen. 79,5 x 79,5 cm. Tretjakow-Galerie, Moskau

Physische vs. visuelle Struktur

Struktur in der Kunst kann auf mindestens zwei Arten wahrgenommen werden: durch Berührung (physische Struktur) und durch Sehen (visuelle Struktur). Physische Struktur verleiht einem Kunstwerk ein Gefühl von Gegenständlichkeit. Sie verbindet es mit der konkreten physischen Welt. Der italienische Künstler Alberto Burri verwendete gefundene Materialien, um physische Strukturen in seinen Werken zu schaffen, die bei den Betrachtern urtümliche emotionale Reaktionen hervorrufen konnten. Koreanische Dansaekhwa-Künstler und Künstler, die mit der japanischen Avantgarde Gutai-Gruppe verbunden sind, legen ebenfalls Wert auf Materialität, da sie, wie im Gutai-Manifest erklärt, „indem wir menschliche Eigenschaften und Materialeigenschaften verschmelzen, abstrakten Raum konkret erfassen können“.

Andere Künstler interessieren sich mehr für die Möglichkeiten der visuellen Struktur. Die Gemälde der britischen Op-Art-Malerin Bridget Riley sind völlig flach, täuschen jedoch dem Auge strukturierte Wellen und räumliche Schichten vor. Abstrakte Fotografen spielen ebenfalls mit visueller Struktur. Die in Kanada geborene abstrakte Fotografin Jessica Eaton baut dreidimensionale Objekte und fotografiert sie dann mit mehreren Filtern. Ihre flachen Abzüge scheinen ohne Struktur zu sein, doch bei genauerem Hinsehen treten die physischen Strukturen der von ihr gebauten Objekte hervor, was das Auge verwirrt, ob es reale oder eingebildete Strukturen wahrnimmt.

Jessica Eaton - cfaal 72r, 2001. Pigmentdruck. © Jessica Eaton (Links) / Bridget Riley - Absteigend, 1966. Emulsion auf Holzplatte. © Bridget Riley (Rechts)

Struktur in abstrakter Bildhauerei

Abstrakte Künstler, die im dreidimensionalen Raum arbeiten, haben zusätzliche Möglichkeiten, mit dem Element Struktur umzugehen, da ihre Werke häufiger zum Anfassen gedacht sind. Jesús Rafael Soto schafft großformatige, dreidimensionale Skulpturen namens Penetrables, durch die die Betrachter hindurchgehen und die glatte, künstliche Struktur der Fäden als Teil ihrer ästhetischen Erfahrung umhüllt. Und Künstler wie Henry Moore, der zahlreiche öffentliche, freistehende Skulpturen schuf, haben die Möglichkeit zu zeigen, wie Zeit, menschliche Hände und die Elemente den wesentlichen Charakter eines Kunstwerks im Laufe der Zeit verändern.

Jesús Rafael Soto - Penetrable de Chicago, 1971. Kinetische Skulptur. © Jesús Rafael Soto

Struktur ist von größter Bedeutung für unser Verständnis abstrakter Kunst. Was würden uns die Specific Objects von Donald Judd bedeuten, wenn nicht ihre glatte, hochglänzende, industrielle Struktur, die integraler Bestandteil ihres Status als minimalistische, moderne Werke ist? Und wie hätte das berüchtigte Objekt, ein mit Pelz bedecktes Kaffeeservice des deutsch-schweizerischen Künstlers Meret Oppenheim, ohne seine unheimliche Struktur zum Symbol des Surrealismus werden können? Ob zum Anschauen, Anfassen oder beides gedacht – durch die Betrachtung der Struktur abstrakter Kunst können wir uns auf neuen Ebenen mit ihr verbinden, was unser Verständnis beeinflussen, unsere Wertschätzung vertiefen und die Bedeutung, die wir im Werk wahrnehmen, verändern kann.

Donald Judd - Ohne Titel, (91-2 Bernstein), 1991. Edelstahl und rotes Plexiglas, in zehn Teilen. © Donald Judd

Alberto Burri - Cretto (Detail), 1975. Acrovinyl auf Cellotex. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rom
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio