Ikone des späten abstrakten Expressionismus, William Scharf, ist gestorben.

Der amerikanische abstrakte Maler und Lehrer William Scharf ist im Alter von 90 Jahren verstorben. Scharf wird oft entweder als abstrakter Expressionist oder als Farbflächenkünstler eingeordnet. Beide Bezeichnungen haben einen gewissen Wahrheitsgehalt. Nach seinem Dienst in der US-Armee im Zweiten Weltkrieg verbrachte Scharf fünf Jahre mit dem Studium der Kunst, hauptsächlich an der Pennsylvania Academy of the Fine Arts. 1952 zog er nach New York, um hauptberuflich Künstler zu sein. Zu dieser Zeit war der abstrakte Expressionismus der vorherrschende Stil, und Scharf tauchte tief in diese Szene ein. In den 1950er Jahren freundete er sich auch mit dem großen Pionier der Farbflächenmalerei, Mark Rothko, an. Rothko war Scharfs Mentor und vermittelte ihm eine Wertschätzung für die gefühlsmäßige Kraft der Farbe. Die beiden wurden so eng verbunden, dass Scharf Anfang der 1970er Jahre sogar bei der Rothko-Kapelle in Houston mitwirkte – ein Wahrzeichen der Farbflächenmalerei und eines der wichtigsten Ziele weltweit für Liebhaber abstrakter Kunst. Trotz dieser unbestreitbaren Wurzeln sowohl im abstrakten Expressionismus als auch in der Farbflächenmalerei entzieht sich das Werk, das Scharf im Laufe seines Lebens schuf, solchen einfachen Beschreibungen. Seine Arbeiten sind tatsächlich farbenfroh – ja, sogar leuchtend. Und seine Gesten sind ausdrucksvoll lyrisch, intuitiv und abstrakt. Doch seine Sichtweise ist fast barock in ihrer Fähigkeit, Emotionen zu erzählen. Scharf war ein Meister der Hervorrufung und Suggestion; er lenkte Farbe und Form in Kompositionen mit geheimnisvollen mythischen Qualitäten. Er gab seinen Werken Titel, die uns seine Absicht erkennen lassen, Geschichten zu erzählen – poetische Erzählungen voller Gefühl, die unweigerlich auf die Bedeutung des Werkes hinweisen.

Abenteuer der Erkundung

Das erste Gefühl, das ich beim Betrachten eines Gemäldes von Scharf habe, ist Freude. Ich meine nicht, dass die Bilder verspielt oder einfach sind. Oft sind sie keines von beidem. Ich meine nur, dass das Bild mich zu einem Abenteuer einzuladen scheint. Sein Gemälde von 1956 Of the Square and by the Night besitzt die Farbpalette einer Stadtstraße, gesehen durch Autofenster. Rote, weiße, blaue und schwarze Formen vermischen sich und scheinen vor dem Auge zu tanzen. Biomorphe Flecken ähneln Straßenlaternen, Monden und Sternen. Geometrische Formen rufen Gebäude und Schilder hervor. Auf der linken Seite deutet eine rätselhafte Ansammlung roter Markierungen auf die Anwesenheit eines Wesens hin.

Dieses Bild wirkt lebendig und aufregend, wie eine Nacht in der Stadt. Es ist offensichtlich abstrakt, doch sein Titel und vor allem seine Energie öffnen Türen zu erzählerischen Möglichkeiten. Sein Sinn für Abenteuer blieb in seinem Werk präsent, solange Scharf tätig war. Er ist wesentlich für seinen Schaffensprozess, der einen kindlichen Entdeckergeist verkörperte. Er sprach einmal über das Gefühl, als Kind die erste Markierung auf einer leeren Seite oder einer Tafel zu machen – dieses Gefühl von Möglichkeit, von der Fähigkeit, neue Welten im Raum zu formen. Er nannte es „Erkundungen einer Art, die das ganze Leben eines Malers verfolgen und beschäftigen können.“

William Scharf - Of the Square and by the Night, 1956, Öl auf Leinwand, 91,4 × 121,9 cm, Hollis Taggart Galleries, New York, © 2018 William Scharf

Ein traumhafter Glanz

Eine weitere sofort erkennbare Kraft, die Scharf besaß, war die Fähigkeit, phosphoreszierenden Glanz aus seinen Farben herauszukitzeln. Er arbeitete seine ganze Karriere lang mit Acrylfarben. Wenn man im Laden eine neue Tube Acrylfarbe kauft, besitzt das Medium einen eigenen Glanz – reines Pigment. Doch wie jeder, der je mit Farbe gearbeitet hat, weiß, verliert die Farbe sofort ihre Leuchtkraft, sobald der Künstler beginnt, sie zu mischen, um den perfekten Farbton zu finden. Manchmal wird sie schmutzig. Fast nie behält sie ihren ursprünglichen Glanz. Doch selten gelingt es einem Künstler, sei es durch Glück oder Können, noch mehr Licht aus der Farbe herauszuholen.

Um selbst die traumhafte Strahlkraft zu sehen, die Scharf aus seinen Materialien herausholte, besuchen Sie die Webseite des Smithsonian American Art Museum, das zehn Gemälde von Scharf in seiner Sammlung besitzt. In natura sind sie noch brillanter und komplexer. Aus der Nähe sieht man, dass Scharf zwar die gestische Schnelligkeit und Energie seiner frühen Einflüsse bewahrte, doch nichts an seinem Werk war zufällig oder willkürlich. Diese Schichten besitzen Tiefe – und zugleich vermitteln sie eine Einfachheit und Frische, als seien sie gerade aus dem Geist eines bildhaften Geschichtenerzählers in den Raum geschwebt.

William Scharf - Night Move, 1964, Öl auf Papier auf Holzplatte, 31,8 × 49,5 cm, Hollis Taggart Galleries, New York, © 2018 William Scharf

Ein Künstler unter Künstlern

Ab 1950 hörte Scharf nie auf auszustellen. Seine Werke befinden sich in den ständigen Sammlungen zahlreicher bedeutender Einrichtungen, darunter das Philadelphia Museum of Art, das Boston Institute of Contemporary Art sowie das Museum of Modern Art (MOMA) und das Solomon R. Guggenheim Museum in New York. Dennoch ist sein öffentliches Ansehen begrenzt. Sein Name ist kein Begriff in jedem Haushalt, trotz seines Erfolgs und der offensichtlichen Anziehungskraft seiner Werke. Er war, wie man manchmal sagt, ein Künstler unter Künstlern – ein seltsames Kompliment, das auf den Einfluss hinweist, den Scharf auf seine Zeitgenossen sowie auf drei Generationen von Schülern hatte.

Scharf begann seine Lehrtätigkeit 1964 im MOMA Art Center in New York. Er unterrichtete später an der School of Visual Arts in New York, dem San Francisco Institute of Fine Arts, der angesehenen Art Students League, wo er von 1987 bis zu seinem Tod lehrte, sowie am Pratt Institute, der Stanford University und dem California College of Arts and Crafts in San Francisco. Was über seinen Unterricht gesagt wird, ist höchstes Lob – dass er seinen Schülern half, die bestmögliche Version ihrer selbst zu erreichen. Besonders im heutigen wettbewerbsintensiven Kunstmarkt, wo das Folgen von Trends oder das Ablehnen derselben über Ruhm oder Anonymität entscheiden kann, war Scharfs Fähigkeit, seinen Schülern zu erlauben, sich selbst zu finden, kostbar. Sein Respekt vor individueller Sichtweise ermöglichte es ihm, ein Werk zu schaffen, das sich nicht festlegen lässt. Er ist auch der Grund, warum sein Vermächtnis über die Grenzen seiner Zeit hinausreicht.

William Scharf - Ohne Titel, 1985, Buntstift auf Papier, 21,6 × 27,9 cm, Hollis Taggart Galleries, New York, © 2018 William Scharf

Titelbild: William Scharf - To Golden Wreath, The Geometric Smile, On the Trance Branch (von links nach rechts), ohne Datum, 2001, 2007 (von links nach rechts), Acryl auf Papier, 22,9 × 30,5 cm, Hollis Taggart Galleries, New York, © 2018 William Scharf

Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung

Von Phillip Barcio