Sadamasa Motonaga, Zwischen Hoch- und Niedrigkunst

Eine Ausstellung von abstrakten Gemälden aus der Mitte der Karriere von Sadamasa Motonaga ist derzeit in der McCaffrey Fine Art in New York zu sehen. Motonaga war eines der frühesten Mitglieder der Gutai-Gruppe, einem experimentellen Kunstkollektiv, das 1954 in Osaka, Japan, gegründet wurde. Der Gutai-Gründer Yoshihara Jiro schrieb in seinem Gutai-Manifest von 1956: „Wir haben beschlossen, die Möglichkeiten der reinen Kreativität enthusiastisch zu verfolgen.“ Wesentlich für den Gutai-Geist war die Anweisung von Yoshihara, das zu tun, was zuvor nicht getan wurde – ein Echo der modernen Aufforderung nach dem Zweiten Weltkrieg, „es neu zu machen!“ Motonaga etablierte sich frühzeitig als Schlüsselmitglied von Gutai mit dem, was Yoshihara als die erste Wasser-Skulptur erklärte, die Motonaga 1955 in der „Experimentellen Freiluftausstellung moderner Kunst zur Herausforderung der Sommersonne“ ausstellte, der Debüt-Gutai-Ausstellung, die in Ashiya, Japan, stattfand. Die Skulptur bestand aus transparenten Kunststoffrohren, die zwischen Bäumen aufgehängt waren. In jedes Rohr injizierte Motonaga gefärbte Flüssigkeit, die sich dann in der Mitte sammelte. Tageslicht aktivierte die gefärbte Flüssigkeit und verlieh ihr einen vergänglichen Glanz. Das Werk gab vorübergehend den Kräften der natürlichen Welt eine Form. Während seiner langen Karriere experimentierte Motonaga unermüdlich mit neuen Medien und Techniken, aber das theoretische Wesen dieser ersten Gutai-Skulptur beeinflusste ihn in jeder Phase. Er blieb beeinflusst von den sich verändernden, organischen Formen der Natur, den schwankenden, lumineszenten Farben von Wasser und Licht und den unsichtbaren Kräften, die alles beeinflussen, was wir sehen, hören, schmecken und berühren. Die Ausstellung in der McCaffrey Fine Art konzentriert sich auf einen bestimmten Zeitraum, als der Künstler Ende der 1960er Jahre für kurze Zeit mit seiner Frau nach New York zog. Der Umzug brachte Motonaga mit neuen Techniken in Berührung, wie z.B. dem Airbrush, und motivierte ihn, seine Arbeit über ihre Gutai-Wurzeln hinauszuentwickeln.

Die Politik der kreativen Zerstörung

Die Gutai-Gruppe entstand aus einer Kultur der Verwirrung. Das Kaiserreich Japan hatte eine schreckliche Niederlage im Zweiten Weltkrieg erlitten – die einzige Nation auf der Erde, die jemals den Schrecken der atomaren Zerstörung aus erster Hand erlebt hat. Bestimmte Segmente der Bevölkerung, insbesondere avantgardistische Künstler, gingen davon aus, dass die Wege und Mittel der Vergangenheit für die japanische Gesellschaft nicht mehr ausreichten. Wenn die Logik der Geschichte sie an den Rand der totalen Vernichtung geführt hatte, dann musste diese Logik kreativ zerstört werden. Das ist es, was Yoshihara dazu brachte, nach Neuheit zu verlangen. Er wusste nicht genau, was nötig war, um die japanische Kunst zu transformieren und in die moderne Zeit zu bringen, er wusste nur, dass es ein Produkt nicht der Vergangenheit, sondern der Vorstellungskraft sein musste. Eine der wesentlichen Eigenschaften der Gutai-Kunst ist, dass sie den Kampf zwischen Menschen und der natürlichen Welt konfrontiert. Motonaga fasste diesen Kampf poetisch in seiner Wasserskulptur zusammen. Das natürliche Element – Wasser – wird eingefangen und enthalten und mit künstlicher Farbe verändert: ein Triumph der Menschheit über die Natur. Doch die Kräfte der Schwerkraft, des Sonnenlichts und des Windes drücken unermüdlich ihren Widerstand aus, verändern das Werk, verschieben die Verteilung des Wassers und die Strahlkraft der Farbe und des Lichts.

Sadamasa Motonaga Veränderung/Kontinuität: New York 1966-67, Installationsansicht bei McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung von McCaffrey Fine Art, New York.

In seinen frühesten Gemälden setzte Motonaga dieses Gespräch zwischen menschlichem Willen und natürlichen Kräften fort. Er goss schwere Mengen Ölfarbe auf Oberflächen, ließ sie sich sammeln und verschob dann die Oberfläche, wodurch die Medien ineinander verschmolzen, bis fantastische Kompositionen entstanden. In die Farbe mischte er Kies und andere Substanzen, wodurch die Textur des Werkes transformiert wurde und das Medium etwas hatte, gegen das es arbeiten konnte. Immer im Spiel war das Gleichgewicht zwischen natürlichen Kräften, Unfällen, Chaos und der Kontrolle, die durch die Entscheidungen und Handlungen des Künstlers ausgeübt wurde. Der Kampf zwischen Künstler und Natur wurde in den Formen, die in den Bildern entstanden, deutlich vermittelt. Motonaga kämpfte mit den Medien, manipulierte sie so gut er konnte, bis sie sich zu einer Art definitiver Form vereinigten. Wie verwaiste figürliche Elemente, die aus dem Kontext in einem wirbelnden, abstrakten Nichts treiben, rufen die Formen Motonaga selbst hervor, einen Menschen, der versucht, seinen Platz in einer sich entwickelnden Kultur zu finden.

Sadamasa Motonaga Veränderung/Kontinuität: New York 1966-67, Installationsansicht bei McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung von McCaffrey Fine Art, New York.

Ein Sinneswandel

Als Motonaga nach New York zog, erlebte er zwei tiefgreifende Veränderungen. Zuerst entdeckte er die Airbrush-Technik. Diese Technik ermöglichte es ihm, seine Oberflächen radikal von groben, körnigen, strukturierten Ebenen zu den dünnen, luftigen, ätherisch wirkenden Oberflächen zu verändern, die der zeitgenössische Japaner Takashi Murakami später als "super-flach" bezeichnete. In seinen Superflat-Kompositionen hatte Motonaga eine völlig andere Beziehung zur Kontrolle. Er malte nicht mehr Bilder, die den Kampf zwischen Künstler und physischer Natur hervorhoben. Der neue Kampf in seiner Arbeit war zwischen Künstler und der Natur der Vorstellungskraft. Seine Entscheidungen wurden nun genauer unter die Lupe genommen. Die zweite tiefgreifende Veränderung in seinem Leben war, dass seine Frau während ihres Aufenthalts in New York ihr erstes Kind zur Welt brachte. Motonaga wurde plötzlich mit der visuellen Welt von Büchern, Spielzeugen und anderen Produkten, die für Kinder gedacht sind, überschwemmt. Die Launenhaftigkeit und der Optimismus dieser visuellen Sprache leiteten die Entscheidungen, die er in seinen Gemälden traf, und brachten ein Werk hervor, das voller fröhlicher, biomorpher abstrakter Formen war, die Dingen wie menschlichen Körperteilen, Gemüse, Flugzeugen und U-Booten ähneln.

Sadamasa Motonaga Veränderung/Kontinuität: New York 1966-67, Installationsansicht bei McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung von McCaffrey Fine Art, New York.

Obwohl dieser große Wandel in seiner Arbeit viele der Unterstützer, die zuvor seine Gemälde gesammelt hatten, beunruhigte, blieb Motonaga dem wichtigsten Punkt seiner Gutai-Wurzeln treu: der endgültigen Autonomie des Künstlers, jede Art von Werk zu schaffen, die er möchte, und nicht an die Wege der Vergangenheit gebunden zu sein. Das Erbe seiner transformierenden Zeit in New York beeinflusste Generationen japanischer Künstler, die seine ästhetische Vision nicht nur in der Welt der bildenden Kunst, sondern auch in der sogenannten Welt der niederen Kunst von Manga und Anime fortführen. Die Brücke zwischen diesen beiden Welten, die Motonaga geschaffen hat, ist besonders kraftvoll aufgrund der intensiven Emotionen, die seine Gemälde oft vermitteln. Sie sind nicht nur voller Laune und Fröhlichkeit, sondern rufen häufig auch Einsamkeit, Isolation und Angst hervor. Sie sind der Beweis dafür, dass, obwohl Motonaga weit über die Gutai-Wurzeln seiner frühen Karriere hinausgewachsen ist, die Angst, die diese Generation prägte, nie wirklich weit entfernt war. “Sadamasa Motonaga Change/Continuity: New York 1966-67” ist bis zum 21. Dezember 2018 in der McCaffrey Fine Art in New York zu sehen.

Hervorgehobenes Bild: Sadamasa Motonaga Change/Continuity: New York 1966-67, Installationsansicht bei McCaffrey Fine Art, New York, 2018. Foto mit freundlicher Genehmigung von McCaffrey Fine Art, New York
Von Phillip Barcio