Sam Gilliams Musik der Farbe in Basel

Im Zusammenhang mit dem Beginn von Art Basel 2018 hat das Kunstmuseum Basel kürzlich die erste europäische Einzelausstellung der Werke des amerikanischen abstrakten Künstlers Sam Gilliam eröffnet. Mit dem Titel The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973 umfasst die Ausstellung insgesamt 45 Werke, die aus privaten und institutionellen Sammlungen aus den Vereinigten Staaten und Europa kuratiert wurden. Viele Künstler, die heute arbeiten, sind der Meinung, dass Gilliam einer der wichtigsten amerikanischen Maler ist, nicht nur weil seine Werke schön sind, sondern auch wegen des Beitrags, den sie zur zeitgenössischen Kunsttheorie geleistet haben. Seine Innovationen zerschlugen vorgefasste Meinungen in einem entscheidenden Moment und stellten direkt einige der lautesten Stimmen seiner Generation in Frage. So wichtig waren seine Ideen, dass es tatsächlich schwer zu glauben sein mag, dass Gilliam bisher noch nie eine Einzelausstellung in Europa hatte. Doch wenn man seine Karriere wirklich betrachtet, könnte es letztendlich nicht so überraschend sein. Gilliam hat immer auf seine eigene Art und Weise gearbeitet. Obwohl seine Werke dazu beigetragen haben, den facettenreichen Kunstmarkt, den wir heute kennen, zu etablieren, hat er nie den Erwartungen dieses Marktes entsprochen. Mit einem Wort, Gilliam ist ein Rebell. Trotz der Tatsache, dass er die Vereinigten Staaten zweimal auf der Biennale von Venedig vertreten hat – 1972 und 2017 – hat er erst kürzlich zum ersten Mal in seiner Karriere einen Vertrag mit einer Galerie unterschrieben. In der Vergangenheit, selbst als er im Rampenlicht stand, verkaufte er seine Werke hauptsächlich selbst aus seinem Atelier. Dennoch umfassten seine Käufer Dutzende der prestigeträchtigsten Museen der Welt, darunter die Tate Modern, das Guggenheim Museum in New York, das Metropolitan Museum of Art, MoMA und die National Gallery of Art in Washington, DC, die alle seine Werke besitzen. Seine Bereitschaft, niemals das zu tun, was erwartet wird, könnte gut der Grund sein, warum Gilliam bis jetzt nicht das Thema einer monografischen europäischen Ausstellung war. Aber es ist auch das, was zu seinen größten Durchbrüchen geführt hat. Sein einzigartiges Vertrauen in seine eigene Vision macht Gilliam zum perfekten Vertreter der Unabhängigkeit in der Kunstwelt, und es ist das, was ihn zu einer lebenden Legende in der Welt der zeitgenössischen abstrakten Kunst gemacht hat.

Am abgeschrägten Rand

Geboren 1933, trat Gilliam in seine professionelle Karriere ein, als die Trends in Richtung Minimalismus, geometrische Abstraktion und Post-Painterly Abstraktion gingen. Wie viele andere Maler seiner Generation begann er mit genau dieser Art von Arbeiten. Seine harten, geometrisch abstrakten Werke aus den frühen 1960er Jahren erinnern an die Arbeiten von Künstlern wie Frank Stella, Max Bill oder Carmen Herrera. Das Jahr, in dem sich alles für Gilliam änderte, war 1967. Das war, als er eine völlig andere Methode annahm, indem er Acrylfarbe direkt auf ungrundierte Leinwand goss und dann die Leinwand zusammenfaltete, während die Farbe noch nass war. Er ließ die Leinwand dann trocknen, sodass die zerknitterten Linien für immer in das Material integriert wurden. Erst dann spannte er die Leinwand auf Keilrahmen.

Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Acryl auf Leinwand, 282,6 x 293,4 x 5,1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, Courtesy of the artist, the Metropolitan Museum of Art, New York, und David Kordansky Gallery, Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zürich

Die resultierenden Linien aus dieser Methode dienen als Überreste der Hand des Künstlers und verleihen dem Kunstobjekt Struktur und Dimension. Diese Innovation allein war bahnbrechend. Doch Gilliam hörte dort nicht auf. Er fasste als nächstes die Kanten seiner Keilrahmen ab, was neue Aufmerksamkeit auf die Seiten des Gemäldes lenkte und ihnen gleichwertige Bedeutung neben der Oberfläche gab. Die abgeschrägten Kanten ließen die Gemälde so erscheinen, als würden sie sich nach außen von der Wand abheben, anstatt einfach daran zu hängen. Dies verlieh den Gemälden eine fast skulpturale Präsenz. Er nannte diese Werke „Slice Paintings“. Das Wort Slice hatte mehrere Bedeutungen. Die Keilrahmen wurden eingeschnitten, was den abgeschrägten Effekt erzeugte. Auch die Falten in der Leinwand wirkten wie Schnitte in das Bild und schufen unvorhersehbare Farbkombinationen und unerwartete strukturelle Variationen in dem Werk, die an Flussbetten erinnerten, die in die Oberfläche der Erde gegraben wurden.

Sam Gilliam - Rondo, 1971. Acryl auf Leinwand, Eichenbalken. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, Courtesy of the artist, Kunstmuseum Basel und David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zürich

Nie zweimal dasselbe

Die nächste Innovation, für die Gilliam bekannt ist, fand 1968 statt, als er sein erstes "Drape Painting" schuf. Dieses Werk bewohnt einen theoretischen Raum irgendwo zwischen Malerei, Skulptur und Installation, da es die Keilrahmen eliminiert und somit die Definition dessen, was ein Gemälde sein kann, erweitert. Gilliam malte seine "Drape Paintings" mit derselben Methode, die er auch bei seinen "Slice Paintings" verwendete, indem er Acrylfarbe direkt auf die ungrundierte Leinwand goss. Aber als das Gemälde fertig war, anstatt es zusammenzuknüllen und dann zu spannen, ließ er die Leinwand einfach direkt an die Wand hängen, wie einen Vorhang oder ein Kleidungsstück. Seine "Drape Paintings" hoben die Idee einer geformten Leinwand auf ein neues Niveau und ermöglichten es dem Werk, jedes Mal, wenn es präsentiert wird, eine völlig neue Konfiguration anzunehmen. Gilliam hat erfreut festgestellt, dass seine "Drape Paintings" niemals auf die gleiche Weise zweimal gezeigt werden.

Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, Acryl auf Leinwand, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, Courtesy of the artist and the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zürich

Seit seinen bedeutenden Durchbrüchen Ende der 1960er Jahre hat Gilliam weiterhin experimentiert und sich als Künstler weiterentwickelt. Er hat seine Palette an Oberflächen erweitert und auf Papier und Holz gemalt. Er hat auch die Grenzen der Collage untersucht und immer neue Wege gefunden, Materialien, Medien und Techniken zu verbinden. Trotz der offensichtlichen Unterschiede in all seinen verschiedenen Werkgruppen gibt es jedoch einen Aspekt von allem, was Gilliam getan hat, der seinen einzigartigen Beitrag zur zeitgenössischen Kunst definiert, und zwar, wie er uns geholfen hat zu verstehen, dass Malerei und Skulptur wirklich dasselbe sind. Die Leute sagen oft, dass ein Künstler die Grenzen zwischen Malerei und Skulptur verwischt hat, vielleicht weil ihre Gemälde Dimensionen haben oder weil sie von der Decke hängen oder auf dem Boden stehen. Gilliam hat jedoch viel mehr erreicht als das. Er behandelt seine Oberflächen tatsächlich auf die gleiche Weise, wie ein Bildhauer Metall, Marmor oder Ton behandeln könnte. Er beweist, dass die Oberfläche eines Gemäldes die Fähigkeit besitzt, Emotionen zu vermitteln, eine Geschichte zu erzählen oder formale Themen zu kommunizieren. Er definiert die Oberfläche als mehr als nur eine Unterstützung – er macht sie zu einem Medium für sich. The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973 ist bis zum 30. September im Kunstmuseum Basel zu sehen.

Vorschaubild: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Acryl auf Leinwand, 304,8 x 2269 cm. Corcoran Collection, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zürich

Von Phillip Barcio