Kunst der Begierde - Huguette Caland in Tate St Ives

Diesen Sommer wird die in Libanon geborene Künstlerin Huguette Caland ihre erste Einzelausstellung in einem Museum im Vereinigten Königreich haben, und zwar in der Tate St Ives in Cornwall. Caland wurde 1931 in Beirut geboren und zog 1970 nach Paris, wo sie fast zwei Jahrzehnte lebte und arbeitete. Für diesen Umzug ließ sie ihren Ehemann und ihre drei Kinder in Beirut zurück, eine Entscheidung, die sie mit dem tiefen Wunsch erklärt, sich selbst als Künstlerin zu definieren, statt durch ihre anderen traditionellen weiblichen sozialen Rollen definiert zu werden. Während ihres Aufenthalts in Paris entwickelte sie, angetrieben von einem neu gewonnenen Freiheitsgefühl und einer Empathie für die aufkommende feministische Kunstbewegung, ihre künstlerischen Methoden grundlegend weiter. Sie verließ die reine Figuration und entwickelte ihre heute charakteristische Mischung aus Figuration und Abstraktion, in der abstrakte Formen und Gestalten unerwartet mit Anspielungen auf den nackten menschlichen Körper verschmelzen. In den 1970er und 80er Jahren experimentierte Caland frei und erforschte die Themen Schönheit, Erotik und gesellschaftliche Tabus, besonders in Bezug auf die weibliche Gestalt. Die Ausstellung Huguette Caland in der Tate St Ives zeigt Werke aus dieser entscheidenden Phase ihrer Karriere, darunter mehrere Arbeiten, die erstmals im Vereinigten Königreich gezeigt werden, und verspricht eine umfassende Einführung in das Schaffen dieser bislang wenig beachteten Künstlerin. Sie umfasst Malerei, Zeichnung und Mode und zeigt sowohl die Ernsthaftigkeit als auch den Witz ihres Werks, während sie Calands einzigartige Fähigkeit hervorhebt, modernistische und postmodernistische Ideen zu verbinden.

Wie Huguette Caland wurde

In einem kürzlichen Interview mit Detroit Public Television beschreibt Caland ihre Entscheidung, Beirut zu verlassen, mit dem Wunsch, als etwas anderes bekannt zu sein als die Tochter ihres Vaters, die Ehefrau ihres Mannes, die Schwester ihres Bruders und die Mutter ihrer Kinder. Neben dem üblichen Druck, den solche Bezeichnungen auf eine weibliche Künstlerin ausüben, fühlte Caland den zusätzlichen Druck, da ihr Vater ein ehemaliger Präsident des Libanon war. Sie erzählt, wie ihre Kindheitsfreunde sie verließen, weil sie Franzosen waren und ihr Vater Teil des Unabhängigkeitskampfes war. „Der Libanon kämpfte für seine Unabhängigkeit“, sagt Caland, „aber ich kämpfte für meine eigene.“ Sie reiste nach Europa und in die Vereinigten Staaten auf der Suche nach künstlerischer Freiheit, aber noch wichtiger auf der Suche nach sich selbst. Die Menschlichkeit, die in diesem Prozess zum Vorschein kam, zeigt sich deutlich in den Werken, die sie in dieser kritischen Zeit schuf. Ihre Zeichnungen sind erotisch und sinnlich, zugleich jugendlich, humorvoll und voller Liebe. Ebenso deutlich ist der weltweite Einfluss, den sie aufnahm. Ihre zarten Linien erinnern an die Bildsprache der Illustration; ihre Zuckerwattefarben rufen das Erbe der Color-Field-Künstler wie Helen Frankenthaler und Mark Rothko wach; ihre primitiven Formen verweisen auf das kindliche Erbe des Art Brut.

Doch die eigentümlichen Methoden, die Caland entwickelte, lassen sich auch keiner vorgefertigten Richtung direkt zuordnen. Ihre Vision wird vielmehr durch die Nuancen bestimmt, mit denen sie das Erkennbare mit dem Unbekannten verbindet. Ein perfektes Beispiel für diese grundlegende Verbindung ist das Gemälde „Bribes De Corps“ (1973), das in der Tate St Ives Ausstellung zu sehen sein wird. Zwei biomorphe, orangefarbene Formen schmiegen sich in der Mitte der Leinwand zusammen, umgeben von einem strahlenden roten Feld, mit einem dünnen weißen Spalt dazwischen. Das Auge kann nicht anders, als darin einen offenen Mund mit herabhängenden Mandeln zu sehen. Dann verwandelt sich das Bild allmählich vielleicht in eine Darstellung eines nackten Menschen, der sich nach vorne beugt und von hinten gesehen wird. Oder es ist keines von beidem. Vielleicht ist es eine Darstellung von etwas Abstraktem – ein Bild von Beziehungen; ein Bild des Zusammenseins; ein Hinweis darauf, wie Formen sich in einer fremden Landschaft finden und etwas Reines, Neues und Leuchtendes zwischen ihnen wächst. Wie auch immer man es interpretiert, oder selbst wenn man sich nicht die Mühe macht, es zu interpretieren, ist das Gemälde erfüllt von einem Gefühl einfachen, persönlichen Vergnügens und einer tiefen Wertschätzung für kleine Dinge – eine treffende Beschreibung der Person, die Caland fand, als sie sich selbst fand.

Eine liebevolle Umarmung

Ein wesentliches Werk, für das Caland bekannt wurde – von dem einige Beispiele in der Tate St Ives Ausstellung zu sehen sein werden – sind ihre Kaftane. Ein Kaftan ist eine Art mesopotamischer Mantel, der in den Kulturen des Nahen Ostens verbreitet ist. Ab 1979 arbeitete Caland mit dem Modedesigner Pierre Cardin zusammen und entwarf eine Kollektion von mehr als 100 Kaftanen. Traditionelle Kaftane neigen zu prunkvollen, leuchtenden Farben und aufwendigen, dekorativen Mustern, ähnlich wie traditionelle Kimonos oder westliche Sommerkleider. Caland schuf subtile Designs, die auf ihrem einzigartigen Bildstil basieren und oft figürliche Elemente aus ihren Gemälden und Zeichnungen einbeziehen. Ein Kaftan zeigte die verspielte Umrisslinie einer nackten weiblichen Gestalt auf Vorder- und Rückseite; ein anderer zeigte eine liebevolle Zeichnung von Armen, die sich sanft umschlingen; ein weiterer zeigte eine lineare Zeichnung eines gespaltenen Gesichts am Revers.

Wie bei ihren Gemälden und Zeichnungen verbinden ihre Kaftane die Bildsprachen von Figuration und Abstraktion. Sie zeigen eine Vielzahl von Gesichtern und Körperteilen, die miteinander verschmelzen und sich vor unseren Augen in surreale Landschaften verwandeln, voller wulstiger Berge und sich verändernder Horizontlinien. Wir sind uns nicht sicher, ob wir etwas erkennen sollen oder ob wir in einen abstrakten Spiegel blicken. Sie sind ideale Beispiele für den Humor, der Caland stets in ihrer Arbeit leitete – sie an einer Schaufensterpuppe zu sehen ist das eine; sich vorzustellen, wie sie ein Mensch trägt, etwas ganz anderes. Am Körper getragen, entfalten sie sich zu geschmeidigen, organischen, lebendigen Kunstwerken. Sie amüsieren und erfreuen mit ihrer abstrakten Anmut und offenbaren sich langsam als komplexe Verkörperungen von Weiblichkeit, voller Erotik, Mitgefühl und Humor: das Beste, was Caland auf ihrer Suche nach sich selbst gefunden hat. Huguette Caland wird vom 24. Mai bis 1. September 2019 in der Tate St Ives zu sehen sein.

Abgebildetes Bild: Huguette Caland – Ohne Titel, 1970. Öl auf Leinen. 54 x 65 cm. Leihgabe der Künstlerin. Tate St Ives Sammlung.
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio