"Das Gemälde des Gemäldes selbst - Die abstrakte Künstlerin Marcia Hafif ist gestorben"

Die abstrakte Malerin Marcia Hafif ist im Alter von 88 Jahren gestorben. Trotz ihrer produktiven multidisziplinären Kunst, in der sie mit Film, Installationskunst, Zeichnung und Konzeptkunst experimentierte, wird Hafif hauptsächlich für ihre monochromen Gemälde in Erinnerung behalten, deren Oberflächen mit Licht schimmern. Jeder, der jemals tief in eines dieser Werke geschaut hat, wird sich nicht nur an die bemerkenswerten Farbtöne erinnern, sondern auch an die Sinnlichkeit der sichtbaren Pinselstriche auf der Oberfläche. Hafif schichtete Farbe obsessiv übereinander und baute jede Oberfläche zu einem ungewissen Moment auf, in dem sie ihre eigene Vollendung verkünden würde. Sie malte keinen Inhalt; sie malte auch nicht wirklich Farbe. Sie malte eine Erklärung dafür, was Malerei ist, indem sie ein Gemälde als konkrete Definition seiner selbst verwendete. Ihre Methoden wurden als „zen-artig“ und meditativ bezeichnet, denn es war für jeden, der ihr Arbeiten beobachtete, klar, dass sie ruhig und methodisch ihre Oberflächen aufbaute. Aber ihre Inspiration war nicht metaphysisch, sondern intellektuell. Sie hatte eine akademische Hingabe an „das Malen des Gemäldes“. Ihre Einstellung entwickelte sich in einer Ära, in der Lehrer angehenden Künstlern ein unausweichliches Bewusstsein vermittelten, dass sie von ihren Kollegen beobachtet und analysiert werden. Hafif fühlte, dass sie den Wunsch, Malerin zu sein, vor jedem Künstler, der vor ihr gekommen war, und vor jedem Künstler, der nach ihr kommen würde, validieren musste. Sie fühlte die Verantwortung, ihren Platz in der scheinbar linearen Kunstgeschichte anzuerkennen. Sie wollte beweisen, dass Malerei immer noch relevant war; ihr neues Leben einzuhauchen. Sie setzte sich in dieser Hinsicht so sehr unter Druck, dass ihr Erbe nicht nur eines der Kunst, sondern auch eines des Denkens ist. Ihre Schriften sind immens informativ für jeden, der jemals in den Kopf eines „Künstlerkünstlers“ eintauchen wollte, was bedeutet, dass jemandes Werk fast ausschließlich für andere Künstler gedacht zu sein scheint. Doch so groß war ihr Talent, dass trotz der intellektuellen Natur ihrer Arbeit ihre Methoden dennoch ein Werk hervorgebracht haben, das seine akademischen Wurzeln übersteigt und zu einer ikonischen Erinnerung an die einfachen, universellen und zeitlosen Qualitäten der Farbe wird.

Von vorne beginnen

Im Jahr 1978 veröffentlichte Hafif einen Aufsatz in Artforum mit dem Titel „Beginning Again.“ Die einleitenden Sätze offenbaren einen gequälten Geist, der von der Sorge um das eigene Verlangen, Kunst zu schaffen, zerfressen ist. Sie lauten: „Die Möglichkeiten, die der Malerei in der jüngeren Vergangenheit offenstanden, schienen äußerst begrenzt zu sein. Es war nicht so, dass alles bereits getan worden war, sondern vielmehr, dass die Impulse zu schaffen, die in der Vergangenheit funktionierten, nicht mehr dringend oder sogar bedeutungsvoll waren.“ Ihre Zeitgenossen erklärten, dass die Malerei tot sei. Wie schrecklich für einen Maler, so etwas zu hören, dass die Tätigkeit, die sie ihr Leben lang ausüben müssen, tot ist! Wie der Rest dieses prägenden Aufsatzes deutlich macht, basierte der Glaube an das Ende der Malerei nicht nur auf dem übermäßigen Bewusstsein, dass Menschen seit zehntausenden von Jahren malen und es daher sehr schwierig gemacht haben, ein originelles Gemälde zu schaffen, sondern auch auf dem Glauben, dass sich die Gründe, warum Menschen malten, irgendwie verändert hatten.

Marcia Hafif - Glaze Painting: Rose Madder Deep, 1995, Öl auf Leinwand, 22 × 22 Zoll, 56 × 56 cm, © Marcia Hafif und CONRADS Düsseldorf

Hafif und ihre Zeitgenossen haben sich selbst überlistet, indem sie fälschlicherweise dachten, sie bräuchten andere Gründe für die Kunstproduktion als jede andere Generation von Menschen, die ihnen vorausging. Objektive Überlegungen beweisen, dass dieser theoretische Ausgangspunkt, der Hafif dazu brachte, "Beginning Again" zu schreiben, fehlerhaft ist. Künstler schulden der Geschichte nichts; sie schulden der Akademie nichts; sie schulden keiner Institution etwas; sie schulden einander nichts; sie schulden keinem bestimmten Betrachter etwas. Ein Maler ist ebenso frei zu malen, wie ein Tänzer frei ist, seinen Körper zu bewegen. Tanzen wird niemals sterben; Malen wird es auch nicht. Glücklicherweise hatte Hafif, trotz der Absurdität der Denkweise, die die Akademie dominierte, als sie zur Schule ging, die intellektuelle Stärke und den Willen, sich von dieser Last zu befreien. "Beginning Again" ist ein Traktat darüber, wie man Malerei aufschlüsseln kann, um zu verstehen, was sie objektiv ist. Es ist ein Plädoyer dafür, zu den Wurzeln der Malerei zurückzukehren, ohne sich Sorgen machen zu müssen, ob sie relevant ist.

Marcia Hafif - Mass Tone Paintings: Hansa Yellow, 12. März 1974, 1974, Öl auf Leinwand, 38 × 38 Zoll, 96,5 × 96,5 cm, Richard Taittinger Gallery, New York, © Marcia Hafif

Die Endlosmethode

Mit ihren Monochromen entwickelte Hafif eine Methode, um die Malerei wieder jung zu machen. Wenn es nichts anderes zu malen gab, konnte sie immer ein Bild von Farbe malen. Die meisten ihrer Serien sind auf quadratische Flächen mit genau denselben Abmessungen beschränkt. Sie beschränkte sich selbst, und durch diese Einschränkungen war sie frei, die Tiefe ihres Mediums und ihrer Technik zu erkunden. Unterwegs hatte sie häufig andere Ideen darüber, was sie als Künstlerin erreichen wollte. Sie schuf Wandmalereien, Rasterzeichnungen und beteiligte sich an konzeptionellen Performances. Zwei ihrer einflussreichsten Werke waren textbasiert. Eines war eine Installation, die sie 1976 in P.S.1 mit dem Titel „Schulzimmer“ schuf, für die Hafif einen erotischen Text in geschwungener Schrift mit Kreide auf Tafeln schrieb. Das andere war eine Wiederbelebung dieses Werks im Jahr 2013 mit dem Titel „Von dem Tag, an dem eine Frau…“, das aus einem geschwungenen Ausdruck der Sexualität einer Frau nach der Menopause bestand.

Marcia Hafif - Rotes Gemälde: Paliogen Maroon, 1998, Öl auf Leinwand, 26 × 26 Zoll, 66 × 66 cm, © Marcia Hafif und CONRADS Düsseldorf

Es würde mich traurig machen, mir vorzustellen, dass Hafif ihre gesamte Karriere damit verbracht hat, sich Sorgen darüber zu machen, ob ihre Gemälde gültig oder relevant sind oder ob sie sich gegen eine imaginierte Vorstellung von Raffinesse und Geschmack behaupten können. Das könnte jedoch der Fall gewesen sein, wie die Tatsache belegt, dass sie ihre Arbeit "Inventar" nannte, ein Kommentar, dass Kunst nichts weiter als eine Ware ist. Dennoch hinterließ sie, unabhängig von ihren eigenen Gedanken zu diesem Thema, einen der wirklich ikonischen Körper der abstrakten Malerei, die im vergangenen halben Jahrhundert geschaffen wurden. Wenn ich ihre Monochrome betrachte, fühle ich mich seelenvoll und neugierig. Sie sind sowohl angespannt als auch harmonisch. Anstatt sie nur als die ängstlichen Relikte eines gequälten Genies zu sehen, wähle ich auch, sie als Beweis dafür zu sehen, dass Künstler sich von den quälenden Druck des Kunstmarktes befreien können, indem sie entdecken und sich dann dem hingeben, was für sie funktioniert.

Titelbild: Marcia Hafif: Die italienischen Gemälde, 1961-1969, Installationsansicht bei Fergus McCaffrey, New York, 2016. Mit freundlicher Genehmigung von Fergus McCaffrey, New York. © Marcia Hafif

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.

Von Phillip Barcio