Die coolen Jahre in LA und die frühen Werke von Judy Chicago

Judy Chicago gehört zweifellos zu den einflussreichsten Künstlerinnen der heutigen Zeit. Ihre monumentale Installation „Dinner Party“ (1974-79), die teilweise ein Minimalismus-Ikone und teilweise ein feministisches Meisterwerk ist, inspirierte sowohl Kritik als auch Lob und etablierte sie als kulturelle Pionierin. Dennoch gibt es viele, die mit ihren frühen Arbeiten noch nicht vertraut sind. Chicago ist seit den 1970er Jahren ein so vitales und produktives Mitglied der Avantgarde, dass viele ihrer experimentellen Werke aus den 1960er Jahren von zeitgenössischen Betrachtern, einschließlich vieler ihrer größten Fans, nie gesehen wurden. Glücklicherweise wird in diesem Sommer, in Erwartung einer Retrospektive von Judy Chicago, die im Dezember im Miami MOCA während der Art Basel Miami Beach eröffnet, die Villa Arson in Nizza, Frankreich, eine innovative Ausstellung ausrichten, die darauf abzielt, ihre frühen Experimente wieder ins Licht zu bringen und ihnen den Respekt zu geben, den sie verdienen. Betitelt Los Angeles, die coolen Jahre / Judy Chicago, bietet die Ausstellung einen detaillierten und intimen Einblick in die vielen ästhetischen Phasen, die Chicago bis zur Schaffung von „Dinner Party“ durchlief. Sie zeigt die unglaubliche Bandbreite an Ideen, die diese Künstlerin in diesem entscheidenden Jahrzehnt entwickelte, und bietet einen Einblick in ein unbestreitbares Genie, das damals und immer noch völlig der Offenheit und dem Wachstum gewidmet war.

Die Macht eines Namens

Judith Sylvia Cohen wurde 1939 in Chicago, Illinois, geboren. Ihr Vater, Arthur Cohen, war ein liberaler und aufgeschlossener Rabbi, der sowohl Judy als auch ihrem Bruder eine Wertschätzung für die Künste und Musik sowie ein Bewusstsein für Geschlechtergleichheit und den Respekt vor den Rechten der Arbeiter vermittelte. Judy war erst fünf Jahre alt, als sie zum ersten Mal Kurse am Art Institute of Chicago belegte. Doch leider starb ihr Vater, als Judy erst 13 Jahre alt war. Fünf Jahre später verließ Judy ihre Heimatstadt und zog nach Kalifornien, wo sie sich als Kunststudentin an der UCLA immatrikulierte. Dort traf sie ihren ersten Ehemann, Jerry Gerowitz, der tragischerweise nur fünf Jahre später bei einem Autounfall starb und Judy mit 23 Jahren zur Witwe machte. Neben diesen verheerenden Verlusten, ihres Vaters und ihres ersten Ehemanns, sah sich Judy mit der grausamen, ironischen Vorstellung konfrontiert, dass die einzigen Namen, unter denen sie jemals bekannt gewesen war, Männern gehörten. Trotz ihrer Liebe zu ihnen ärgerte sie sich darüber, dass sie nie die Chance gehabt hatte, ihre eigene Identität zu wählen.

Judy Chicago - Flight Hood, 1965-2011. Sprühfarbe auf Corvair-Haube, 109 x 109 x 71,1 cm. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Während sie auf ihren Masterabschluss hinarbeitete, hatte Judy Schwierigkeiten, ihre wahre Identität zu verstehen, und fragte sich, wie sie sich selbst nennen sollte. Um 1965 begann sie mit einer Reihe von Gemälden auf Autohäusern, die Symbole im Zusammenhang mit Geschlechterrollen und Sexualität beinhalteten. Die Oberfläche spricht unterdessen qualvoll über die Umstände, unter denen ihre Liebe kürzlich gestorben war. 1967 wurde ein Aufsatz von Lucy Lippard und John Chandler mit dem Titel „Die Dematerialisierung der Kunst“ veröffentlicht, der Judy dazu inspirierte, über den wahren Wert konkreter Objekte und damit über materielle Etiketten im Zusammenhang mit Identität nachzudenken. Sie gab 1969 mit einer Reihe von Atmosphere-Arbeiten ihrer Meinung zu diesem Thema Ausdruck, in denen Feuerwerke Wolken aus vergänglichem Rauch erzeugten. Bis 1970 hatte ihre Arbeit ihr geholfen, einen Moment der Entschlossenheit zu erreichen. Sie löste ihr vergangenes Ich auf und trat als eine selbstbewusstere, selbstverwirklichte Künstlerin hervor. Zur Feier veröffentlichte sie eine Anzeige in Artforum und hängte gleichzeitig ein Banner bei einer ihrer Einzelausstellungen auf, auf dem stand: „Judy Gerowitz entledigt sich hiermit aller Namen, die ihr durch männliche soziale Dominanz auferlegt wurden, und wählt ihren eigenen Namen, Judy Chicago.“

Judy Chicago - Abendfächer aus der Fresno Fans-Serie, 1971. Sprühacryllack auf Acryl, 152,4 x 304,8 cm. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Alle Formen und Farben

Neben den sehr persönlichen Arbeiten, die Judy Chicago in den 1960er Jahren schuf, entwickelte sie auch mehrere Werkgruppen, die sich mit den akademischeren Themen auseinandersetzten, die zu dieser Zeit in der Kunstwelt aufkamen. Die aktuelle Ausstellung in der Villa Arson in Nizza rekonstruiert mehrere dieser bahnbrechenden Werke. Eines davon ist der "Feather Room" (1967), ein weißer Kubus-Galerieraum, der knietief mit Federn gefüllt ist. Ein weiteres, mit dem Titel "Rearrangeable Rainbow Blocks" (1965), bietet eine verspielte, spielbasierte Perspektive auf Minimalismus, die den stoischen, männlich dominierten Standpunkt von Künstlern wie Donald Judd mit etwas Fluidem, Kreativem und Offenem kontert. Diese Werke zusammen mit ihren Autokappen-Stücken und Bildern ihrer Atmospheres-Serie zu sehen, bietet eine viel komplexere Vision von Chicago, als die meisten anderen Ausstellungen in der Vergangenheit geboten haben. Diese Ausstellung porträtiert eine witzige, intelligente, hochkonzeptionelle Person, die keine Angst hat, sowohl ihre intellektuelle Seite als auch ihre poetische, menschliche Seite auszudrücken. Es ist eine Ausstellung, die reich an Gefühl und voller Herz ist und uns den sympathischen, gut abgerundeten Einblick in Chicago gibt, den diese Künstlerin verdient.

Judy Chicago - Umstellbare Regenbogenblöcke, 1965. Lack auf Aluminium, 12 Elemente: 6 Blöcke 30,5 x 30,5 x 121,9 cm und 6 Blöcke 61 x 61 x 30,5 cm. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Salon 94 Gallery, New York. ADAGP 2018

Zusätzlich hat Géraldine Gourbe, die Kuratorin dieser Ausstellung, die innovative Idee verfolgt, die Grenzen einer Einzelausstellung neu zu denken. Sie bezeichnet diese Ausstellung als „eine monografische und kollektive Ausstellung“ und kuratierte sie aus der Perspektive, dass wir die Arbeiten, die Chicago in dieser entscheidenden Phase ihres Lebens geschaffen hat, nicht wirklich vollständig würdigen können, ohne auch einige wichtige Werke von einer Reihe von Zeitgenossen zu sehen, die sie direkt beeinflusst haben. Ich liebe diese Idee, dass eine Einzelausstellung auch nur eine kleine Auswahl von Werken anderer Künstler enthalten könnte, die den präsentierten Künstler inspiriert haben, die Werke zu schaffen, die zu sehen sind. In diesem Fall stammen die anderen ausgestellten Werke von Marcia Hafif, John McCracken, Robert Morris, Bruce Nauman, Pat O'Neill und DeWain Valentine, die jeweils Innovatoren auf ihre eigene Weise sind. Sie helfen zu demonstrieren, dass Chicago trotz intensiver persönlicher Umstände nicht in einem Vakuum arbeitete oder dachte. Darüber hinaus mindern sie Chicos Leistung nicht, sondern heben ihr Genie tatsächlich hervor, indem sie genau spezifizieren, wie sie sich von den anderen brillanten Künstlern ihrer Generation abhob, auch wenn sie dazu beitrugen, ihre Vision zu formen. Wenn Sie diesen Sommer oder Herbst in Frankreich sind und diese außergewöhnliche Ausstellung selbst erleben möchten, Los Angeles, die coolen Jahre / Judy Chicago ist bis zum 4. November 2018 in der Villa Arson Nice zu sehen.

Vorschaubild: Judy Chicago - Modell für Fresno Fan #6, 1971. Sprühacryllack auf Acryl, gerahmte Abmessungen: 38,1 x 76,2 cm. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Salon 94, New York. ADAGP 2018

Von Phillip Barcio