Alberto Burri und die Transformation von Materialien

Wenn wir sagen, ein Kunstwerk habe Bedeutung, impliziert das, dass wir glauben, Bedeutung existiere. Aber wenn Bedeutung existiert, sollte dann nicht das Leben selbst das Bedeutendste sein? Schließlich können wir nur deshalb über die Bedeutung anderer Dinge nachdenken, weil wir leben. Alberto Burri wurde Künstler in einer Zeit voller Widersprüche in Bezug auf Bedeutung. Er begann während des Zweiten Weltkriegs als Kriegsgefangener zu malen. Vor dem Krieg war er Arzt gewesen und diente an der Front in der italienischen Infanterie, wodurch er aus erster Hand miterlebte, zu welchem Schluss die Zivilisation offenbar in Bezug auf die scheinbare Sinnlosigkeit des menschlichen Lebens gekommen war. Gleichzeitig stürzten sich Künstler in Europa und Amerika kopfüber in Ausdrucksformen, die ganz auf persönliche Bedeutung ausgerichtet waren: unbewusste Bedeutung, psychologische Bedeutung, verborgene Bedeutung und universelle Bedeutung. Irgendwie hielt die Gesellschaft zwei gegensätzliche Gedanken fest: dass ein lebendes Wesen so wenig Bedeutung haben kann, dass es im Krieg verschwendet werden kann, und dass ein lebloser Gegenstand so viel Bedeutung besitzen kann, dass er unbezahlbar wird. Burris Werk behandelt zumindest teilweise seine Gefühle darüber, was Bedeutung haben sollte und was tatsächlich Bedeutung hat. Wenn wir es genau betrachten, können wir vielleicht einige der Wahrheiten entdecken, die dieser einzigartige Künstler aufgedeckt hat; Wahrheiten, die unser Verständnis von abstrakter Kunst und von uns selbst vertiefen könnten.

Alberto Burris Wurzeln

In gewisser Weise wäre Alberto Burri ohne den Krieg vielleicht kein Künstler geworden. Er wäre stattdessen Landarzt geworden. Burri wurde 1915 in einer kleinen Stadt in Umbrien, Italien, geboren, als Sohn eines Weinverkäufers und einer Lehrerin. Die Landschaft seiner Heimat ist idyllisch. Diese Landschaft diente schließlich als Motiv für viele von Burris ersten Gemälden, die er sich selbst beibrachte, als amerikanischer Kriegsgefangener in Texas. 1940 schloss Burri sein Studium mit einem medizinischen Abschluss ab. Er hatte gerade begonnen, als Arzt zu praktizieren, als Italien noch im selben Jahr in den Zweiten Weltkrieg eintrat. Burri wurde zur Infanterie eingezogen. Fast drei Jahre kämpfte er als Frontsoldat in Nordafrika und diente dort auch als Feldarzt.

Als Burris Einheit gefangen genommen wurde, kam er in ein Kriegsgefangenenlager in Hereford, Texas. Dort durfte Burri keine Medizin ausüben. Wie viele andere Kriegsgefangene begann er deshalb zu malen, um sich die Zeit zu vertreiben. Da ihm geeignete Leinwände fehlten, malte er auf Jutesäcken. Er malte idyllische Landschaften von dem, was er in Texas sah, und von dem, was er früher in Umbrien erlebt hatte. Nach dem Krieg, als er nach Italien zurückkehrte, gab Burri die Medizin für immer auf und widmete sich ganz seiner Kunst. Doch er schlug eine ganz andere ästhetische Richtung ein. Er reduzierte seine Bildsprache und schuf Bilder, die völlig abstrakt waren. Er verwendete weiterhin Jute, die im Nachkriegsitalien im Überfluss vorhanden war, und integrierte außerdem alle anderen Materialien, Medien und Werkzeuge, die billig und leicht verfügbar waren. Seine Farbpalette und seine Bilder erinnerten an die zerrissene Landschaft seiner Heimat und an die Textur und das Aussehen von so vielem, das verschwendet worden war.

Alberto Burri - Bianco, Öl, Stoffcollage, Sand, Leim und Jute auf Leinwand, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom

Der Drang nach Bedeutung

Die Tatsache, dass Burris neu abstrahierter Stil Farben, Oberflächenstrukturen, Materialien und Formen enthielt, die an Zerstörung und Gemetzel erinnerten, scheint Betrachter dazu einzuladen, anzunehmen, er habe Werke über seine Erfahrungen als Arzt und Soldat geschaffen. Doch Burri betonte während seiner gesamten Laufbahn, dass es keine solche Bedeutung in seinen Entscheidungen gebe und dass seine Bilder überhaupt keine Bedeutung hätten. 1994 sagte er in Bezug auf sein gesamtes Werk: „Form und Raum! Das Ende. Es gibt nichts anderes.“

Vielleicht liegt in dieser Aussage die tiefere Wahrheit, die Burri über Bedeutung und Existenz entdeckte. Die einzige Allgemeingültigkeit, die alle Dinge teilen, einschließlich Menschen, Gemälden, Tieren und Bomben, ist, dass alles nur Materie ist, die unterschiedliche Formen im Raum annimmt. In der Philosophie stellt der materielle Realismus die physische Welt über die bewusste Welt. Manchmal verwenden Atheisten den Begriff, um ihre Ablehnung eines geistigen Bereichs auszudrücken. Manchmal nutzen Wissenschaftler ihn, um objektive Beobachtungen von ihren persönlichen Reaktionen auf dieselben Beobachtungen zu trennen. Wenn wir dem Glauben schenken, was Alberto Burri selbst über sein Werk sagt (und warum sollten wir das nicht?), verkörpert seine Kunst den materiellen Realismus. Sie erforscht die Wirklichkeit der formalen, physischen Eigenschaften seiner Materialien und nichts weiter.

Alberto Burri - Sacco e Rosso, Acrylfarbe und Jutesack auf Leinwand, 1954 (links) / Sacco 5 P, Stoff auf Leinwand, Jute und Handstiche, 1953 (rechts). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom

Burris materielle Wirklichkeiten

Was die formalen Eigenschaften seines Werks betrifft, war Burri ein äußerst kreativer Neuerer. Er entwickelte eine Reihe von Techniken, um seine Werke zu schaffen, und verwendete eine ebenso vielfältige Auswahl an Materialien, um die Wirkung dieser Techniken zu unterstreichen. Er übernahm das Konzept der Collage, wodurch seine Bilder eine geschichtete Erscheinung erhielten, die die Grenze zwischen Malerei, Relief und Skulptur verwischte. Seine frühesten Werke waren Mischungen aus Farbe und geschichtetem Stoff, die er zusammennähte und zusammennähte. Später fügte er Dimensionen hinzu, indem er seine Oberflächen schnitt, zerschnitt und Löcher hinein stach. Er benutzte Feuer, um Holzelemente seiner Werke zu verbrennen, wobei er den Verkohlungsprozess nutzte, um seine Formen zu schaffen. Er setzte Hitze ein, um Plastik zu schmelzen, wodurch er seinen Kompositionen eine seltsam organische Dimension und Struktur verlieh.

Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom

Um die formalistische Natur seiner Kunstwerke zu unterstreichen, gab er seinen Werken statt poetischer Namen einfach Titel, die sich auf ihre physische Beschaffenheit bezogen, und verwendete dabei die italienischen Wörter für ihre Farbe, ihr Material oder die Technik, mit der er sie schuf. Seine Werke aus Teer nannte er Catrami, seine geschmolzenen Plastikwerke Plastichi, seine Holzarbeiten Legni. Seine Jutewerke nannte er Sacchi, das italienische Wort für Säcke. Die Werke, die er mit Feuer schuf, nannte er Cumbustiono, und seine ikonischen, wulstigen Werke, die er durch das Einfügen fremder Einwüchse hinter die Oberflächen schuf, nannte er Gobbi, das italienische Wort für Bucklige.

Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom

Der große Riss

Einer der ikonischsten Erfolge von Burris Laufbahn war eine Ästhetik, die er Cretto nannte, ein toskanischer Slangbegriff für Riss. Um Cretto zu erreichen, übertrieb er die Prozesse, die zum natürlichen Auftreten feiner, haarfeiner Risse in verschiedenen Malmedien führen, wenn sie mit der Zeit altern, ein Effekt, der als Craquelé bekannt ist. Dieser Effekt wird normalerweise als schädlich für ein Gemälde angesehen. Zum Beispiel ist Kazimir Malevichs bahnbrechendes Gemälde Schwarzes Quadrat, das einst eine einfarbige schwarze Form war, inzwischen so stark gealtert, dass es einem von Burris Cretto-Gemälden ähnelt.

Alberto Burri - Cretto, Acrovinyl auf Cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom

Durch die Aneignung eines Prozesses, der normalerweise dem Verfall zugeschrieben wird, und dessen Umwandlung in einen Schaffensprozess drückt Burri erneut eine grundlegende Zweiteilung über die Bedeutung der Dinge aus. Er schafft durch den Akt der Zerstörung. Er findet Schönheit im Verfall. Die ultimative Manifestation dieses Ausdrucks entstand 1985, als Burri ihn nutzte, um sein monumentales Werk Il Grande Cretto zu schaffen. Eines der größten bekannten Werke der Landkunst, Il Grande Cretto, wurde über dem ehemaligen Standort einer zerstörten Stadt errichtet, der Stadt Gibellina auf Sizilien, die 1968 bei einem Erdbeben zerstört wurde. Il Grande Cretto liegt über ihren Ruinen, eine massive Anordnung von Steinformen und Spalten mit einer Fläche von etwa 120.000 Quadratmetern.

Kazimir Malevich - Schwarzes Quadrat, 1915, 80 cm x 80 cm, © Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Ein Erbe der Neuerung

Burri war nicht der einzige Künstler, der nach dem Zweiten Weltkrieg von dieser Art Ästhetik inspiriert wurde. In den 1960er Jahren verwendeten so viele Künstler weggeworfene, scheinbar wertlose Materialien in ihren Werken, dass der Begriff Arte Povera, oder arme Kunst, geprägt wurde, um ihren Stil zu beschreiben. Und der Begriff Art Informel wurde geprägt, um die wilden, expressiven Leinwände zu bezeichnen, die Maler durch Intuition und gefühlsbetontes Handeln schufen. Obwohl Burris Ästhetik ihn sowohl mit Arte Povera als auch mit Art Informel in Verbindung gebracht hat, hatte er einen ganz anderen Grund, diese Ästhetik anzunehmen als die anderen, die ihm folgten.

Arte Povera war eine Reaktion auf etwas anderes, das in der Kunst geschah; es war eine Rückkehr zu einer proletarischen Ästhetik. Art Informel war eine Hinwendung zum persönlichen Ausdruck und zur Kraft, Werke zu schaffen, die etwas Tiefes und Verborgenes im Werk ausdrücken. Was Burri tat, war keine Reaktion gegen etwas anderes. Und in seinem Werk war keine Bedeutung verborgen. Er sagte: „Die Worte bedeuten mir nichts; sie reden um das Bild herum. Was ich auszudrücken habe, erscheint im Bild.“ Dieser einzigartige, selbstbewusste Ansatz zu einer völlig formalen Untersuchung von Materialien, Form und Raum hinterließ ein Beispiel, das etwas Hoffnungsvolles aussagt: Gemälde sind einfach Gemälde. Es ist der Künstler, der ihre Bedeutung bestimmt, und daher sollte der Künstler – das lebendige, atmende, schöpferische Individuum – geschätzt werden.

Titelbild: Alberto Burri - Ferro, 1954, Foto: Guggenheim Museum
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio