Wie lateinamerikanische Künstler unsere Wahrnehmung von moderner Kunst verändert haben

Ein neues Buch von Alexander Alberro, Professor für Kunstgeschichte und Abteilungsleiter am Barnard College, bietet Einblicke in die globale Entwicklung der abstrakten Kunst im 20. Jahrhundert. Mit dem Titel Abstraktion in Umkehr: Der rekonfigurierte Zuschauer in der Mitte-des zwanzigsten-Jahrhunderts lateinamerikanische Kunst untersucht das Buch, wie lateinamerikanische Künstler ab den 1940er Jahren den europäischen Modernismus konsumierten und darauf reagierten. Insbesondere betrachtet Alberro die Werke wichtiger lateinamerikanischer Künstler wie Jesús Rafael Soto, Julio Le Parc und Tomás Maldonado im Kontext, wie diese Künstler von den Philosophien der europäischen Kunstbewegung, die als Konkrete Kunst bekannt ist, beeinflusst wurden. Das Wesen der Konkreten Kunst besteht darin, dass ästhetische Phänomene direkt aus dem Geist des Künstlers kommen sollten und nicht auf der natürlichen Welt basieren. Konkrete Kunst fordert die Verwendung von reinen, universellen Elementen wie Ebenen, Formen, Linien und Farben sowie die Eliminierung von Sentimentalität, Drama, Erzählung und Symbolik. Grundsätzlich bezieht sich die Konkrete Kunst nur auf sich selbst. Die Philosophien des Konkreten waren für lateinamerikanische Künstler der Mitte des 20. Jahrhunderts ansprechend, die nach Wegen suchten, auf ihre sich schnell globalisierende Kultur zu reagieren. Konkrete Kunst bot eine Strategie, um alle Menschen unabhängig von Nationalität, Rasse, Geschlecht oder anderen künstlichen Differenzierungen zu verbinden. Aber wie Alberro in seinem Buch erklärt, kopierten die lateinamerikanischen Künstler der Mitte des 20. Jahrhunderts nicht einfach die Werke europäischer Konkreter Künstler. Sie nahmen die grundlegenden Ideen der Konkreten Kunst und verwandelten sie in etwas weit Komplexeres. Als sie sich zu dem entwickelten, was Alberro als post-konkrete Künstler bezeichnet, entwickelten diese Künstler eine ästhetische Sichtweise, die die Art und Weise, wie Kunst definiert wird, grundlegend veränderte und weiterhin beeinflusst, wie wir die Rolle der Kunst in unserem täglichen Leben heute verstehen.

Produktive Missverständnisse

Heute nehmen wir es als selbstverständlich hin, wie einfach wir über das Internet auf Bilder aus der ganzen Welt zugreifen können und wie leicht es ist, detaillierte Beschreibungen und Interpretationen der Werke von Künstlern zu erhalten, wo auch immer sie leben. Aber wie Alberro darauf hinweist, hatten Künstler in Lateinamerika in den 1940er Jahren große Schwierigkeiten, Informationen über die Kunst zu erhalten, die an anderen Orten geschaffen wurde. Alberro erklärt, dass die lateinamerikanischen Künstler beim Versuch, den europäischen Modernismus zu studieren, tatsächlich nur Schwarz-Weiß-Kopien von Bildern von Kunstwerken hatten. Dieser eingeschränkte Zugang führte zu dem, was er "produktive Fehlinterpretationen" nennt. Zum Beispiel erwähnt Alberro eine Anekdote über den Künstler Jesus Rafael Soto, in der er sagt: „When Soto schließlich einen Mondrian sah, wurde ihm klar, dass er alles falsch verstanden hatte.”

Farbe ist ein wesentliches Element der Arbeiten von Piet Mondrian, aber in einem Schwarz-Weiß-Bild geht dieses essentielle Element offensichtlich verloren. Und die schlechte Qualität der Reproduktionen, die Soto sehen konnte, ließ auch die Oberflächenstruktur europäischer modernistischer Malereien völlig glatt erscheinen. Aber während diese Missverständnisse Soto und andere lateinamerikanische Künstler daran hinderten, die wahren ästhetischen Absichten von Künstlern wie Mondrian zu erfassen, führten sie auch dazu, dass sie ihre eigene Interpretation der Potenziale entwickelten, die in ihrer Arbeit offenbart wurden. Sie interpretierten eine begrenzte Farbpalette und glatte Oberflächen als Aussagen wahrer Modernität, gereinigt durch Vereinfachung. Und trotz ihrer Missverständnisse erfassten sie das wesentlichste Element der Konkreten Kunst: dass ein Kunstwerk seine eigene Logik besitzt, die erfasst werden kann, ohne sie mit irgendwelchen a priori Interpretationen von Bedeutung in Verbindung bringen zu müssen.

Tomas Maldonado - Anti-Körper Zylinder, 2006 (links) und Untitled (rechts), © Tomas Maldonado

Jenseits des Konkretismus

Die Idee der Bedeutung war von größter Wichtigkeit für die lateinamerikanischen Post-Concrete-Künstler. In der Vergangenheit war die häufigste Art, Kunst zu konzipieren, darüber nachzudenken, dass Künstler etwas im Voraus in einem Studio schaffen und dieses Kunstobjekt später an einem besonderen Ort ausstellen, wo die Betrachter es betrachten konnten. Der Künstler war ein Schöpfer eines Objekts, und dieses Objekt war mit Bedeutung durchdrungen, während es geschaffen wurde, und diese Bedeutung war untrennbar mit dem Ort, der Zeit und den Umständen verbunden, unter denen das Kunstwerk geschaffen wurde. Die Betrachter waren daher in ihrer Bedeutung dem Kunstwerk untergeordnet. Trotz aller persönlichen Interpretationen, die sie beim Betrachten der Kunst anbieten mögen, waren sie letztendlich immer gezwungen, die vom Künstler oder von offiziellen Vertretern wie Kritikern, Historikern oder Akademikern vorgebrachte Interpretation zu akzeptieren. Und selbst die Concrete Art, trotz ihres modernen Ansatzes, umarmte immer noch die Idee von Künstlern als Objektmachern und Betrachtern als Objektbetrachtern.

Aber laut Alberro haben die lateinamerikanischen Post-Concrete-Künstler diese Idee auf den Kopf gestellt. Sie wiesen die Vorstellung zurück, dass die Bedeutung eines Kunstwerks vor seiner Ausstellung in das Werk eingeflossen ist. Sie stellten sich vor, dass die Schaffung eines Kunstwerks vielleicht nur der erste Schritt zur Erfahrung von Bedeutung ist, die letztendlich aus seiner Existenz resultieren kann. Um diesen philosophischen Wandel zu beschreiben, prägte Alberro den Begriff "ästhetisches Feld". Er beschreibt das ästhetische Feld als die Umstände, unter denen ein Kunstwerk und ein Zuschauer zusammenkommen. Das ästhetische Feld umfasst einen physischen Raum, wie eine Galerie oder einen öffentlichen Platz; die Bedingungen innerhalb dieses Raums, wie die Beleuchtung, das Klima oder der Umgebungsgeräusch; das Kunstwerk selbst sowie den Zuschauer; und es umfasst auch die dreidimensionale und vierdimensionale Realität, was bedeutet, dass es nicht nur feste Objekte im Raum, sondern auch die Erfahrungen und Beziehungen umfasst, die sich zwischen diesen Objekten im Laufe der Zeit abspielen.

Julo Le Parc - Alchimia, 1997, Acryl auf Papier, 22 4/5 × 31 1/2 Zoll, 58 × 80 cm, Foto Credits Galeria Nara Roesler

Der Stoff der Welt

Mit anderen Worten argumentiert Alberro, dass die lateinamerikanischen post-konkreten Künstler, indem sie das Kunstwerk als nur ein Element einer dynamischen Erfahrung betrachten, die im ästhetischen Feld stattfindet, die Kunst wieder in die menschliche Gesellschaft reintegrierten. Anstatt dass die Betrachter über die Bedeutung eines Kunstwerks nachdenken, konnten sie nun mit dem Kunstwerk zusammenarbeiten, um eine Bedeutung zu konstruieren, die flexibel und vergänglich ist. Und anstatt dass ein Kunstwerk als vordefiniertes Objekt für sich allein existiert, könnten Situationen geschaffen werden, in denen ein Kunstwerk einfach ein Element des größeren Gewebes der sich entfaltenden Realität ist. Natürlich kann das Kunstwerk immer noch seine eigenen definierten Aspekte haben, wie eine bestimmte Anordnung von Formen oder Farben, aber diese Aspekte könnten nun je nach Wahrnehmung durch die Zuschauer im ästhetischen Feld ein wechselndes Maß an Bedeutung haben.

Das sich verändernde System der Beziehungen zwischen Kunstobjekten und Betrachtern bedeutete, dass jedes Werk der post-konkreten Kunst als ein dynamisches, kinetisches Element einer größeren sozialen Erfahrung definiert werden konnte, die Vorrang vor dem Kunstwerk selbst hat. Ein zentrales Beispiel, das Alberro anführt, ist der Künstler Jesus Rafael Soto, der diese Evolution des Denkens demonstrierte. Jeder, der mit den Penetrables vertraut ist, die Soto in der reifen Phase seiner Karriere schuf, wird sicherlich verstehen, warum. Soto konstruierte seine Penetrables aus einer Vielzahl hängender Plastikdrähte. Durch das Färben von Teilen der Drähte konnte er den Eindruck einer festen Form erwecken, die im Raum schwebt. Aber anstatt einfach ein Penetrable zu bewundern und zu betrachten, werden die Betrachter ermutigt, in den Dschungel der Drähte zu gehen, die Drähte in Bewegung zu setzen und die Illusion eines festen Objekts zu zerstören. Jeder Betrachter erlebt eine Reihe von Empfindungen über das Visuelle hinaus, wie Berührung, Geruch und Gehör. Die persönliche Erfahrung, die jeder Betrachter mit einem Penetrable hat, führt diesen Betrachter zu einem einzigartigen empirischen Urteil über die Bedeutung des Werkes – eine Bedeutung, die das Werk übersteigt und zur größeren Erfahrung des Lebens spricht, die dieser Betrachter macht.

Jesus Rafael Soto - Courbes Immaterielles, 1982, Holz und Aluminium, 98 2/5 × 196 9/10 Zoll, 250 × 500 cm, Foto Credits La Patinoire Royale, Brüssel

Das Nach-Beton-Erbe

Neben der Beleuchtung eines unterschätzten Aspekts der Geschichte der modernen Kunst bietet Abstraktion in umgekehrter Richtung auch ein besseres Verständnis einer zeitgenössischen Debatte über die Funktion von Kunst in der Gesellschaft. Das heißt, es gibt wirklich keine allgemeine Einigung darüber, was die Funktion von Kunst ist oder ob sie tatsächlich eine einzigartige Funktion hat. Politiker argumentieren, dass Kunstbildung keine quantifizierbaren Vorteile hat. In der Zwischenzeit gedeiht der Kunstmarkt und wird gleichzeitig dafür kritisiert, den rasant steigenden kommerziellen Wert von Kunst zu priorisieren. Die Mainstream-Kunstkritik hat sich auf wenig mehr als eine Reihe von entweder herabsetzenden Kommentaren oder übertriebenen Lobeshymnen reduziert, die auf nichts als den persönlichen Vorlieben der Kunstschreiber basieren. In der Zwischenzeit scheint niemand bereit oder in der Lage zu sein, den universellen Wert ästhetischer Phänomene im weiteren Kontext unserer Zeit zu artikulieren.

Vielleicht ist Kunst nicht einzigartig in ihrer vermeintlichen Funktion als Anbieter von Bedeutung. Schließlich, wenn die Bedeutung und der Zweck eines Kunstwerks von Zuschauern im ästhetischen Feld bestimmt werden, bedeutet das, dass ein Kunstwerk durch ein anderes Kunstwerk ersetzt werden kann, ohne dass das Gesamterlebnis beeinträchtigt wird. Könnte in diesem Sinne das Kunstwerk durch ein Fußballspiel, ein Feuerwerk oder eine politische Rede ersetzt werden? Wäre das Endergebnis des Zuschauers, der Bedeutung konstruiert, dasselbe? Was dieses Buch aufschlussreich vorschlägt, ist, dass die lateinamerikanischen post-konkreten Künstler etwas erblickten, das wir erst fast ein Jahrhundert später vollständig zu verstehen beginnen: dass Kunst bei der Konstruktion eines ästhetischen Phänomens helfen kann, aber es ist höchstwahrscheinlich die gemeinsame soziale Erfahrung von Menschen, die zusammenkommen, um dieses ästhetische Phänomen zu teilen, die zur Konstruktion von Bedeutung führt, nicht die Kunst selbst.

Julio Le Parc - Trennwand mit reflektierenden Lamellen, 1966-2005, Stahl, Holz, Licht, 90 3/5 × 103 9/10 × 31 1/2 Zoll, 230 × 264 × 80 cm, Foto Credits Galeria Nara Roesler

Titelbild: Jesus Rafael Soto - Vibrationen, 1967, Siebdruck auf Plexiglas, Acryl, 11 3/5 × 16 1/2 × 3 1/10 Zoll, 29,5 × 42 × 8 cm, Foto Credits Galerie Hans Mayer, Düsseldorf

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.

Von Phillip Barcio