Eine feine Beziehung zwischen Kalligrafie und Abstraktion

Kalligrafie ist der Ort, an dem Zeichen und Geste aufeinandertreffen. Im Kern ist Kalligrafie Schreiben. Sie verwendet die traditionellen Werkzeuge des Schreibers: Feder und Tinte oder Pinsel und Farbe. Doch das Ziel des Schreibens ist es, vorgegebene Bedeutungen durch standardisierte Sprachformen zu übermitteln. Der Kalligraf schreibt nicht einfach Worte, um einen festen Gedanken zu kommunizieren. Der Kalligraf nutzt die Feder oder den Pinsel als Verlängerung des ganzen Körpers und des ganzen Geistes. Die kalligrafische Linie soll etwas Metaphysisches ebenso wie Physisches vermitteln. Der Geist soll den Körper leiten, der sich in einer einheitlichen Geste bewegt und die Energie von Körper und Geist in den Arm, in die Hand, in die Feder und schließlich in die Linie überträgt. Kalligrafie existiert seit Tausenden von Jahren und hat sich unabhängig in vielen Kulturen weltweit entwickelt. In manchen Kulturen wird der Kalligrafie so große Ehrfurcht entgegengebracht, dass eine direkte Verbindung zwischen kalligrafischem Schreiben und der Macht des Göttlichen hergestellt wird. Mit ihrer Tradition, Bedeutung über das Objektive hinaus in das Reich des Unbekannten zu vermitteln, ist es kein Wunder, dass Kalligrafie viele abstrakte Künstler angesprochen hat, besonders jene, die sich mit der Ausdruckskraft von Geste und Linie beschäftigen.

Uralte Bedeutung und Geste

Eine einfache Art, Kalligrafie zu betrachten, ist, dass sie eine Form hochdekorativen Schreibens ist. Viele Kalligrafen spezialisieren sich tatsächlich auf bestimmte kunstvolle Schriftstile, die an Altenglisch, antikes Latein, Arabisch oder ostasiatische Schrift erinnern. Doch der Geist hinter kalligrafischen Gesten ist nicht einfach das Kopieren einer bestehenden Schriftart oder eines Schriftschnitts. Das wäre das Gebiet der Typografie, die Buchstaben schreibt, die zwar dekorativ, aber leicht lesbar sind. Kalligrafie dreht sich mehr um individuelle Gesten und die Bedeutung, die im Schreiben über das in den Symbolen selbst Liegende hinaus ausgedrückt werden kann.

Lateinische Kalligrafie aus dem 4. Jahrhundert aus einer Abschrift von Virgils Aeneis, Foto mit freundlicher Genehmigung der Vatikanischen Bibliothek

Inwieweit eine kalligrafische Tradition versucht, das Unbekannte auszudrücken, hängt von der Kultur ab, aus der sie stammt. Antike lateinische Kalligrafie ähnelt eher einer traditionellen Schrift als einer ausdrucksstarken Kunstform. Doch jeder Buchstabe in der lateinischen Kalligrafie enthält dennoch einen Serifenstrich, eine kleine, ausdrucksstarke Linie an den Enden der Zeichen. Die Serife entsteht durch eine schnelle körperliche Geste, bei der die Federspitze vom Papier abgehoben wird. In der Serife findet sich der subtile, aber wichtige persönliche Ausdruck des Kalligrafen. Vergleichen Sie diese Feinheit mit dem ausdrucksstarken Schwung der arabischen Kalligrafie. Die dramatischste der fünf verschiedenen Formen arabischer Kalligrafie ist Thuluth, ein Name, der ungefähr „Drittel“ bedeutet und sich auf die Proportionen der geschriebenen Zeichen bezieht. Der bedeutendste Künstler, der mit Thuluth verbunden ist, war Mustafa Râkim (1757–1826), dessen kalligrafische Werke als das proportionale Ideal gelten, das große Präzision zeigt und zugleich maximale Energie ausdrückt.

Beispiel des Thuluth-Stils der arabischen Kalligrafie von Mustafa Rakim

Gestische Abstraktion

Aufgrund ihrer uralten Traditionen ist es nur natürlich, dass die kalligrafische Tradition für abstrakte Künstler von Bedeutung ist. Seit Beginn der Abstraktion, zumindest in der westlichen Tradition, haben sich zwei sich ergänzende, aber unterschiedliche Tendenzen immer wieder in den Werken vieler abstrakter Künstler gezeigt. Die eine Tendenz geht zum Präzisen: geometrische Abstraktion, Raster, mathematische Muster und so weiter. Die andere Tendenz geht zum Freien: impulsive Striche, intuitive Gesten, unterbewusstes Schreiben, biomorphe Formen usw. Kalligrafie bewegt sich in einem Raum, der beides umfasst. Sie ist systembasiert und lädt zugleich zu Intuition, Impulsivität und unterbewusster Einwirkung ein.

Viele der abstrakten Gemälde von Wassily Kandinsky sind in gewissem Sinne der perfekte Ausdruck des kalligrafischen Geistes. Sie werden manchmal als geometrische Abstraktion bezeichnet, wegen ihrer Verwendung universeller geometrischer Formen. Sie werden auch als lyrische Abstraktion und gestische Abstraktion bezeichnet, dank ihres Einsatzes spontaner, freier, biomorpher Linien. Viele ihrer Kurven und Markierungen korrespondieren mit denen, die in antiker Kalligrafie zu finden sind, besonders aus ostasiatischen und arabischen Traditionen. Ihre geometrischen Elemente drücken Stabilität und Kontrolle aus, während ihre gestischen, lyrischen Elemente die Energie des Unbekannten und die Dynamik des menschlichen Geistes vermitteln.

Wassily Kandinsky - Querlinie, 1923, Öl auf Leinwand, 140,0 × 200,0 cm © Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Deutschland

Kalligrafie und die Abstrakten Expressionisten

Nach dem Zweiten Weltkrieg war die Idee, eine tiefere Verbindung zum inneren Selbst herzustellen, für viele Künstler von großer Bedeutung. Besonders die Künstler des Abstrakten Expressionismus waren daran interessiert, jede Art von Philosophie oder Tradition zu erforschen, die ihnen ermöglichen könnte, sich auf tiefere, intuitivere und ehrlichere Weise auszudrücken. Die Traditionen der Kalligrafie beeinflussten viele Werke dieser Künstler, da sie einen Rahmen boten, um Körperlichkeit, Gefühl, Geist und den alten Geist in der Ausdruckskraft der physischen Linie zu vereinen.

Franz Kline stach als der abstrakte expressionistische Maler hervor, der am direktesten von Kalligrafie inspiriert war. Er ist bekannt dafür, unzählige Skizzen seiner Motive mit schwarzer Tinte auf Telefonbuchseiten anzufertigen. Die Skizzen entstanden schnell in Tinte und ähnelten in vielerlei Hinsicht den Kanji der ostasiatischen Kalligrafie. Der Legende nach vergrößerte sein Freund, der Maler Willem de Kooning, eine seiner kleinen Zeichnungen mit einem Projektor. Als Kline die Kraft der vergrößerten Linien sah, erkannte er die innewohnende Energie und das kommunikative Potenzial der kalligrafischen Linie. Seine Linien mussten sich nicht mehr auf ein Motiv beziehen; sie konnten selbst zu emotionalen Kräften werden. Von da an arbeitete Kline großformatig und schuf eindrucksvolle Bilder von Linien, die scheinbar schnell entstanden, tatsächlich aber das Ergebnis eines langen, überlegten Prozesses waren. Seine Fähigkeit, die Energie einer kalligrafischen Linie durch einen mühsamen Prozess zu vermitteln, bleibt eine der beeindruckendsten Leistungen seiner Laufbahn.

Franz Kline - Mahoning, 1956, Öl und Papier auf Leinwand, 204,2 × 255,3 cm, Leihgabe des Whitney Museum of Art © Franz Kline, Artists Rights Society (ARS), New York

Mythisches Schreiben

Viele andere abstrakte Künstler haben Wege gefunden und finden weiterhin neue Wege, elementare kalligrafische Techniken aufzubrechen, um neue Formen mythischen Schreibens zu schaffen. Mit Gesten, Linien, Energie und Mustern erschaffen sie neue Bildsprachen, die eine Vielzahl emotionaler Zustände hervorrufen und vermitteln können. Hier sind einige unserer Favoriten:

Cy Twombly - Untitled I (Bacchus), 2005, Acryl auf Leinwand, © Cy Twombly

Cy Twombly

Der amerikanische Maler Cy Twombly nutzte die Tradition der Kalligrafie, um das bildnerische Potenzial des Schreibens zu dekonstruieren. Seine Gemälde verwenden die geschriebene Linie, um kommunikative Bilder zu schaffen, die manchmal wie eine Mischung aus Gekritzel und Kanji wirken, aber ganz aus Geste und Gefühl bestehen. Früh in seiner Erforschung dieser Technik konzentrierte er sich mehr auf die symbolische Natur seiner Zeichen und schuf strukturierte Kompositionen. Mit zunehmender Freiheit und Experimentierfreude ließ er den kalligrafischen Impuls in einem abstrakteren, kursiven Stil zu, der als sein ikonisches „Gekritzel“ bekannt wurde.

Cy Twombly - Untitled, 1951, Acryl auf Leinwand, © Cy Twombly

Brice Marden

Bereits Mitte der 1970er Jahre als Maler von Monochromen berühmt, erfand Brice Marden seine Ästhetik neu, nachdem er mit der chinesischen kalligrafischen Schrift auf Gedichtrollen vertraut wurde. In einer Serie namens Cold Mountain Paintings schuf Marden intuitive kalligrafische Säulen abstrakter Zeichen. Ein chinesischer Mönch namens Hanshan und seine Gedichte vom Kalten Berg aus dem 9. Jahrhundert inspirierten diesen ästhetischen Ansatz. Die Gemälde, wie die Gedichte, sind Ausdruck von Freiheit, Instinkt, einer Verbindung zur Natur und der Schönheit harmonischer Systeme.

Melissa Meyer

Die Künstlerin der dritten Generation des Abstrakten Expressionismus, Melissa Meyer, integriert den Geist und die Ästhetik der Kalligrafie in ihre Kompositionen, die die ergänzenden Kräfte von Struktur und Instinkt durch Schichten abstrakter Zeichen zeigen. Jede Linie und Geste baut aufeinander auf und könnte als Symbole, Formen und Muster gelesen werden. Doch die Energie und Bewegung im Werk treten in den Vordergrund. Das Lesen ihrer gestischen Linien fordert letztlich eine emotionale Übersetzung, die zu einem Gefühl dynamischer Kraft und Ausgewogenheit führt.

Melissa Meyer - Regale, 2005, Öl auf Leinwand, © Melissa Meyer

Margaret Neill

Die Elemente von Kurve und Linie, die die Grundlage aller kalligrafischen Kunst bilden, sind auch die Basis der Werke der amerikanischen Künstlerin Margaret Neill. Ihre Gemälde isolieren das ausdrucksstärkste Element der kalligrafischen Linie, die lyrische Geste, und integrieren sie in die Schaffung vielschichtiger Kompositionen von Linien im Raum. Die Tiefe ihrer gestischen Kompositionen erschwert objektive Deutungen, widersetzt sich der Natur der Schrift, nimmt aber das dynamische, energetische Potenzial an, das das Wesen der alten Tradition der Kalligrafie verkörpert.

Margaret Neill - Manifest 1, 2015, Kohle und Wasser auf Papier

Titelbild: Melissa Meyer - Ambassade (Detail), 2007, Aquarell auf heißgepresstem Papier, © Melissa Meyer
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio