Die Bedeutung von Textur in der abstrakten Kunst

Im Großen und Ganzen gibt es zwei Kategorien von Textur in der Kunst, genau wie im Leben: rau und glatt. Beide können hart oder weich, nass oder trocken, organisch oder synthetisch sein usw. Und unendliche Abstufungen von Rauheit und Glätte sind möglich. Aber ein entscheidender Unterschied trennt die Funktion, die Textur im Leben erfüllt, von der Funktion der Textur in der Kunst. Im Leben kann Textur eine Frage des Überlebens sein. Unsere Wahrnehmung, ob etwas rutschig, schleimig, schuppig oder flauschig ist, könnte den Unterschied zwischen Leben und Tod ausmachen. Textur in der Kunst ist weniger ernst. Die meisten Kunstwerke sind nicht einmal dazu gedacht, berührt zu werden. Und selbst wenn ein Kunstwerk berührt werden kann, bezieht sich seine Textur mehr auf unser ästhetisches Erlebnis als auf unser fortwährendes Dasein. Dennoch ist Textur ein wichtiger Teil unserer Interaktion mit Kunst. Sie ist eines der sieben formalen künstlerischen Elemente, zusammen mit Linie, Farbe, Form, Gestalt, Wert und Raum. Sie kann die Stimmung beeinflussen, psychologische Assoziationen hervorrufen, die Aufmerksamkeit auf ein Medium lenken oder unseren Fokus auf die in einem Werk verwendeten Materialien lenken. Geschickt eingesetzt, kann Textur sogar unsere Wahrnehmung dessen herausfordern, was real ist.

Drama und Licht

Eine der frühesten Methoden, mit denen abstrakte Maler mit Textur experimentierten, ist ein Prozess namens Impasto. Wenn wir sagen, dass ein Gemälde Impasto ist, meinen wir, dass der Maler die Farbe in dicken Schichten auf die Oberfläche aufgetragen hat. Ein Impasto-Werk wird als malerisch angesehen, da es den physischen Spuren, die der Maler hinterlassen hat, Bedeutung verleiht. Post-Impressionistische Maler wie Van Gogh verwendeten Impasto, um Dramatik zu erzeugen und um die Art und Weise zu beeinflussen, wie Licht mit der Oberfläche ihrer Bilder interagierte, da Impasto-Schichten Schatten und Highlights erzeugen. Abstrakte Expressionisten wie Jackson Pollock verwenden dick aufgetragene Farbe, um die Aufmerksamkeit auf den Malakt zu lenken und die Persönlichkeit sowie die individuelle Technik des Künstlers zu offenbaren.

Das Gegenteil von Impasto-Textur ist Flachheit. Künstler wie Helen Frankenthaler und Kenneth Noland färbten ihre Leinwände, indem sie verdünnte Farbe direkt auf ungrundierte Leinwände gossen, um die Oberfläche mit der Farbe zu verschmelzen. Ihre flachen Texturen lenkten den Fokus von den physischen Gesten des Künstlers ab und regten zur Kontemplation anderer Elemente wie Farbe, Oberfläche und Raum an. Frühe abstrakte Künstler wie Kazimir Malevich malten ebenfalls flache, nicht malerische Bilder. Interessanterweise haben viele der ikonischen flachen Gemälde, die Malevich malte, wie Schwarzes Quadrat, mit dem Alter Texturen angenommen, die sich stark von dem unterscheiden, was der Künstler beabsichtigt hatte. Es ist faszinierend zu überlegen, ob die Bedeutung, die Betrachter in solchen Werken wahrnehmen, durch die Veränderung der Textur beeinflusst wurde.

Kazimir Malevich - Schwarzes Quadrat, 1915. Öl auf Leinen. 79,5 x 79,5 cm. Tretyakow-Galerie, Moskau

Physikalische vs. Visuelle Textur

Textur in der Kunst kann auf mindestens zwei Arten wahrgenommen werden: durch Berührung (physische Textur) und durch Sicht (visuelle Textur). Physische Textur verleiht einem Kunstwerk ein Gefühl von Objekthaftigkeit. Sie verbindet es mit der konkreten physischen Welt. Der italienische Künstler Alberto Burri verwendete gefundene Materialien, um physische Texturen in seinen Werken zu schaffen, die primale emotionale Reaktionen bei den Betrachtern hervorrufen konnten. Koreanische Dansaekhwa-Künstler und Künstler, die mit der japanischen Avantgarde Gutai-Gruppe verbunden sind, legen ebenfalls Wert auf Materialität und glauben, wie im Gutai-Manifest erklärt, „dass wir durch die Verschmelzung menschlicher Qualitäten und materieller Eigenschaften den abstrakten Raum konkret begreifen können.“

Andere Künstler sind mehr an den Möglichkeiten der visuellen Textur interessiert. Die Gemälde der britischen Op-Art-Künstlerin Bridget Riley sind völlig flach, täuschen jedoch das Auge, indem sie strukturierte Wellen und dimensionale Schichten wahrnehmen lassen. Auch abstrakte Fotografen spielen mit visueller Textur. Die in Kanada geborene abstrakte Fotografin Jessica Eaton baut dreidimensionale Objekte und fotografiert sie dann mit mehreren Filtern. Ihre flachen Drucke erscheinen ohne Textur, aber bei näherem Hinsehen kommen die physischen Texturen der Objekte, die sie gebaut hat, zum Vorschein und verwirren das Auge, ob es Texturen wahrnimmt, die real oder imaginär sind.

Jessica Eaton - cfaal 72r, 2001. Pigmentdruck. © Jessica Eaton (Links) / Bridget Riley - Descending, 1966. Emulsion auf Holz. © Bridget Riley (Rechts)

Textur in abstrakter Skulptur

Abstrakte Künstler, die im dreidimensionalen Raum arbeiten, genießen zusätzliche Möglichkeiten, mit dem Element der Textur umzugehen, da ihre Werke häufiger dazu gedacht sind, berührt zu werden. Jesús Rafael Soto schafft großflächige, dreidimensionale Skulpturen, die Penetrables genannt werden, durch die die Betrachter hindurchgehen, wodurch die glatte, synthetische Textur der Tentakeln sie als Teil ihres ästhetischen Erlebnisses umhüllt. Und Künstler wie Henry Moore, der zahlreiche öffentliche, im Freien stehende Skulpturen geschaffen hat, haben die Möglichkeit zu demonstrieren, wie Zeit, menschliche Hände und die Elemente den wesentlichen Charakter eines Kunstwerks im Laufe der Zeit verändern.

Jesús Rafael Soto - Penetrable de Chicago, 1971. Kinetische Skulptur. © Jesús Rafael Soto

Textur ist von größter Bedeutung für unser Verständnis abstrakter Kunst. Was würden die Specific Objects, die von Donald Judd geschaffen wurden, für uns bedeuten, wenn nicht für ihre glatte, hochglänzende, industrielle Textur, die integraler Bestandteil ihres Status als minimal, moderne Werke war? Und wie wäre das berüchtigte Object, ein mit Pelz überzogenes Kaffeegeschirr der in Deutschland geborenen Schweizer Künstlerin Meret Oppenheim, ohne seine unheimliche Textur zu einem Symbol des Surrealismus geworden? Ob zum Sehen, Berühren oder beidem gedacht, indem wir die Textur abstrakter Kunst betrachten, können wir uns auf neuen Ebenen mit ihr verbinden, was unser Verständnis beeinflussen, unsere Wertschätzung vertiefen und die Bedeutung, die wir in dem Werk wahrnehmen, transformieren kann.

Donald Judd - Untitled, (91-2 Bernstein), 1991. Edelstahl und rotes Plexiglas, in zehn Teilen. © Donald Judd

Vorschaubild: Alberto Burri - Cretto (Detail), 1975. Acrovinyl auf Cellotex. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rom
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio