Wie lateinamerikanische Künstler unsere Wahrnehmung von moderner Kunst verändert haben

Ein neues Buch von Alexander Alberro, Professor für Kunstgeschichte und Abteilungsleiter am Barnard College, bietet Einblicke in die weltweite Entwicklung der abstrakten Kunst im 20. Jahrhundert. Mit dem Titel Abstraktion in Umkehr: Der neu gestaltete Betrachter in der Mitte-des zwanzigsten-Jahrhunderts lateinamerikanischer Kunst untersucht das Buch, wie lateinamerikanische Künstler ab den 1940er Jahren den europäischen Modernismus aufnahmen und darauf reagierten. Insbesondere betrachtet Alberro die Werke bedeutender lateinamerikanischer Künstler wie Jesús Rafael Soto, Julio Le Parc und Tomás Maldonado im Zusammenhang damit, wie diese Künstler von den Philosophien der europäischen Kunstbewegung, bekannt als Konkrete Kunst, beeinflusst wurden. Das Wesen der Konkreten Kunst besteht darin, dass ästhetische Phänomene direkt aus dem Geist des Künstlers hervorgehen sollen und nicht auf der natürlichen Welt basieren. Die Konkrete Kunst fordert die Verwendung reiner, universeller Elemente wie Flächen, Formen, Linien und Farben sowie die Beseitigung von Sentimentalität, Dramatik, Erzählung und Symbolik. Im Grunde bezieht sich die Konkrete Kunst nur auf sich selbst. Die Philosophien des Konkretionismus waren für die lateinamerikanischen Künstler der Mitte des 20. Jahrhunderts ansprechend, die nach Wegen suchten, auf ihre sich rasch globalisierende Kultur zu reagieren. Die Konkrete Kunst bot eine Strategie, um alle Menschen unabhängig von Nationalität, Rasse, Geschlecht oder anderen künstlichen Unterscheidungen zu verbinden. Doch wie Alberro in seinem Buch erklärt, kopierten die lateinamerikanischen Künstler der Mitte des 20. Jahrhunderts nicht einfach die Werke europäischer Konkreter Künstler. Sie nahmen die Grundideen der Konkreten Kunst und verwandelten sie in etwas viel Komplexeres. Während sie sich zu dem entwickelten, was Alberro als post-konkrete Künstler bezeichnet, entwickelten diese Künstler eine ästhetische Sichtweise, die die Definition von Kunst grundlegend veränderte und weiterhin beeinflusst, wie wir heute die Rolle der Kunst in unserem täglichen Leben verstehen.

Produktive Missverständnisse

Heutzutage nehmen wir es als selbstverständlich hin, wie einfach wir über das Internet Bilder aus aller Welt abrufen können und wie leicht es ist, detaillierte Beschreibungen und Deutungen der Werke von Künstlern zu erhalten, egal wo sie leben. Aber wie Alberro hervorhebt, hatten Künstler in Lateinamerika der 1940er Jahre große Schwierigkeiten, Informationen über die Kunst aus anderen Regionen zu erhalten. Alberro erklärt, dass lateinamerikanische Künstler beim Versuch, den europäischen Modernismus zu studieren, im Grunde nur Schwarz-Weiß-Kopien von Kunstwerken zur Verfügung standen. Dieser eingeschränkte Zugang führte zu dem, was er „produktive Fehlinterpretationen“ nennt. Zum Beispiel erwähnt Alberro eine Anekdote über den Künstler Jesús Rafael Soto, der sagte: „Als Soto schließlich ein Mondrian sah, wurde ihm klar, dass er alles falsch verstanden hatte.“

Farbe ist ein wesentliches Element in den Werken von Piet Mondrian, doch in einem Schwarz-Weiß-Bild geht dieses wichtige Element natürlich verloren. Und die schlechten Reproduktionen, die Soto sehen konnte, ließen die Oberflächenstruktur der europäischen modernistischen Gemälde völlig glatt erscheinen. Während diese Missverständnisse Soto und andere lateinamerikanische Künstler daran hinderten, die wahren ästhetischen Absichten von Künstlern wie Mondrian zu erfassen, führten sie sie auch dazu, ihre eigene Interpretation der in deren Werken offenbarten Möglichkeiten zu entwickeln. Sie deuteten eine begrenzte Farbpalette und glatte Oberflächen als Ausdruck wahrer Modernität, gereinigt durch Vereinfachung. Und trotz ihrer Fehlinterpretationen erfassten sie das wichtigste Element der Konkreten Kunst: dass ein Kunstwerk eine eigene Logik besitzt, die verstanden werden kann, ohne es mit vorgefassten Bedeutungsdeutungen in Verbindung bringen zu müssen.

Tomas Maldonado - Anti-Corpi Cilindrici, 2006 (links) und Ohne Titel (rechts), © Tomas Maldonado

Jenseits des Konkretionismus

Die Bedeutung war für die lateinamerikanischen post-konkreten Künstler von größter Wichtigkeit. Früher war die gebräuchlichste Vorstellung von Kunst, dass Künstler etwas im Voraus in einem Atelier schaffen und dieses Kunstobjekt später an einem besonderen Ort ausstellen, wo Betrachter es betrachten konnten. Der Künstler war Schöpfer eines Objekts, und dieses Objekt war mit Bedeutung durchdrungen, die untrennbar mit dem Ort, der Zeit und den Umständen verbunden war, unter denen das Kunstwerk entstand. Die Betrachter waren daher von untergeordneter Bedeutung gegenüber dem Kunstwerk. Trotz persönlicher Interpretationen, die sie beim Betrachten des Kunstwerks anstellen mochten, mussten sie letztlich immer die vom Künstler oder offiziellen Vertretern wie Kritikern, Historikern oder Akademikern vorgelegte Deutung akzeptieren. Selbst die Konkrete Kunst, trotz ihres modernen Ansatzes, akzeptierte noch die Vorstellung von Künstlern als Objektschöpfern und Betrachtern als Objektbetrachtern.

Doch laut Alberro kehrten die lateinamerikanischen post-konkreten Künstler diese Vorstellung um. Sie lehnten die Idee ab, dass die Bedeutung eines Kunstwerks vor seiner Ausstellung in das Werk eingegossen wird. Sie stellten sich vor, dass die Schaffung eines Kunstwerks nur der erste Schritt zum Erleben von Bedeutung ist, die sich erst durch seine Existenz entfalten kann. Um diesen philosophischen Wandel zu beschreiben, prägt Alberro den Begriff „ästhetisches Feld“. Er beschreibt das ästhetische Feld als die Umstände, unter denen ein Kunstwerk und ein Betrachter zusammenkommen. Das ästhetische Feld umfasst einen physischen Raum, wie eine Galerie oder einen öffentlichen Platz; die Bedingungen in diesem Raum, wie Beleuchtung, Klima oder Umgebungsgeräusche; natürlich das Kunstwerk sowie den Betrachter; und es umfasst auch die dreidimensionale und vierdimensionale Wirklichkeit, das heißt, es schließt nicht nur feste Gegenstände im Raum ein, sondern auch die Erfahrungen und Beziehungen, die sich zwischen diesen Gegenständen im Laufe der Zeit abspielen.

Julo Le Parc - Alchimia, 1997, Acryl auf Papier, 58 × 80 cm, Foto: Galeria Nara Roesler

Das Gewebe der Welt

Mit anderen Worten argumentiert Alberro, dass die lateinamerikanischen post-konkreten Künstler, indem sie das Kunstwerk als nur ein Element einer dynamischen Erfahrung im ästhetischen Feld betrachteten, die Kunst wieder in die menschliche Gesellschaft eingliederten. Anstatt dass Betrachter die Bedeutung eines Kunstwerks betrachten, können sie nun mit dem Kunstwerk zusammenarbeiten, um eine Bedeutung zu schaffen, die flexibel und vergänglich ist. Und anstatt dass ein Kunstwerk als vordefiniertes Objekt für sich existiert, können Situationen geschaffen werden, in denen ein Kunstwerk nur ein Element des größeren Gefüges der sich entfaltenden Wirklichkeit ist. Natürlich kann das Kunstwerk weiterhin eigene definierte Aspekte haben, wie eine bestimmte Anordnung von Formen oder Farben, doch diese Aspekte können nun je nach Wahrnehmung durch die Betrachter im ästhetischen Feld eine wechselnde Bedeutung haben.

Dieses sich wandelnde System von Beziehungen zwischen Kunstobjekten und Betrachtern bedeutete, dass jedes Werk post-konkreter Kunst als ein dynamisches, bewegtes Element einer größeren sozialen Erfahrung definiert werden kann, die Vorrang vor dem Kunstwerk selbst hat. Ein zentrales Beispiel, das Alberro für einen Künstler anführt, der diese Entwicklung im Denken zeigt, ist Jesús Rafael Soto. Wer mit den Penetrables vertraut ist, die Soto in der reifen Phase seiner Karriere schuf, wird sicher verstehen, warum. Soto baute seine Penetrables aus einer Vielzahl hängender Kunststoffschnüre. Durch das Färben von Teilen der Schnüre konnte er den Eindruck einer festen Form erzeugen, die im Raum schwebt. Doch anstatt ein Penetrable einfach zu bewundern und zu betrachten, werden die Betrachter ermutigt, in den Dschungel der Schnüre einzutreten, die Schnüre in Bewegung zu setzen und die Illusion eines festen Objekts zu zerstören. Jeder Betrachter erlebt eine Reihe von Empfindungen über das Visuelle hinaus, wie Berührung, Geruch und Gehör. Die persönliche Erfahrung, die jeder Betrachter mit einem Penetrable macht, führt zu einem einzigartigen empirischen Urteil über die Bedeutung des Werks – einer Bedeutung, die über das Werk hinausgeht und auf die größere Lebenserfahrung des Betrachters verweist.

Jesús Rafael Soto - Courbes Immaterielles, 1982, Holz und Aluminium, 250 × 500 cm, Foto: La Patinoire Royale, Brüssel

Das post-konkrete Erbe

Neben der Beleuchtung eines unterschätzten Aspekts der Geschichte der modernistischen Kunst bietet Abstraktion in Umkehr auch ein besseres Verständnis einer zeitgenössischen Debatte über die Funktion der Kunst in der Gesellschaft. Es gibt nämlich keine einheitliche Auffassung darüber, was die Funktion der Kunst ist oder ob sie überhaupt eine besondere Funktion hat. Politiker argumentieren, dass Kunsterziehung keine messbaren Vorteile bringt. Gleichzeitig floriert der Kunstmarkt und wird zugleich dafür kritisiert, den rasch steigenden kommerziellen Wert der Kunst zu priorisieren. Die gängige Kunstkritik ist kaum mehr als eine Reihe von entweder abwertenden Kommentaren oder aufgeblasenen Lobeshymnen, die nur auf den persönlichen Vorlieben der Kunstschreiber basieren. Niemand scheint jedoch bereit oder fähig zu sein, den universellen Wert ästhetischer Phänomene im weiteren Kontext unserer Zeit zu formulieren.

Vielleicht ist die Kunst in ihrer vermeintlichen Funktion als Bedeutungsgeberin nicht einzigartig. Wenn die Bedeutung und der Zweck eines Kunstwerks von den Betrachtern im ästhetischen Feld bestimmt werden, bedeutet das, dass ein Kunstwerk durch ein anderes ersetzt werden kann, ohne dass das Gesamterlebnis beeinträchtigt wird. Könnte das Kunstwerk ebenso durch ein Fußballspiel, ein Feuerwerk oder eine politische Rede ersetzt werden? Würde das Ergebnis, dass Betrachter Bedeutung konstruieren, dasselbe sein? Was dieses Buch klug nahelegt, ist, dass die lateinamerikanischen post-konkreten Künstler etwas erahnten, das wir erst fast ein Jahrhundert später vollständig verstehen: dass Kunst bei der Schaffung eines ästhetischen Phänomens helfen kann, es aber höchstwahrscheinlich die gemeinsame soziale Erfahrung von Menschen ist, die zusammenkommen, um dieses ästhetische Phänomen zu teilen, die zur Bedeutungsbildung führt – nicht die Kunst selbst.

Julio Le Parc - Cloison à lames réfléchissantes, 1966-2005, Stahl, Holz, Licht, 230 × 264 × 80 cm, Foto: Galeria Nara Roesler

Titelbild: Jesús Rafael Soto - Vibrations, 1967, Siebdruck auf Plexiglas, Acryl, 29,5 × 42 × 8 cm, Foto: Galerie Hans Mayer, Düsseldorf

Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung

Von Phillip Barcio