Sam Gilliams Musik der Farbe in Basel

Anlässlich des Beginns der Art Basel 2018 eröffnete das Kunstmuseum Basel kürzlich die erste europäische Einzelausstellung überhaupt mit Werken des amerikanischen abstrakten Künstlers Sam Gilliam. Unter dem Titel Die Musik der Farbe: Sam Gilliam, 1967 – 1973 zeigt die Ausstellung insgesamt 45 Werke, die aus privaten und institutionellen Sammlungen aus den Vereinigten Staaten und Europa kuratiert wurden. Nach Ansicht vieler heute tätiger Künstler ist Gilliam einer der bedeutendsten amerikanischen Maler, nicht nur weil seine Werke schön sind, sondern wegen seines Beitrags zur zeitgenössischen Kunsttheorie. Seine Neuerungen durchbrachen Vorurteile in einem entscheidenden Moment und stellten einige der lautesten Stimmen seiner Generation direkt in Frage. Seine Ideen waren so wichtig, dass es kaum zu glauben scheint, dass Gilliam zuvor nie eine Einzelausstellung in Europa hatte. Doch wenn man seine Laufbahn genau betrachtet, ist das vielleicht gar nicht so überraschend. Gilliam hat immer seinen eigenen Weg gegangen. Obwohl seine Arbeit half, den vielschichtigen Kunstmarkt zu etablieren, den wir heute kennen, hat er sich nie den Erwartungen dieses Marktes angepasst. Kurz gesagt, Gilliam ist ein Rebell. Trotz seiner Vertretung der Vereinigten Staaten auf der Biennale von Venedig zweimal – 1972 und 2017 – unterschrieb er erst kürzlich zum ersten Mal in seiner Karriere bei einer Galerie. Früher, selbst wenn er im Rampenlicht stand, verkaufte er seine Werke meist selbst aus seinem Atelier. Dennoch gehörten zu seinen Käufern Dutzende der renommiertesten Museen der Welt, darunter die Tate Modern, das Guggenheim Museum in New York, das Metropolitan Museum of Art, das MoMA und die National Gallery of Art in Washington, DC, die alle seine Werke besitzen. Seine Bereitschaft, niemals das zu tun, was erwartet wird, könnte gut der Grund sein, warum Gilliam erst jetzt Gegenstand einer monografischen europäischen Ausstellung ist. Aber es ist auch das, was zu seinen größten Durchbrüchen führte. Sein einzigartiges Vertrauen in seine eigene Vision macht Gilliam zum perfekten Vertreter von Unabhängigkeit in der Kunstwelt und hat ihn zu einer lebenden Legende der zeitgenössischen abstrakten Kunst gemacht.

An der abgeschrägten Kante

Gilliam, geboren 1933, begann seine berufliche Laufbahn zu einer Zeit, als die Strömungen in Richtung Minimalismus, geometrische Abstraktion und Post-Painterly Abstraktion gingen. Wie viele Maler seiner Generation begann er genau mit dieser Art von Arbeiten. Seine geometrisch-hartkantigen abstrakten Werke aus den frühen 1960er Jahren erinnern an Künstler wie Frank Stella, Max Bill oder Carmen Herrera. Das Jahr, in dem sich für Gilliam alles änderte, war 1967. Damals übernahm er eine völlig andere Methode, indem er Acrylfarbe direkt auf ungrundierte Leinwand goss und die Leinwand dann faltete, während die Farbe noch nass war. Anschließend ließ er die Leinwand trocknen, sodass die zerknitterten Linien dauerhaft in das Material eingearbeitet wurden. Erst danach spannte er die Leinwand auf Keilrahmen.

Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Acryl auf Leinwand, 282,6 x 293,4 x 5,1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, mit freundlicher Genehmigung des Künstlers, des Metropolitan Museum of Art, New York, und der David Kordansky Gallery, Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zürich

Die durch diese Methode entstehenden Linien sind Überreste der Hand des Künstlers und verleihen dem Kunstobjekt Struktur und Dreidimensionalität. Diese Neuerung allein war bahnbrechend. Doch Gilliam hörte nicht auf. Er fasste die Kanten seiner Keilrahmen ab, was die Aufmerksamkeit auf die Seiten der Gemälde lenkte und ihnen neben der Oberfläche gleiche Bedeutung verlieh. Die abgeschrägten Kanten ließen die Gemälde so erscheinen, als würden sie aus der Wand herausragen, statt einfach an ihr zu hängen. Dadurch erhielten die Gemälde eine fast skulpturale Präsenz. Er nannte diese Werke „Slice Paintings“ (Scheibengemälde). Das Wort „Slice“ hatte mehrere Bedeutungen. Die Keilrahmen wurden eingeschnitten, wodurch der abgeschrägte Effekt entstand. Außerdem wirkten die Falten in der Leinwand wie Einschnitte ins Bild, die unvorhersehbare Farbkombinationen und unerwartete strukturelle Variationen erzeugten, die an Flussbetten erinnern, die in die Erdoberfläche eingeschnitten sind.

Sam Gilliam - Rondo, 1971. Acryl auf Leinwand, Eichenbalken. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, mit freundlicher Genehmigung des Künstlers, Kunstmuseum Basel und David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zürich

Nie zweimal gleich

Die nächste Innovation, für die Gilliam bekannt ist, entstand 1968, als er sein erstes „Drape Painting“ (Faltenbild) schuf. Diese Werkgruppe bewegt sich in einem theoretischen Raum irgendwo zwischen Malerei, Skulptur und Installation, da sie auf Keilrahmen verzichtet und somit die Definition dessen, was ein Gemälde sein kann, erweitert. Gilliam malte seine „Drape Paintings“ mit derselben Methode wie seine „Slice Paintings“, indem er Acrylfarbe direkt auf ungrundierte Leinwand goss. Doch anstatt die Leinwand zu zerknittern und dann zu spannen, hängte er sie einfach wie einen Vorhang oder ein Kleidungsstück direkt an die Wand. Seine „Drape Paintings“ hoben die Idee der geformten Leinwand auf eine neue Ebene, da das Werk bei jeder Präsentation eine völlig neue Form annimmt. Gilliam bemerkte erfreut, dass seine „Drape Paintings“ nie zweimal gleich gezeigt werden.

Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, Acryl auf Leinwand, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und des Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zürich

Seit seinen großen Durchbrüchen Ende der 1960er Jahre experimentiert und entwickelt sich Gilliam als Künstler weiter. Er erweiterte sein Spektrum an Oberflächen und malte auf Papier und Holz. Außerdem erforschte er die Grenzen der Collage und fand immer neue Wege, Materialien, Medien und Techniken zu verbinden. Trotz der offensichtlichen Unterschiede in seinen verschiedenen Werkgruppen gibt es einen Aspekt, der alles, was Gilliam getan hat, definiert und seinen einzigartigen Beitrag zur zeitgenössischen Kunst ausmacht: Er half uns zu verstehen, dass Malerei und Skulptur wirklich dasselbe sind. Oft heißt es, ein Künstler habe die Grenzen zwischen Malerei und Skulptur verwischt, vielleicht weil seine Gemälde Dimension besitzen oder von der Decke hängen oder auf dem Boden stehen. Gilliam erreichte viel mehr. Er behandelt seine Oberflächen wirklich so, wie ein Bildhauer Metall, Marmor oder Ton behandeln würde. Er beweist, dass die Oberfläche eines Gemäldes die Fähigkeit besitzt, Gefühle zu vermitteln, eine Geschichte zu erzählen oder formale Inhalte zu kommunizieren. Er definiert die Oberfläche als mehr als nur Träger – er macht sie selbst zum Medium. Die Musik der Farbe: Sam Gilliam, 1967 – 1973 ist noch bis zum 30. September im Kunstmuseum Basel zu sehen.

Titelbild: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Acryl auf Leinwand, 304,8 x 2269 cm. Corcoran Collection, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zürich

Von Phillip Barcio