Wie Ken Kelleher öffentliche Räume digital mit abstrakter Kunst neu gestaltet

Ken Kelleher ist einer der meist missverstandenen Künstler unserer Zeit. Die meisten Menschen, die behaupten, Fans seiner Arbeit zu sein, scheinen nicht einmal genau zu wissen, was er eigentlich macht. Als Bildhauer an der Alfred University in New York ausgebildet, erwarb Kelleher seine technischen Fähigkeiten in einer Gießerei im Norden des Bundesstaates, wo er Bronzegüsse für Künstler wie Anthony Caro und William Tucker fertigstellte. Doch sein wahres Talent liegt im Bereich des digitalen Designs, in dem er 20 Jahre tätig war, bevor er seine eigene bildhauerische Praxis begann. Ein großer Teil seines aktuellen Schaffens besteht aus digitalen Darstellungen imaginärer, großformatiger abstrakter Skulpturen, die er dann in Fotografien realer öffentlicher Räume einfügt. Diese digitalen Darstellungen sind so unheimlich realistisch, dass man ihnen glauben könnte, die Skulpturen existierten tatsächlich. Die überwiegende Mehrheit der Artikel, die über Kelleher geschrieben wurden, bezeichnet ihn sogar als „digitalen Künstler“ und konzentriert sich ausschließlich auf seine Darstellungen, als wären sie die fertigen Kunstwerke. Kelleher jedoch beklagt diese Beschreibung. Er sagt: „Manche Artikel lassen es so klingen, als seien die Darstellungen, die ich mache, die Kunst, aber in Wirklichkeit sind die Entwürfe, die ich anfertige, dazu gedacht, gebaut zu werden.“ Kelleher verfügt über ein großes Atelier auf seinem Grundstück, in dem er mit verschiedenen Materialien arbeitet, darunter Holz, Fiberglas, Kunststoff und Stahl. Er gibt an, mit mehreren Herstellern und Stadtplanern zusammenzuarbeiten, um einige seiner imaginären Kreationen Wirklichkeit werden zu lassen, doch das Problem ist, dass die meisten Formen, die er sich vorstellt, entweder so monumental, so komplex oder beides sind, dass ihre Herstellung eine herkulische Anstrengung mit unbegrenzten Mitteln erfordern würde. Trotz der beeindruckenden Wirkung der Darstellungen sind die meisten seiner Skulpturen bisher nicht gebaut worden und werden es vielleicht auch nie sein. Darin liegt seine Frustration. Kelleher möchte, dass wir die fantastischen Objekte seiner Vorstellung erleben, doch die menschliche Welt, der wir angehören, ist noch nicht bereit, sich mit der posthumanen Fantasie, aus der sie stammen, zu verbinden.

Kunsterlebnis vs. Nutzererlebnis

Eine Hürde, die manche Menschen daran hindert, Kellehers Arbeit zu verstehen, hängt mit der Frage zusammen, ob er Künstler oder Gestalter ist. Wir können seine Arbeit mit der Sprache beider Bereiche beschreiben. In der Sprache der zeitgenössischen Kunst könnten wir etwa Folgendes sagen: Kelleher hat eine Praxis, die von Vorstellungen der Postmoderne, Interdisziplinarität und Ortsgestaltung geprägt ist. Seine Bildsprache ist beeinflusst von einer Mischung mehrerer modernistischer ästhetischer Positionen, darunter Biomorphismus, Abstrakter Expressionismus, Geometrische Abstraktion, Kinetische Kunst und Pop Art. Er erforscht die formalen Aspekte dieser Positionen durch verschiedene Materialien und Methoden und setzt seine Werke dann in öffentlichen Räumen ein – entweder digital oder idealerweise in der realen Welt –, wo sie als soziale Eingriffe fungieren, öffentliche Räume verwandeln und die Verbindung zwischen Menschen und ihrer gebauten Umwelt stärken.

Ken Kelleher - Asterix - Studiogröße. © 2019 Ken Kelleher Studios

In der Sprache des zeitgenössischen Gestaltungsbereichs könnten wir seine Arbeit eher so beschreiben: Kelleher hat eine Marke entwickelt, die auf der Mobilisierung von Nutzererlebnis-(UX-)Designstrategien basiert, um seine öffentlichen Kunstprodukte von der virtuellen Realität (VR) in öffentliche, private und geschäftliche Räume im wirklichen Leben (IRL) zu erweitern. Die meisten seiner Produkte existieren jedoch nur in der VR, doch in Zusammenarbeit mit verschiedenen Spezialherstellern können einige seiner Produkte möglicherweise im wirklichen Leben auf den Markt gebracht werden. Gleichzeitig experimentiert Kelleher in Zusammenarbeit mit Firmen für erweiterte Realität (AR) wie Look Mister mit der Möglichkeit, dass verschiedene Produkte, die als zu monumental, teuer oder komplex gelten, um im wirklichen Leben zu existieren, durch AR-Technologie in öffentlichen Räumen erscheinen können, wodurch das Nutzererlebnis derjenigen verbessert wird, die Zugang zu AR-Technologie haben.

Ken Kelleher - Circle Wing (Tradewinds). © 2019 Ken Kelleher Studios

Posthuman vs. Sehrmenschlich

Der Unterschied zwischen der Beschreibung Kellehers mit Kunstsprache und der Beschreibung mit Gestaltungssprache scheint auf das Maß an Menschlichkeit zurückzuführen zu sein, das jede dieser beiden Sprachen vermittelt. Die Gestaltungssprache wirkt entschieden posthuman. Sie reduziert Menschen auf „Nutzer“ und macht die Trennung zwischen denen, die Zugang zu digitaler Technologie haben, und denen, die keinen haben, deutlich. Wenn wir über Kelleher mit diesem Vokabular sprechen oder nur seine digitalen Entwürfe betrachten, entmenschlichen wir seine Praxis und stellen ihn als rein posthumanen Künstler dar, der nur für diejenigen arbeitet, die über das technische Wissen verfügen, sie zu genießen. Die Kunstsprache ist hoffnungsvoller. Sie mag etwas akademisch klingen, legt aber den Schwerpunkt auf die Menschlichkeit der Arbeit. Sie spricht über die Beziehungen, die Kelleher zwischen Menschen, Gegenständen und den Räumen, die sie bewohnen, schaffen will. Das Kunstvokabular ordnet Kelleher eher der Gemeinschaft dessen zu, was ich sehrmenschliche Menschen nenne – Menschen, die von menschlichen Empfindungen geleitet sind und eine Zukunft schaffen wollen, die den Menschen als Teil der Natur und nicht als Behälter für Technologie in den Vordergrund stellt.

Ken Kelleher - Becoming. © 2019 Ken Kelleher Studios

Ich stelle mir Kelleher lieber als sehrmenschlichen Künstler vor, der in seinem Nebengebäude arbeitet wie Alexander Calder, umgeben von Zeichnungen und Modellen fantastischer Kunstwerke, die er tatsächlich aus Materialien wie Holz, Stahl und Fiberglas bauen möchte. In diesem Szenario steht ein Computer im Raum, doch er ist nur ein Werkzeug, um zum endgültigen Objekt zu gelangen – jenem nutzlosen, schönen, geheimnisvollen Ding, das in der wirklichen Zeit und im Raum existieren wird. Dennoch verstehe ich auch, warum Kelleher von den Posthumanen gefeiert wird. Sie sind verständlicherweise beeindruckt von seinen digitalen Designfähigkeiten auf höchstem Niveau. Die Frage ist, wie Kelleher sich selbst wirklich sieht. Auf seiner Webseite bemüht er sich, Besucher zu gewinnen, die ihm helfen, seine erdachten Werke Wirklichkeit werden zu lassen, doch gleichzeitig postet er in den sozialen Medien jedes Mal, wenn er eine neue digitale Darstellung oder ein VR-Video erstellt. Wenn er wirklich mit der sehrmenschlichen Beschäftigung des Schaffens sympathisiert, sollte er vielleicht mehr Raum für seine tatsächlichen Objekte reservieren; denn je tiefer er in das Kaninchenloch von UX, VR und AR eintaucht, desto mehr scheint Kelleher sich selbst am meisten misszuverstehen.

Titelbild: Ken Kelleher - Aspire. © 2019 Ken Kelleher Studios
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio