Die coolen Jahre in LA und die frühen Werke von Judy Chicago

Judy Chicago gehört zweifellos zu den einflussreichsten Künstlerinnen der Gegenwart. Ihre monumentale Installation „Dinner Party“ (1974-79), teils minimalistisches Symbol, teils feministisches Meisterwerk, löste gleichzeitig Kritik und Lob aus und etablierte sie als kulturelle Wegbereiterin. Dennoch gibt es viele, die mit ihren frühen Werken noch nicht vertraut sind. Chicago ist seit den 1970er Jahren ein so lebendiges und produktives Mitglied der Avantgarde, dass viele ihrer experimentellen Arbeiten aus den 1960er Jahren von zeitgenössischen Betrachtern, einschließlich vieler ihrer größten Bewunderer, nie gesehen wurden. Glücklicherweise zeigt die Villa Arson in Nizza, Frankreich, diesen Sommer, in Erwartung einer Judy Chicago-Retrospektive, die im Dezember im Miami MOCA während der Art Basel Miami Beach eröffnet wird, eine innovative Ausstellung, die darauf abzielt, ihre frühen Experimente wieder ins Licht zu rücken und ihnen den gebührenden Respekt zu erweisen. Unter dem Titel Los Angeles, die coolen Jahre / Judy Chicago bietet die Ausstellung einen detaillierten und intimen Einblick in die vielen ästhetischen Phasen, die Chicago bis zur Entstehung der „Dinner Party“ durchlief. Sie zeigt die unglaubliche Bandbreite an Ideen, die diese Künstlerin in diesem wichtigen Jahrzehnt entwickelte, und gewährt einen Blick auf ein unbestreitbares Genie, das damals wie heute ganz der Offenheit und Weiterentwicklung verpflichtet ist.

Die Kraft eines Namens

Judith Sylvia Cohen wurde 1939 in Chicago, Illinois, geboren. Ihr Vater, Arthur Cohen, war ein liberaler und aufgeschlossener Rabbiner, der sowohl Judy als auch ihrem Bruder eine Wertschätzung für Kunst und Musik sowie für Gleichberechtigung der Geschlechter und Respekt vor den Rechten der Arbeiter vermittelte. Judy war erst fünf Jahre alt, als sie erstmals Kurse am Art Institute of Chicago besuchte. Doch leider starb ihr Vater, als Judy gerade 13 Jahre alt war. Fünf Jahre später verließ Judy ihre Heimatstadt und zog nach Kalifornien, wo sie sich als Kunststudentin an der UCLA einschrieb. Dort traf sie ihren ersten Ehemann, Jerry Gerowitz, der tragischerweise nur fünf Jahre später bei einem Autounfall ums Leben kam, sodass Judy im Alter von 23 Jahren Witwe wurde. Neben diesen verheerenden Verlusten – ihres Vaters und ihres ersten Ehemanns – sah sich Judy mit der grausamen, ironischen Vorstellung konfrontiert, dass die einzigen Namen, unter denen sie je bekannt war, Männernamen waren. Trotz ihrer Liebe zu ihnen empfand sie Groll darüber, nie die Chance gehabt zu haben, ihre eigene Identität zu wählen.

Judy Chicago – Flight Hood, 1965-2011. Sprühfarbe auf Corvair-Motorhaube, 109 x 109 x 71,1 cm. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Während sie auf ihren Masterabschluss hinarbeitete, rang Judy damit, ihre wahre Identität zu verstehen und fragte sich, wie sie sich nennen sollte. Um 1965 begann sie eine Reihe von Gemälden auf Motorhauben, die Symbolik in Bezug auf Geschlechterrollen und Sexualität enthielten. Die Oberfläche spricht dabei qualvoll von den Umständen, unter denen ihre Liebe kürzlich gestorben war. 1967 wurde ein Aufsatz von Lucy Lippard und John Chandler mit dem Titel „Die Entmaterialisierung der Kunst“ veröffentlicht, der Judy dazu anregte, über den wahren Wert konkreter Gegenstände und damit auch materieller Bezeichnungen in Bezug auf Identität nachzudenken. Ihre Gedanken zu diesem Thema brachte sie 1969 mit einer Reihe von Atmosphere-Werken zum Ausdruck, bei denen Feuerwerkskörper flüchtige Rauchwolken erzeugten. Bis 1970 hatte ihre Arbeit ihr zu einem Moment der Entschlossenheit verholfen. Sie löste ihr früheres Selbst auf und trat als selbstbewusstere, selbstverwirklichte Künstlerin hervor. Zur Feier dessen schaltete sie eine Anzeige im Artforum und hängte gleichzeitig ein Banner bei einer ihrer Einzelausstellungen auf, auf dem stand: „Judy Gerowitz entledigt sich hiermit aller ihr durch männliche soziale Dominanz auferlegten Namen und wählt ihren eigenen Namen, Judy Chicago.“

Judy Chicago – Evening Fan aus der Fresno Fans-Serie, 1971. Sprühlack auf Acryl, 152,4 x 304,8 cm. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Alle Formen und Farben

Neben den sehr persönlichen Werken, die Judy Chicago in den 1960er Jahren schuf, entstanden auch mehrere Werkgruppen, die sich mit den damals in der Kunstwelt aufkommenden akademischen Fragestellungen auseinandersetzten. Die aktuelle Ausstellung in der Villa Arson in Nizza rekonstruiert einige dieser bahnbrechenden Arbeiten. Eine davon ist „Feather Room“ (1967), ein weißer Kubus-Galerieraum, der knietief mit Federn gefüllt ist. Eine andere, mit dem Titel „Rearrangeable Rainbow Blocks“ (1965), bietet eine verspielte, spielerische Perspektive auf den Minimalismus und setzt dem stoischen, von Männern dominierten Blickwinkel von Künstlern wie Donald Judd etwas Flüssiges, Kreatives und Offenes entgegen. Diese Werke zusammen mit ihren Motorhauben-Gemälden und Bildern aus der Atmospheres-Serie zu sehen, vermittelt ein viel komplexeres Bild von Chicago als die meisten anderen Ausstellungen bisher. Diese Ausstellung zeigt eine witzige, intelligente, hochkonzeptuelle Persönlichkeit, die keine Scheu hat, sowohl ihre intellektuelle als auch ihre poetische, menschliche Seite auszudrücken. Es ist eine Ausstellung voller Gefühl und Herz, die uns einen einfühlsamen, facettenreichen Blick auf Chicago gewährt, den diese Künstlerin verdient.

Judy Chicago – Rearrangeable Rainbow Blocks, 1965. Lack auf Aluminium, 12 Elemente: 6 Blöcke 30,5 x 30,5 x 121,9 cm und 6 Blöcke 61 x 61 x 30,5 cm. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Darüber hinaus hat Géraldine Gourbe, die Kuratorin dieser Ausstellung, die innovative Idee verfolgt, die üblichen Grenzen einer Einzelausstellung neu zu denken. Sie bezeichnet diese Schau als „monografische und kollektive Ausstellung“ und kuratierte sie aus der Perspektive, dass wir die Arbeiten, die Chicago in dieser entscheidenden Lebensphase schuf, nicht wirklich vollständig würdigen können, ohne auch einige wichtige Werke von Zeitgenossen zu sehen, die sie direkt beeinflussten. Ich finde diese Idee großartig, dass eine Einzelausstellung auch eine kleine Auswahl von Werken anderer Künstler enthalten kann, die die gezeigte Künstlerin inspirierten, die ausgestellten Werke zu schaffen. In diesem Fall stammen die anderen gezeigten Werke von Marcia Hafif, John McCracken, Robert Morris, Bruce Nauman, Pat O'Neill und DeWain Valentine, die jeweils für sich genommen Innovatoren sind. Sie zeigen, dass Chicago trotz der intensiven persönlichen Umstände nicht isoliert arbeitete oder dachte. Außerdem schmälern sie Chicago keineswegs, sondern heben ihr Genie vielmehr hervor, indem sie genau aufzeigen, wie sie sich von den anderen brillanten Künstlern ihrer Generation abhob, auch wenn diese ihre Vision mitprägten. Wenn Sie diesen Sommer oder Herbst in Frankreich sind und diese außergewöhnliche Ausstellung selbst erleben möchten, ist Los Angeles, die coolen Jahre / Judy Chicago bis zum 4. November 2018 in der Villa Arson Nizza zu sehen.

Titelbild: Judy Chicago – Modell für Fresno Fan #6, 1971. Sprühlack auf Acryl, gerahmte Maße: 38,1 x 76,2 cm. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Salon 94, New York. ADAGP 2018

Von Phillip Barcio