Die Neugierigen Skulpturen von Sarah Braman

Die Objekte Sarah Braman sind unheimlich. Sie bestehen aus einer Vielzahl von gefundenen Konsumgütern, industriellen Materialien und traditionellen Kunstmedien. Sie sind sofort vertraut, aber auch irgendwie fremd. Jedes Wesen, das Braman ins Leben ruft, konfrontiert uns als Teil Artefakt und Teil Wesen: ein Individuum, aber auch offensichtlich Teil einer größeren Familie oder Spezies. Zusammengesetzt aus dem visuellen Schutt unseres gebauten Universums, laden sie uns fröhlich in ihre Gruppe ein. Ihre verspielten Formen fesseln uns mit anthropomorpher Objekt-Haftigkeit und ähneln bedauernswerten, aber geliebten Bewohnern einer Insel der fehlgeschlagenen Transformers. Einmal in ihrer Gegenwart eingetaucht, lassen wir unsere Abwehr sinken. Und genau dann reißen sie uns auf, um unsere Verwundbarkeiten zu offenbaren: unsere Nostalgie; unseren Materialismus; und unsere geheime Scham über die seltsamen Wege, wie wir unsere Welt umgestalten, um Trost zu finden. Wir könnten uns zurückziehen und über die Arbeit, die Braman leistet, in formalen ästhetischen Begriffen sprechen, wobei wir uns auf Elemente wie Geometrie, Farbe, Licht und Raum konzentrieren. Aber ihr Erfolg besteht darin, dass ihre Arbeit mehr verlangt. Sie entzieht Erinnerungen. Sie ruft Gefühle hervor. Sie initiiert Gespräche – zwischen den Zuschauern, zwischen der Gegenwart und der Vergangenheit, zwischen dem Natürlichen und dem Synthetischen, zwischen dem Objektiven und dem Subjektiven und zwischen dem Figurativen und dem Abstrakten.

Die Kriegsbeute

Die jüngsten Arbeiten von Sarah Braman gehören zu ihren raffiniertesten. Sie sind eloquent und direkt – das Produkt einer Künstlerin mit großen Ideen und einem festen Verständnis dafür, wie man sie kommuniziert. Wenn man auf ihre frühere Karriere zurückblickt, ist es faszinierend, die Wurzeln ihrer Ästhetik und die proto-manifestationen dessen zu sehen, was sie ihre „Denkmaler des Alltags“ nennt. 2005 nahm Braman an einer gemeinsamen Ausstellung mit dem Titel Sieben Tausend Jahre Krieg im CANADA teil, einer von Künstlern betriebenen Galerie auf der Lower East Side von New York. Sie trug ein skulpturales Assemblage und ein collagiertes Wandelement zur Ausstellung bei. Außerdem arbeitete sie mit dem Fotografen Phil Brauer zusammen, indem sie Schneehaufen, die sie auf einem kommerziellen Parkplatz antraf, mit Sprühfarbe bemalte. Durch seine Kamera kontextualisierte Brauer die Haufen als leuchtende, albtraumhafte Berglandschaften. Ebenfalls in der Ausstellung waren mehrere reinweiße Skulpturen von Aidas Bareikis zu sehen, die post-apokalyptische Haufenarchitektur darstellen, die von der Natur zurückerobert wurde.

Der Titel der Ausstellung wirft die Frage auf: „Welcher Krieg?“ Das Werk scheint zu antworten: „Der Krieg zwischen Kultur und Natur.“ Vor etwa 7000 Jahren begaben sich unsere neolithischen Vorfahren auf das, was wir lose Zivilisation nennen könnten. Damals wurden das Rad und die Schriftsprache erfunden, was den Beginn von Prozessen markierte, die unter anderem zu Ansammlungen von Konsumabfällen, Pappe, Sprühfarbe, Fotografie, Plastik usw. führten. Das Werk spricht sicherlich von der Auseinandersetzung zwischen der Menschheit und der natürlichen Welt. Aber im Werk, das Braman beigetragen hat, war kein Zynismus zu erkennen. Es drückte Vertrauen aus, als ob dieser Krieg nicht eindeutig eine schlechte Sache ist; es ist einfach eine Sache. Was wir darüber empfinden, ist persönlich, nicht universell.

Sieben Tausend Jahre Krieg, 2005, Installationsansicht, CANADA New York, © CANADA, Sarah Braman, Phil Brauer, Aidas Bareikis

Ansammlung und Objektivität

Die Ästhetik, die Braman seitdem entwickelt hat, ist eine von gefundenen Objekten, Akkumulation und ästhetischer Intervention. Sie ist überhaupt nicht dasselbe Ausdruck, das mit den Modernisten der Vergangenheit verbunden ist, die ähnliche Positionen entwickelt haben, wie Robert Rauschenberg oder Arman. Rauschenberg verwendete gefundene Objekte auf eine Weise, dass sie ihre ursprüngliche Essenz behielten. Sein berühmtes Monogram, das eine Ziege mit einem Reifen um ihren Bauch zeigt, drückt volle Ziegenhaftigkeit und volle Reifenhaftigkeit aus. Es ist eine Zusammenstellung von gefundenen Objekten, die gründlich interveniert wurden, aber wir sind uns ihrer einzelnen Teile bewusst. Arman hingegen erfreute sich in seinen Akkumulationen an der Gleichheit, die in ähnlichen Objekten inhärent ist. Seine Hornakkumulationen rufen nur den Gedanken an Hörner hervor. Seine Uhrenakkumulationen lassen uns denken: „Uhren.“

Sarah Braman - Second Surrender, 2002, Pappe, Acrylfarbe (links) und Installationsansicht von PS1 Greater New York, 2005, MoMA PS1, © Sarah Braman

Braman erreicht mit ihrer Arbeit etwas anderes. Ihre Kreationen nehmen Persönlichkeiten an, als ob das Zusammenkommen ihrer Teile unvermeidlich war; Elemente, die immer dazu bestimmt waren, sich zu verbinden, haben sich zu etwas Neuem konfiguriert. Sie hat ein Talent dafür, den Charakter von Materialien und Objekten auszudrücken, nicht auf eine altmodische Weise, sondern einfach auf eine Weise, die sie belebt. Sei es Pappe, Plexiglas, ein Teil eines Autos, ein Möbelstück, eine Tür, ein Zelt oder ein Baumstumpf, sie arbeitet mit Materialien zusammen, anstatt ihnen einen Standpunkt aufzuzwingen. Ihre verborgene Wahrheit manifestiert sich. Es ist lebhaft, und wir können uns damit identifizieren.

Sarah Braman - You Are Everything, 2016, Installationsansicht bei Mitchell-Innes & Nash, NY, © Sarah Braman, mit freundlicher Genehmigung von Mitchell-Innes & Nash, NY

Emotionales Design

Ein großer Teil der Kraft in ihrem Werk stammt von der Fähigkeit, die Braman hat, Quellenmaterialien auszuwählen, die Emotionen vermitteln. Betrachten Sie Coffin, ein skulpturales Assemblage, das einen abgetrennten Abschnitt eines Freizeitfahrzeugs integriert. Der "Camper-Chunk" wird nicht bei jedem Betrachter die gleiche persönliche Reaktion hervorrufen, aber er berührt zweifellos eine Erinnerung im Geist jedes, der ihn sieht. Das Werk lädt zur persönlichen Kontemplation ein, während sein Design eine objektive Interpretation in Bezug auf Farbe, Form, Licht und Raum ermöglicht.

Vielleicht ist das wichtigste Element, das Sarah Braman in ihrer Arbeit einfängt, die Neugier. Jedes Objekt zieht uns zu sich hin. Es fordert dazu auf, untersucht zu werden. Es bietet uns Vertrautheit, fordert uns aber dann auf, über das hinauszuschauen, was wir wissen. Einige Werke erlauben es den Betrachtern sogar, in sie hinein zu klettern. Physisch in einer Skulptur zu wohnen, baut eine Barriere ab. Es verwandelt etwas Abstraktes in etwas Nützliches. Es lädt auf einer anderen Ebene zur Neugier ein, indem es Fragen aufwirft, nicht nur über das Werk, sondern auch über die Natur aller Kunst.

Sarah Braman - Sarg, 2011, Camper-Stück, Stahl, Plexiglas und Farbe, © Sarah Braman, mit freundlicher Genehmigung von Mitchell-Innes & Nash, NY

Titelbild: Sarah Braman - Space Talk, 2016, Baumstumpf, Stahl und Glas, © Sarah Braman, mit freundlicher Genehmigung von Mitchell-Innes und Nash
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio