Günther Förg und die zerbrechliche Schönheit der rebellischen Kunst

Dieses Jahr jährt sich zum fünften Mal der Tod des deutschen Künstlers Günther Förg. Aus diesem Anlass hat das Stedelijk Museum Amsterdam eine umfassende Übersicht über sein gesamtes Schaffen unter dem Titel Günther Förg: Eine zerbrechliche Schönheit organisiert, die bis zum 14. Oktober 2018 zu sehen ist. Die Ausstellung beleuchtet mehrere unterschiedliche Interessensgebiete, denen Förg im Verlauf seiner dreißigjährigen Laufbahn nachging, und zeigt Werke aus mindestens acht völlig eigenständigen Werkgruppen. Wie in dieser Schau sofort ersichtlich ist, war Förg das, was man heute einen vielseitigen Künstler nennen würde. Doch er selbst sah sich nie so. Er hielt es für sinnlos, sich auf die Unterschiede zwischen den verschiedenen Medien zu versteifen. Er nannte sich einfach Künstler. Er gab sogar zu, dass der einzige Grund, warum er von einem Medium zum anderen wechselte, der einfache Wunsch war, sich selbst beim Arbeiten interessiert zu halten – er brauchte ab und zu eine Abwechslung, um nicht gelangweilt zu werden. Doch zu Lebzeiten wurde seine vielseitige Arbeitsweise von Kritikern oft missverstanden. Weil er mehrere Medien einsetzte, nahm man an, Förg wolle die Grenzen jedes einzelnen kritisieren. Er wurde in eine Generation von postmodernen Künstlern eingeordnet, die mit einem multidisziplinären Ansatz die etablierten Kunstbegriffe herausforderten. Außerdem, weil seine Arbeiten ästhetische Tendenzen der Vergangenheit aufgriffen, vermuteten Kritiker, er wolle ironisch auf den Modernismus oder die Kunstgeschichte im Allgemeinen anspielen. Was sie an ihm missverstanden, und was diese Übersicht ausführlich zu zeigen versucht, ist, dass Förg gar nicht ironisch oder kritisch sein wollte. Er war kein Postmodernist. Er war ein neugieriger, aufrichtiger Künstler, dessen Denken viel tiefer ging, als man ihm je zugestand, und sein offener Zugang zur Kunstschaffung begründete ein Erbe, das bis heute nicht vollständig verstanden ist.

Eine rebellische Kunst

Förg wird oft als rebellischer Künstler bezeichnet, aus mehreren Gründen. Zunächst wegen der groben Art seiner Pinselstriche. Seine Technik wurde von einigen Kritikern, besonders in Amerika, als faul oder schlampig bezeichnet, die alles, was schnell entstand, als sarkastisch oder simpel missverstehen. Zweitens gilt Förg als Rebell, weil viele seiner verschiedenen Werkgruppen auf die Arbeiten anderer berühmter Künstler Bezug zu nehmen scheinen. So schuf er Gemälde, die an die Reißverschluss-Bilder von Barnett Newman, die Farbflächenbilder von Mark Rothko und die zerfetzten Abstraktionen von Clyfford Still erinnern. Und schließlich gilt er als Rebell wegen des Inhalts, den manche Kritiker in seinen Fotografien sehen, von denen die bekanntesten die zerfallenden zeitgenössischen Überreste früher moderner Architektur zeigen.

Günther Förg Eine zerbrechliche Schönheit, Installationsansicht, 2018, Stedelijk Museum Amsterdam. Foto: Gert Jan van Rooij

Und auch wenn es tatsächlich zutreffen mag, dass Förg ein Rebell war, dann nicht aus den Gründen, die die Kritiker annahmen. Zu Lebzeiten teilte er seine aufrichtigen Beweggründe für seine Arbeitsweise mit. Sein schneller, gestischer Malstil war einfach ein Versuch, so wenig wie möglich an seinen Flächen zu verändern, damit die Materialien, auf denen er malte, ihre eigene unverwechselbare Persönlichkeit ausdrücken konnten. Wann immer er die Gemälde moderner Meister wie Newman, Rothko und Still nachahmte, erforschte er, was es an deren reifen Stimmen war, das ihn so sehr anzog. Er kopierte oder verspottete sie nicht – vielmehr versuchte er, ihre Vision auf das Wesentliche zu reduzieren, um sie auf einer unmittelbaren, persönlichen Ebene zu verstehen. Und wenn er jene alten modernen Gebäude fotografierte, kommentierte er, wie ein Kritiker meinte, nicht die zerfallenden Werte des Modernismus. Er nutzte, wie er sagte, die „Fotografie als emotionales Mittel“. Er mochte das Aussehen dieser Gebäude. Er hielt sie für gute Architektur. Er fotografierte sie genau so, wie sie in jenem Moment waren. Das war keine Kritik oder Ironie. Es war viel direkter.

Günther Förg Eine zerbrechliche Schönheit, Installationsansicht, 2018, Stedelijk Museum Amsterdam. Foto: Gert Jan van Rooij

Zerbrechliches Verstehen

Das Wichtigste an Günther Förg: Eine zerbrechliche Schönheit ist, dass die Ausstellung frühere Versuche, diesen Künstler zu schmälern, ignoriert und stattdessen jede einfache Deutung seines Werks willentlich erschwert. Sie zeigt seine Arbeiten im richtigen Zusammenhang, so wie er sie selbst gezeigt hätte. Seine Architekturaufnahmen sind hoch an der Wand angebracht, sodass die Betrachter die Bilder aus extremer Perspektive von unten ansehen können, wodurch in der Galerie dasselbe Gefühl von Maßstab, Raum und emotionaler Ehrfurcht entsteht, das der Fotograf beim Aufnehmen empfand. Seine abstrakten Gemälde, die einzeln betrachtet wie schlampige Nachahmungen der Werke seiner modernen Vorgänger wirken könnten, werden zusammen in monumentaler Weise gezeigt, was ihnen die selbstbewusste Präsenz verleiht, als die maßgeblichen ästhetischen Aussagen wahrgenommen zu werden, die sie tatsächlich sind. Seine skulpturalen Masken sind so ausgestellt, dass sie ihre Hauptanliegen – Materialität und Experimentierfreude – ausdrücken können, was den Betrachtern hoffentlich verdeutlicht, dass dies die beiden wichtigsten Triebfedern waren, die fast alles inspirierten, was Förg schuf.

Günther Förg Eine zerbrechliche Schönheit, Installationsansicht, 2018, Stedelijk Museum Amsterdam. Foto: Gert Jan van Rooij

Natürlich lassen wir bei der Deutung der Vergangenheit unweigerlich auch Spiegelungen unserer eigenen Welt in unser Verständnis der vergangenen Welt einfließen. Und es ist nur natürlich, die Gegenwart durch eine Art „kreatives Missverstehen“ zu interpretieren, oft indem man sie vereinfacht, um einzuordnen, wo man selbst darin steht. Förg verfolgte diese Vorstellung auf seine eigene eigentümliche Weise und zeigte uns dadurch, wie wichtig es ist, das, was jetzt existiert, einfach und aufrichtig für das zu schätzen, was es tatsächlich ist. Wenn wir auf das vielfältige Werk zurückblicken, das er hinterließ, ist es wichtig, sich daran zu erinnern, wie er die Flächen, Medien und Techniken behandelte, die sein Schaffen prägten. Statt sein Erbe zu überdenken oder eigene Schichten darüber zu legen, wie die Aluminium- oder Bleiflächen, auf denen er malte, müssen wir, wie er sagte, nur „die kleinste Eingriff“ vornehmen, damit die natürliche Schönheit des Materials durchscheinen kann.

Titelbild: Günther Förg Eine zerbrechliche Schönheit, Installationsansicht, 2018, Stedelijk Museum Amsterdam. Foto: Gert Jan van Rooij

Von Phillip Barcio