Sadamasa Motonaga, Zwischen Hoch- und Niedrigkunst

Eine Ausstellung von abstrakten Gemälden aus der mittleren Schaffensphase von Sadamasa Motonaga ist derzeit bei McCaffrey Fine Art in New York zu sehen. Motonaga war eines der frühesten Mitglieder der Gutai-Gruppe, eines experimentellen Künstlerkollektivs, das 1954 in Osaka, Japan, gegründet wurde. Der Gutai-Gründer Yoshihara Jiro schrieb in seinem Gutai-Manifest von 1956: „Wir haben beschlossen, die Möglichkeiten reiner Kreativität begeistert zu verfolgen.“ Wesentlich für den Geist von Gutai war die Anweisung von Yoshihara, etwas zu tun, was zuvor noch nie getan wurde – ein Nachhall des Modernismus nach dem Zweiten Weltkrieg mit dem Motto „Mach es neu!“ Motonaga etablierte sich früh als ein Schlüsselmitglied von Gutai mit dem, was Yoshihara als die erste Wasserskulptur überhaupt bezeichnete, die Motonaga 1955 in der „Experimentellen Freiluftausstellung moderner Kunst zur Herausforderung der Hochsommersonne“, der ersten Gutai-Ausstellung, die in Ashiya, Japan, stattfand, zeigte. Die Skulptur bestand aus transparenten Plastikröhren, die zwischen Bäumen aufgehängt waren. In jede Röhre injizierte Motonaga farbige Flüssigkeit, die sich in der Mitte sammelte. Tageslicht aktivierte die farbige Flüssigkeit und verlieh ihr ein flüchtiges Leuchten. Das Werk gab den Kräften der Naturwelt vorübergehend Gestalt. Während seiner langen Karriere experimentierte Motonaga unermüdlich mit neuen Materialien und Techniken, doch das theoretische Wesen dieser ersten Gutai-Skulptur beeinflusste ihn in jeder Phase. Er blieb beeinflusst von den sich wandelnden, organischen Formen der Natur, den wechselnden, leuchtenden Farben von Wasser und Licht sowie den unsichtbaren Kräften, die alles beeinflussen, was wir sehen, hören, schmecken und berühren. Die Ausstellung bei McCaffrey Fine Art konzentriert sich auf eine bestimmte Zeitspanne, als der Künstler Ende der 1960er Jahre für kurze Zeit mit seiner Frau nach New York zog. Der Umzug brachte Motonaga mit neuen Techniken wie der Airbrush-Malerei in Berührung und motivierte ihn, seine Arbeit über ihre Gutai-Wurzeln hinaus weiterzuentwickeln.

Die Politik der schöpferischen Zerstörung

Die Gutai-Gruppe entstand aus einer Kultur der Verwirrung. Das Kaiserreich Japan hatte im Zweiten Weltkrieg eine schreckliche Niederlage erlitten – als einzige Nation der Erde erlebte es die Schrecken der atomaren Zerstörung aus erster Hand. Bestimmte Bevölkerungsgruppen, besonders avantgardistische Künstler, gingen davon aus, dass die bisherigen Wege und Mittel für die japanische Gesellschaft nicht mehr ausreichten. Wenn die Logik der Geschichte sie an den Rand der totalen Vernichtung geführt hatte, dann musste diese Logik schöpferisch zerstört werden. Das war der Grund, warum Yoshihara Neuerung forderte. Er wusste nicht genau, was nötig war, um die japanische Kunst zu verwandeln und in die Gegenwart zu führen, er wusste nur, dass es ein Produkt der Vorstellungskraft und nicht der Vergangenheit sein musste. Eine der wesentlichen Eigenschaften der Gutai-Kunst ist, dass sie den Kampf zwischen Mensch und Natur thematisiert. Motonaga fasste diesen Kampf poetisch in seiner Wasserskulptur zusammen. Das Naturelement – Wasser – wird eingefangen, gebändigt und mit künstlicher Farbe verändert: ein Triumph des Menschen über die Natur. Doch die Kräfte der Schwerkraft, des Sonnenlichts und des Windes zeigen unermüdlich ihren Widerstand, verändern das Werk, verschieben die Verteilung des Wassers und das Leuchten von Farbe und Licht.

Sadamasa Motonaga Wandel/Kontinuität: New York 1966-67, Installationsansicht bei McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung von McCaffrey Fine Art, New York

In seinen frühesten Gemälden setzte Motonaga diesen Dialog zwischen menschlichem Willen und Naturkräften fort. Er goss große Mengen Ölfarbe auf Flächen, ließ sie sich sammeln und bewegte dann die Fläche, wodurch die Medien ineinander verschmolzen und fantastische Kompositionen entstanden. In die Farbe mischte er Kiesel und andere Stoffe, wodurch die Struktur des Werks verändert wurde und das Material etwas zum Widerstand hatte. Immer im Spiel war das Gleichgewicht zwischen Naturkräften, Zufällen, Chaos und der Kontrolle, die durch die Entscheidungen und Handlungen des Künstlers ausgeübt wurde. Der Kampf zwischen Künstler und Natur wurde besonders in den Formen sichtbar, die sich in den Bildern entwickelten. Motonaga rang mit den Materialien, manipulierte sie so gut er konnte, bis sie sich zu einer bestimmten Form zusammenfügten. Wie verwaiste figürliche Elemente, die aus dem Zusammenhang in einem wirbelnden, abstrakten Raum schweben, rufen die Formen Motonaga selbst hervor, einen Menschen, der versucht, seinen Platz in einer sich wandelnden Kultur zu finden.

Sadamasa Motonaga Wandel/Kontinuität: New York 1966-67, Installationsansicht bei McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung von McCaffrey Fine Art, New York

Eine Herzensänderung

Als Motonaga nach New York zog, erlebte er zwei tiefgreifende Veränderungen. Zuerst entdeckte er die Airbrush-Technik. Diese Technik ermöglichte es ihm, seine Oberflächen radikal von groben, körnigen, strukturierten Flächen zu dünnen, luftigen, ätherisch wirkenden Oberflächen zu verändern, die der zeitgenössische japanische Künstler Takashi Murakami später als „Superflach“ bezeichnete. In seinen Superflach-Kompositionen ging Motonaga eine völlig andere Beziehung zur Kontrolle ein. Er schuf keine Gemälde mehr, die den Kampf zwischen Künstler und physischer Natur hervorhoben. Der neue Kampf in seinem Werk war der zwischen Künstler und der Natur der Vorstellungskraft. Seine Entscheidungen wurden nun genauer geprüft. Die zweite tiefgreifende Veränderung in seinem Leben war, dass seine Frau in New York ihr erstes Kind zur Welt brachte. Motonaga wurde plötzlich mit der visuellen Welt von Büchern, Spielzeug und anderen Produkten für Kinder überschwemmt. Die Launenhaftigkeit und der Optimismus dieser Bildsprache leiteten seine Entscheidungen in den Gemälden und brachten eine Werkgruppe hervor, die voller heiterer, biomorpher abstrakter Formen ist, die Dinge wie menschliche Körperteile, Gemüse, Flugzeuge und U-Boote annähern.

Sadamasa Motonaga Wandel/Kontinuität: New York 1966-67, Installationsansicht bei McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung von McCaffrey Fine Art, New York

Obwohl diese große Veränderung in seinem Werk viele seiner früheren Unterstützer, die seine Gemälde gesammelt hatten, beunruhigte, blieb Motonaga dem wichtigsten Punkt seiner Gutai-Wurzeln treu: der endgültigen Autonomie des Künstlers, jede Art von Werk zu schaffen, die er möchte, ohne an die Wege der Vergangenheit gebunden zu sein. Das Vermächtnis seiner prägenden Zeit in New York beeinflusste Generationen japanischer Künstler, die seine ästhetische Vision nicht nur in der Welt der bildenden Kunst, sondern auch in der sogenannten niederen Kunstwelt von Manga und Anime fortführen. Die Brücke zwischen diesen beiden Welten, die Motonaga schuf, ist besonders kraftvoll wegen der intensiven Gefühle, die seine Gemälde oft vermitteln. Sie sind nicht nur voller Laune und Heiterkeit, sondern rufen häufig auch Einsamkeit, Isolation und Angst hervor. Sie sind der Beweis, dass, obwohl Motonaga weit über die Gutai-Wurzeln seiner frühen Karriere hinauswuchs, die Angst, die diese Generation prägte, nie wirklich weit entfernt war. „Sadamasa Motonaga Wandel/Kontinuität: New York 1966-67“ ist bis zum 21. Dezember 2018 bei McCaffrey Fine Art in New York zu sehen.

Titelbild: Sadamasa Motonaga Wandel/Kontinuität: New York 1966-67, Installationsansicht bei McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung von McCaffrey Fine Art, New York
Von Phillip Barcio