Paul Nash und die Geschichte im Abstrakten

Der britische Maler Paul Nash wird normalerweise nicht in Gesprächen über Abstraktion erwähnt. Doch seine modernistischen, manchmal surrealen Bilder offenbaren Einblicke in die tiefgründigen abstrakten Konzepte, die oft ganz offensichtlich in der natürlichen Welt verborgen liegen. Sein Werk, das sich von kurz vor dem Ersten Weltkrieg bis kurz nach dem Zweiten Weltkrieg erstreckt, enthielt eine Art konservative abstrakte Sprache. Anstatt sich auf reine Abstraktion zu stützen oder formale abstrakte Elemente wie Farbe, Linie oder Licht zu erforschen, verankerte er seine Arbeit in der klassischen, gegenständlichen Landschaft in der Hoffnung, eine breitere Definition dessen zu schaffen, was Abstraktion sein könnte. Seine Gemälde sollten Ideen anregen; nicht über Landschaften, sondern über die uralten, ewigen Beziehungen zwischen den Kräften von Zeit, Natur, Menschheit, Kultur, Leben und Tod.

Frühe Krisen

Im Jahr 1910 schrieb sich Paul Nash an der Slade School of Art ein, wo er schnell mit einer Gruppe junger Künstler in Verbindung gebracht wurde, die von der Akademie als ihre Zweite Krise des Glanzes bezeichnet wurden. Sie besaßen eine seltene Kombination aus außergewöhnlichem Talent, Offenheit für den europäischen Modernismus und Experimentierfreude, was sie in Opposition zum Lehrplan und den Fähigkeiten der Dozenten der Schule stellte. Nash und die anderen waren die begeisterte modernistische Vorhut in einer Kultur, die nichts Neues schaffen wollte.

Wie eine aktuelle Paul Nash-Retrospektive in der Tate zeigt, wirkt die Arbeit, die er damals schuf, heute nicht mehr so bedrohlich. Er malte englische Landschaften und versuchte, das einzufangen, was er als ihren genius loci oder Geist des Ortes bezeichnete. Er war fasziniert von den urzeitlichen Megalithen, die die englische Landschaft durchziehen und die er als Manifestationen der uralten Beziehung zwischen Mensch und Natur betrachtete. Vielleicht war das Bedrohliche, dass er nicht nur daran interessiert war, die Natur zu kopieren, sondern auch die größeren abstrakten Botschaften darin auszudrücken.

Paul Nash - Draht, 1919. © Imperial War Museum, London

Eine schreckliche neue Welt

Vier Jahre nach seinem Eintritt in die Kunstschule wurde Nash, wie seine ganze Generation, durch den Ausbruch des Ersten Weltkriegs in seiner Zukunft unterbrochen. Nash meldete sich freiwillig bei den Artists Rifles, einem inländischen Regiment, das 1859 gegründet wurde und hauptsächlich aus Künstlern bestand, die sich dem Schutz der Heimatfront verschrieben hatten. Doch als der Krieg sich hinzog, wurde er an die Westfront geschickt, das Hauptkampffeld auf dem europäischen Festland. Dort, als Leutnant, erlebte Nash die Schrecken des Krieges aus erster Hand.

Zufällig fiel Nash drei Monate nach seiner Ankunft an der Front in einen Schützengraben und brach sich eine Rippe. Während er sich in London erholte, wurde sein Regiment angegriffen und fast vollständig vernichtet. Tief erschüttert von allem, was er gesehen hatte, war er entschlossen, alles zu tun, um den Krieg zu beenden. Noch während seiner Genesung veranstaltete er eine Ausstellung mit Bildern, die er vom Gemetzel an der Front gemacht hatte. Sie waren für viele Menschen schockierend, die keine Vorstellung von der Brutalität und Verwüstung des Krieges hatten. Die Werke hinterließen einen solchen Eindruck, dass er nach seiner Genesung zurück an die Front geschickt wurde, um als offizieller Kriegskünstler zu dienen. Den Rest des Krieges verbrachte er damit, detaillierte Bilder der Zerstörung zu malen, in der Hoffnung, die Öffentlichkeit zum Ende der Kämpfe zu bewegen.

Paul Nash - Wir schaffen eine neue Welt, 1918. © Imperial War Museum, London

Neudefinition der Abstraktion

Die Kriegsgemälde, die Nash schuf, sind eindringlich realistisch. Und doch besitzen sie jenseits ihres gegenständlichen Inhalts unbestreitbare gedankliche Tiefen. Zum Beispiel zeigt das Gemälde Frühling in den Schützengräben, Ridge Wood, 1917 auf der Oberfläche ein rein realistisches Bild einiger Soldaten, die in einer kampfzerstörten Naturlandschaft eingegraben sind. Doch die pastellfarbene Palette, die gedankenlos darüber fliegenden Vögel und die unschuldig vorbeiziehenden weißen Wolken deuten die tiefgründige Idee an, dass Menschen zwar vorübergehend die Natur zerstören können, die Natur mit großem N jedoch unseren Zorn überdauern und weiterbestehen wird, wenn wir nicht mehr da sind.

In seinen späteren Kriegsbildern begann Nash, mit der Reduktion der visuellen Elemente der natürlichen Welt zu experimentieren und sie auf einfachere Formen und Gestalten zu reduzieren. Obwohl er nie zur reinen Abstraktion überging, erkannte er, dass er durch die Reduzierung bestimmter Teile seiner Bildsprache etwas Universelles, jenseits des Gegenständlichen, erreichen konnte. Über diese Entwicklung sagte er: „Ich erkenne unter den Naturerscheinungen tausend Formen, die mit Vorteil im Schmelztiegel abstrakter Verwandlung aufgelöst werden könnten.“ Und doch sagte er: „Ich stelle fest, dass ich immer noch teilweise organische Merkmale brauche, um mein festes gedankliches Bild zu schaffen.“

Paul Nash - Frühling in den Schützengräben, Ridge Wood, 1917-1918. © Imperial War Museum, London

Gruppe Unit One

Als der Krieg endete, war Nash in Großbritannien für seine Kriegsgemälde berühmt geworden. Die abstrakten Elemente darin waren nicht das, worauf die meisten Menschen reagierten. Vielmehr wurde er dafür verehrt, die tatsächliche Zerstörung zu zeigen, als wäre er ein Journalist. Gezeichnet von den psychischen und körperlichen Folgen des Krieges zog er sich aufs Land zurück, wo er versuchte, sich körperlich und geistig zu heilen. Er kehrte zur gegenständlichen Landschaftsmalerei zurück und tauchte in deren beruhigende Kraft ein. Doch während seiner Genesung wurde er zunehmend auf ein Problem aufmerksam, das er in der britischen Kultur wahrnahm: die Unwilligkeit, die tiefere Bedeutung moderner Kunstströmungen anzuerkennen und zu verstehen.

Um direkt mit der britischen Öffentlichkeit in Kontakt zu treten, gründete Nash eine avantgardistische Künstlervereinigung namens Unit One. Zwölf weitere Architekten, Maler und Bildhauer schlossen sich ihm an, darunter Ben Nicholson, Henry Moore und Barbara Hepworth. Die Gruppe veranstaltete eine Ausstellung. Die Werke, die Nash darin zeigte, gehören zu seinen abstraktesten. Sie zeigen modernistische Formen, die sich in geheimnisvollen, fast surrealen Kompositionen mit natürlichen Umgebungen vermischen. Obwohl es ein kurzlebiges Experiment war, erregte Unit One die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit, und sein Einfluss auf den britischen Modernismus war sofort spürbar.

Paul Nash - Die Menin-Straße. 1919. © Imperial War Museum, London

Abstrakte gegenständliche Geschichte

Auf dem Höhepunkt seines Ruhms wurde Paul Nash erneut als Kriegskünstler eingezogen, diesmal im Zweiten Weltkrieg. Die Gemälde, die er von diesem Konflikt schuf, gehören zu seinen bekanntesten Werken. Sie zeigen eine reife Verbindung der vielen Einflüsse, die seine Laufbahn prägten. Sie zeigen gegenständliche Landschaften, reduzierte Formen und unheimliche Mischungen aus quasi-surrealen Objekten und Wesen. Sie stellen Fragen zu den Beziehungen von Maschinen, Menschen und Natur. Sie zeigen das Gemetzel und die Zerstörung des Krieges, während sie gleichzeitig andeuten, dass die Natur immer bestehen wird.

Wenn man sein Gesamtwerk betrachtet, sieht man, dass Paul Nash nie nur realistische Landschaften bestimmter Orte zu bestimmten Zeiten malte. Er malte auch die Landschaft seines Geistes, verkörpert durch die Ruhe der Natur und die schreckliche Schönheit des Todes. Oft fing er den genius loci, den Geist des Ortes, ein, selbst wenn dieser Geist unverkennbar böse war. Doch wie er einmal sagte: „Um zu finden, muss man wahrnehmen können. Es gibt Orte, ebenso wie Menschen und Gegenstände, deren Beziehung der Teile ein Geheimnis schafft.“ Irgendwo in seinen Bildern von Leben und Tod, von modernen Relikten neben Relikten vergangener Zivilisationen, entsteht eine geheimnisvolle Verbindung; eine, die uns daran erinnert, dass die Geschichte vor uns war und nach uns sein wird, und dass wir zwar Teil der Natur sind, sie aber nicht überwinden können; im Gegenteil, sie wartet immer darauf, uns zu überwinden.

Titelbild: Paul Nash - Der Ypern-Salient bei Nacht, 1918. © Imperial War Museum, London
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio