Die Neugierigen Skulpturen von Sarah Braman

Die Objekte, die Sarah Braman erschafft, sind unheimlich. Zusammengesetzt aus einer Vielzahl gefundener Konsumgüter, industrieller Materialien und traditioneller künstlerischer Mittel, sind sie sofort vertraut, aber zugleich auch irgendwie fremd. Jedes Wesen, das Braman ins Dasein ruft, begegnet uns als Teil Artefakt und Teil Lebewesen: ein Individuum, aber auch offensichtlich Teil einer größeren Familie oder Spezies. Zusammengesetzt aus dem visuellen Abfall unseres gebauten Universums, laden sie uns freudig in ihre Gemeinschaft ein. Ihre verspielten Formen fesseln uns mit anthropomorpher Objektgestalt, sie ähneln bemitleidenswerten, aber geliebten Bewohnern einer Art Insel der fehlplatzierten Verwandlungskünstler. Einmal in ihrer Gegenwart versunken, lassen wir unsere Wachsamkeit fallen. Und genau dann reißen sie uns auf, um unsere Verwundbarkeiten zu offenbaren: unsere Nostalgie; unseren Materialismus; und unsere geheime Scham über die seltsamen Wege, auf denen wir unsere Welt umgestalten, um Trost zu finden. Wir könnten uns zurückziehen und über Bramans Werk in formalen ästhetischen Begriffen sprechen, uns auf Elemente wie Geometrie, Farbe, Licht und Raum konzentrieren. Doch ihre Leistung besteht darin, dass ihr Werk mehr fordert. Es ruft Erinnerungen hervor. Es weckt Gefühle. Es beginnt Gespräche – zwischen Betrachtern, zwischen Gegenwart und Vergangenheit, zwischen Natur und Künstlichkeit, zwischen Objektivität und Subjektivität sowie zwischen Figürlichkeit und Abstraktion.

Die Beute des Krieges

Die jüngsten Arbeiten von Sarah Braman gehören zu ihren ausgereiftesten. Sie sind beredt und direkt – das Produkt einer Künstlerin mit großen Ideen und einem sicheren Gespür dafür, wie sie diese vermitteln kann. Ein Blick zurück auf ihre frühere Laufbahn zeigt faszinierend die Wurzeln ihrer Ästhetik und die Urformen dessen, was sie ihre „Denkmäler des Alltagslebens“ nennt. Im Jahr 2005 nahm Braman an einer Gemeinschaftsausstellung namens Sieben Tausend Jahre Krieg teil, die in CANADA, einer von Künstlern geführten Galerie an der Lower East Side in New York, stattfand. Sie steuerte eine skulpturale Assemblage und ein collagiertes Wandelement zur Ausstellung bei. Außerdem arbeitete sie mit dem Fotografen Phil Brauer zusammen, indem sie Schneehaufen, die sie auf einem kommerziellen Parkplatz fand, mit Sprühfarbe bearbeitete. Durch seine Kamera setzte Brauer die Haufen als leuchtende, alptraumhafte Berglandschaften in Szene. Ebenfalls in der Ausstellung waren mehrere ganz weiße Skulpturen von Aidas Bareikis zu sehen, die postapokalyptische Haufenarchitektur darstellen, die von der Natur zurückerobert wurde.

Der Titel der Ausstellung wirft die Frage auf: „Welcher Krieg?“ Die Arbeit scheint zu antworten: „Der Krieg zwischen Kultur und Natur.“ Vor etwa 7000 Jahren begannen unsere neolithischen Vorfahren mit dem, was man grob als Zivilisation bezeichnen könnte. Damals wurden das Rad und die Schrift erfunden, was den Beginn von Prozessen markierte, die unter anderem zur Anhäufung von Konsummüll, Pappe, Sprühfarbe, Fotografie, Plastik usw. führten. Die Arbeit spricht sicherlich die Auseinandersetzung zwischen Menschheit und natürlicher Welt an. Doch Zynismus war in Bramans Beitrag nicht zu erkennen. Er drückte Zuversicht aus, als ob dieser Krieg nicht eindeutig etwas Schlechtes sei; er sei einfach eine Tatsache. Was wir darüber empfinden, ist persönlich, nicht allgemein gültig.

Sieben Tausend Jahre Krieg, 2005, Installationsansicht, CANADA New York, © CANADA, Sarah Braman, Phil Brauer, Aidas Bareikis

Anhäufung und Objektivität

Die Ästhetik, die Braman seitdem entwickelt hat, ist eine der gefundenen Gegenstände, der Anhäufung und der ästhetischen Intervention. Sie ist keineswegs dieselbe Ausdrucksform, die mit modernistischen Künstlern der Vergangenheit verbunden ist, die ähnliche Positionen entwickelten, wie Robert Rauschenberg oder Arman. Rauschenberg verwendete gefundene Gegenstände so, dass sie ihre ursprüngliche Essenz bewahrten. Sein berühmtes Monogramm, das eine Ziege mit einem Reifen um den Bauch zeigt, drückt vollkommene Ziegenhaftigkeit und vollkommene Reifenhaftigkeit aus. Es ist eine Assemblage gefundener Gegenstände, die gründlich bearbeitet wurde, doch wir erkennen die einzelnen Teile. Arman hingegen erfreute sich in seinen Anhäufungen an der Gleichartigkeit ähnlicher Gegenstände. Seine Hornanhäufungen rufen nur den Gedanken an Hörner hervor. Seine Uhrenanhäufungen lassen uns an „Uhren“ denken.

Sarah Braman - Zweite Kapitulation, 2002, Pappe, Acrylfarbe (links) und Installationsansicht von PS1 Greater New York, 2005, MoMA PS1, © Sarah Braman

Braman erreicht mit ihrer Arbeit etwas anderes. Ihre Schöpfungen nehmen Persönlichkeiten an, als ob das Zusammenkommen ihrer Teile unvermeidlich gewesen wäre; Elemente, die immer zusammengehören sollten, haben sich zu etwas Neuem geformt. Sie hat ein Gespür dafür, den Charakter von Materialien und Gegenständen auszudrücken, nicht auf eine altmodische Weise, sondern einfach so, dass sie lebendig werden. Ob Pappe, Plexiglas, ein Autoteil, ein Möbelstück, eine Tür, ein Zelt oder ein Baumstumpf – sie arbeitet mit den Materialien zusammen, anstatt ihnen eine Sichtweise aufzuzwingen. Ihre verborgene Wahrheit zeigt sich. Sie ist lebendig, und wir fühlen uns verbunden.

Sarah Braman - Du bist alles, 2016, Installationsansicht bei Mitchell-Innes & Nash, NY, © Sarah Braman, mit freundlicher Genehmigung von Mitchell-Innes & Nash, NY

Gefühlsbetontes Gestalten

Ein großer Teil der Kraft ihrer Arbeit liegt in Bramans Fähigkeit, Ausgangsmaterialien auszuwählen, die Gefühle vermitteln. Betrachten wir Sarg, eine skulpturale Assemblage, die einen abgetrennten Teil eines Wohnmobils enthält. Das „Wohnmobilstück“ wird nicht bei jedem Betrachter dieselbe persönliche Reaktion hervorrufen, aber es berührt zweifellos bei jedem, der es sieht, eine Erinnerung. Das Werk lädt zur persönlichen Betrachtung ein, während sein Aufbau eine objektive Interpretation anhand von Farbe, Form, Licht und Raum ermöglicht.

Vielleicht ist das wichtigste Element, das Sarah Braman in ihrer Arbeit einfängt, die Neugier. Jedes Objekt zieht uns zu sich hin. Es fordert dazu auf, untersucht zu werden. Es bietet Vertrautheit, bittet uns aber dann, über das Bekannte hinauszublicken. Einige Werke erlauben es den Betrachtern sogar, in sie hineinzusteigen. Das körperliche Einnehmen einer Skulptur baut eine Barriere ab. Es macht etwas Abstraktes zu etwas Nützlichem. Es weckt Neugier auf einer anderen Ebene, indem es Fragen nicht nur über das Werk, sondern auch über die Natur aller Kunst aufwirft.

Sarah Braman - Sarg, 2011, Wohnmobilstück, Stahl, Plexiglas und Farbe, © Sarah Braman, mit freundlicher Genehmigung von Mitchell-Innes & Nash, NY

Titelbild: Sarah Braman - Raumgespräch, 2016, Baumstumpf, Stahl und Glas, © Sarah Braman, mit freundlicher Genehmigung von Mitchell-Innes und Nash
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio