Kunst der Begierde - Huguette Caland in Tate St Ives

In diesem Sommer wird die im Libanon geborene Künstlerin Huguette Caland ihre erste Soloausstellung in einem Museum im Vereinigten Königreich im Tate St Ives in Cornwall haben. Geboren 1931 in Beirut, zog Caland 1970 nach Paris, wo sie fast zwei Jahrzehnte lebte und arbeitete. Um diesen Schritt zu wagen, ließ sie ihren Ehemann und ihre drei Kinder in Beirut zurück, eine Entscheidung, die sie sagt, von dem tiefen Wunsch inspiriert wurde, sich als Künstlerin zu definieren, anstatt durch ihre anderen traditionellen weiblichen sozialen Rollen definiert zu werden. Während ihrer Zeit in Paris, angetrieben von einem neu gefundenen Gefühl der Freiheit und einer Empathie mit der aufkommenden feministischen Kunstbewegung, entwickelte sie ihre künstlerischen Methoden drastisch weiter. Sie ließ die reine Figuration hinter sich und entwickelte ihre mittlerweile charakteristische Mischung aus Figuration und Abstraktion, in der abstrakte Formen und Gestalten unerwartet mit Anspielungen auf den nackten menschlichen Körper verschmelzen. In den 1970er und 80er Jahren experimentierte Caland frei und erkundete die Ideen von Schönheit, Erotik und sozialen Tabus, insbesondere in Bezug auf die weibliche Form. Die Ausstellung "Huguette Caland im Tate St Ives" zieht Werke aus dieser entscheidenden Zeit in ihrer Karriere heran und umfasst eine Reihe von Arbeiten, die im Vereinigten Königreich zum ersten Mal gezeigt werden. Sie verspricht, eine definitive Einführung in die Karriere dieser unterrepräsentierten Künstlerin zu bieten. Sie spannt den Bogen über die Bereiche Malerei, Zeichnung und Mode und wird sowohl die Ernsthaftigkeit als auch den Witz ihres Schaffens demonstrieren, während sie das einzigartige Vermögen Calands hervorhebt, modernistische und postmodernistische Ideen zu synthetisieren.

Huguette Caland werden

In einem kürzlichen Interview mit Detroit Public Television beschreibt Caland ihre Entscheidung, Beirut zu verlassen, und den Wunsch, als etwas anderes bekannt zu sein als die Tochter ihres Vaters; die Frau ihres Mannes; die Schwester ihres Bruders; und die Mutter ihrer Kinder. Neben dem üblichen Druck, den solche Bezeichnungen auf eine Künstlerin ausüben, fühlte Caland den zusätzlichen Druck, dass ihr Vater ein ehemaliger Präsident des Libanon war. Sie beschreibt, wie ihre Kindheitsfreunde sie verließen, weil sie Franzosen waren und ihr Vater Teil des Kampfes um die Unabhängigkeit war. "Der Libanon kämpfte um seine Unabhängigkeit", sagt Caland, "aber ich kämpfte um meine." Sie reiste nach Europa und in die Vereinigten Staaten auf der Suche nach künstlerischer Freiheit, aber wichtiger noch, auf der Suche nach sich selbst. Die Menschlichkeit, die durch diesen Prozess zum Vorschein kam, ist in den Arbeiten, die sie in dieser kritischen Zeit schuf, offensichtlich. Ihre Zeichnungen sind erotisch und sinnlich, aber gleichzeitig jugendlich, humorvoll und endlos liebevoll. Auch der globale Einfluss, den sie aufgenommen hat, ist offensichtlich. Ihre zarten Linien rufen die visuelle Sprache der Illustration hervor; ihre Zuckerwattefarben erinnern an das Erbe der Color Field-Künstler wie Helen Frankenthaler und Mark Rothko; ihre primitiven Formen verweisen auf das kindliche Erbe von Art Brut.

Doch die eigenwilligen Methoden, die Caland entwickelt hat, entziehen sich auch jeder direkten Verbindung zu einer vordefinierten Position. Ihre Vision wird stattdessen durch die Nuance definiert, mit der sie das Erkennbare mit dem Unbekannten verbindet. Ein perfekter Vertreter dieser elementaren Kombination ist das Gemälde „Bribes De Corps“ (1973), das in der Tate St Ives Ausstellung zu sehen sein wird. Zwei biomorphe, orangefarbene Formen drängen sich in der Mitte der Leinwand zusammen, umgeben von einem strahlenden, roten Feld, mit einem dünnen Streifen Weiß, der zwischen ihnen bleibt. Das Auge kann nicht anders, als sich vorzustellen, dass dies ein Bild eines offenen Mundes mit herabhängenden Mandeln ist. Dann verwandelt es sich allmählich vielleicht in ein Bild eines menschlichen Aktes, der sich vorbeugt und von hinten gesehen wird. Oder es ist keines von diesen Dingen. Es ist vielleicht eine Darstellung von etwas Abstraktem – ein Bild von Beziehungen; ein Bild von Zusammengehörigkeit; ein Hinweis auf Formen, die sich in einer fremden Landschaft finden und etwas Reines, Neues und Leuchtendes zwischen sich wachsen lassen. Wie auch immer Sie es interpretieren, oder selbst wenn Sie sich entscheiden, sich gar nicht mit der Interpretation zu beschäftigen, das Gemälde ist aufgeladen mit einem Gefühl einfacher, persönlicher Freude und einer tiefen Wertschätzung für kleine Dinge – eine treffende Beschreibung der Person, die Caland fand, als sie sich selbst fand.

Eine liebevolle Umarmung

Ein wesentliches Werk, für das Caland bekannt geworden ist – einige Beispiele davon werden in der Tate St Ives Ausstellung zu sehen sein – sind ihre Kaftans. Ein Kaftan ist eine Art mesopotamischer Robe, die in den Kulturen des Nahen Ostens verbreitet ist. Ab 1979 arbeitete Caland mit dem Modedesigner Pierre Cardin zusammen und schuf eine Kollektion von mehr als 100 Kaftans. Traditionelle Kaftans tendieren zu opulenten Designs, verwenden leuchtende, lebendige Farben und aufwendige, dekorative Muster, ähnlich wie traditionelle Kimonos oder westliche Sommerkleider. Caland entwarf subtile Designs, die auf ihrem einzigartigen visuellen Stil basierten und oft figürliche Elemente aus ihren Gemälden und Zeichnungen einbezogen. Ein Kaftan zeigte die verspielte Umrisslinie einer nackten weiblichen Form auf der Vorder- und Rückseite; ein anderer zeigte eine liebevolle Zeichnung von Armen, die sich sanft um ihn schlingen; ein weiterer zeigte eine lineare Zeichnung eines geteilten Gesichts auf dem Revers.

Wie bei ihren Gemälden und Zeichnungen verschmelzen ihre Kaftane die visuellen Sprachen der Figuration und Abstraktion. Sie zeigen eine Vielzahl von Gesichtern und Körperteilen, die miteinander verschmelzen und sich vor unseren Augen in surrealistische Landschaften voller wölbender Berge und sich verändernder Horizontlinien verwandeln. Wir sind uns nicht sicher, ob wir etwas betrachten, das wir erkennen sollen, oder ob wir in einen abstrakten Spiegel blicken. Sie sind ideale Beispiele für den Sinn für Humor, der Caland in ihrer Arbeit immer geleitet hat – sie auf einer Schneiderpuppe zu betrachten, ist das eine; sich vorzustellen, wie sie an einem menschlichen Träger aussehen, ist etwas ganz anderes. Vom Träger angezogen, schwellen sie zu geschmeidigen, organischen, lebenden Kunstwerken an. Sie amüsieren und erfreuen mit ihrer abstrakten Anmut und verkünden dann langsam, dass sie komplexe Inkarnationen von Weiblichkeit sind, voller Erotik, Mitgefühl und Humor: das Beste, was Caland während ihrer Suche nach sich selbst gefunden hat. Huguette Caland wird vom 24. Mai bis 1. September 2019 in der Tate St Ives zu sehen sein.

Vorschaubild: Huguette Caland- Untitled, 1970. Öl auf Leinen. 54 x 65 cm. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers. Tate St Ives Sammlung.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio