Die vielen Schattierungen und Medien von Jeremy Blake

Zahlreiche Artikel wurden über Jeremy Blake geschrieben. Doch seltsamerweise befassen sich nur wenige davon eingehend mit seiner Kunst. Als Multimedia-Künstler, der Anfang der 2000er Jahre bekannt wurde, arbeitete Blake mit Fotografie, Malerei und Video und wurde weithin für seine digitalen Videoprojektionen gelobt, die er zeitbasierte Gemälde nannte. Als er 2007 im Alter von nur 35 Jahren starb, war er auf dem besten Weg, sich als ernstzunehmender Künstler international einen Namen zu machen. Dennoch konzentrierte sich die überwältigende Mehrheit der Berichterstattung auf sein Privatleben: seine Liebesbeziehung, seinen Ruhm, sein Aussehen und das bizarre Labyrinth von Verschwörungstheorien rund um seinen Tod. Selbst die Kunstmedien neigten dazu, Blakes Werk nur in überschwänglichen Begriffen zu diskutieren, wobei sie sich auf dessen Glanz, seine Trippigkeit oder seine halluzinogenen Werte konzentrierten – Elemente, die gut zur Erzählung von ihm als Kunststar passen. Wir glauben, dass etwas Wichtiges in der Diskussion fehlt: nämlich der Wert des einzigartigen Werkes, das Blake aus der Perspektive der Kunst als Kunst geschaffen hat, und die faszinierenden Ideen, die es in Bezug auf die Gewohnheiten und Verantwortlichkeiten zeitgenössischer Betrachter aufwirft.

Meine Damen und Herren: Jeremy Blake

Ein Künstler- und Kritikerfreund von mir namens Scott Grow fragte mich einmal: „Findest du es seltsam, wenn du einen Künstler googlest und mehr Bilder von dem Künstler als von seinen Werken findest?“ Daraus entwickelte sich eine lange Diskussion über die relativen Vorzüge von Ruhm und die Macht von Faktoren wie Aussehen und Auftreten, die heute die Karriere junger Künstler machen oder brechen können. Was wäre, wenn das zu Zeiten von Mark Rothko so gewesen wäre? Würden wir heute noch über Rothko sprechen? Nicht, um den armen Rothko zu kritisieren, sondern um darauf hinzuweisen, dass sein Aussehen, seine Hipness, seine Haltung und sein Glanz (oder das völlige Fehlen davon) nichts mit den Chancen zu tun hatten, die er erhielt, oder mit der Ernsthaftigkeit, mit der man heute seine Werke betrachtet.

In dieser Hinsicht war Jeremy Blake das Gegenteil von Rothko. Er war unbestreitbar attraktiv und cool. Er hatte Selbstbewusstsein. Er gestaltete Cover für Beck und eine Animationssequenz für einen Film von Paul Thomas Anderson. Und er hatte eine ebenso attraktive, ebenso coole, ebenso kreative Lebenspartnerin, die zum Beispiel an einem Projekt mit David Sedaris arbeitete, bevor Sedaris bekannt wurde. Blake hatte auch Glaubwürdigkeit in der Kunstwelt, erhielt seinen BFA vom Art Institute of Chicago und seinen MFA vom California Institute of the Arts und wurde dreimal in die Whitney Biennale aufgenommen, 2000, 2002 und 2004. Doch die Frage ist, ob Blake diese Chancen auch bekommen hätte, wenn er unattraktiv und uncool gewesen wäre. Gibt es etwas an seiner Kunst, das von sich aus interessant genug ist, um diese Türen unabhängig davon zu öffnen?

Jeremy Blake - Hobhouse, 2006 Digitaler C-Druck 102 x 249 cm, Foto: Honor Fraser Gallery

Farbflächen

Wir sagen ja. Ein weiterer Grund, warum wir Mark Rothko im Vergleich zu Jeremy Blake heranzogen, ist, dass Blake am häufigsten mit diesem Künstler verglichen wird. Ein Grund für den Vergleich ist, dass beide Künstler abstrakte Farbflächen in ihre Werke einbezogen. Doch der Vergleich geht über die bloße Verwendung von Farbe hinaus. Beide schufen Werke, die nicht als Selbstzweck gelesen werden sollten. Rothko hoffte, dass seine Gemälde von den Betrachtern nicht nur als Gegenstände geschätzt werden, sondern als Vermittler, die Zugang zu einer größeren, transzendenten Erfahrung bieten können, ermöglicht durch die geistigen Eigenschaften der Farbe. Er wählte Farben basierend auf dem emotionalen Zustand, den er glaubte, hervorrufen zu können, und präsentierte die Farben so still wie möglich, sodass die Betrachter ihre eigene Reise lenken konnten.

Die zeitbasierten Gemälde von Jeremy Blake sind weit weniger still; im Vergleich zu einem Rothko schreien sie geradezu. Doch auch sie präsentieren Farbe als vermittelndes Element, das Möglichkeiten für transzendente Erfahrungen bietet. Für sein Werk von 2001 mit dem Titel Mod Lang schuf Blake eine 16-minütige Endlosschleife abstrakter Farbflächen, die sich verschieben und verwandeln, manchmal in formale geometrische Kompositionen und manchmal in scheinbar zufällige Farbwolken. Wie bei einem Rothko-Gemälde besitzen die Farben in Mod Lang sofort erkennbare emotionale Werte. Sie sind schockierend lebendig, und selbst wenn sie Formen annehmen, bleibt die Farbe der wichtigste Faktor. Sie sind so intensiv, dass sie direkt mit dem Unterbewusstsein in einer Weise verbunden sind, die fast halluzinogen erscheint.

Jeremy Blake - New Haven, 2001 Digitaler C-Druck 104 x 264 cm, Foto: Honor Fraser Gallery

Veränderliche Bilder

Was bei den zeitbasierten Gemälden von Jeremy Blake und den statischen Gemälden von Mark Rothko offensichtlich unterschiedlich ist, ist, dass sie sich verändern, während der Betrachter sie betrachtet. Die Farben entwickeln sich, bewegen sich und verwandeln sich auf vorbestimmte Weise. Während ein Farbflächen-Gemälde von Rothko einen Betrachter über längere Zeit in einem bestimmten emotionalen Zustand halten kann, zieht Mod Lang die Betrachter durch eine schizophrene Abfolge von Stimmungswechseln, ohne Zeit, in einem bestimmten emotionalen Zustand zu verweilen. In einem Interview mit dem San Francisco Museum of Modern Art bezeichnete Blake dies als „eine Manifestation von Neurosen“. Statt einzuladen, in ruhigen, nachdenklichen Gewässern zu baden, zwingt sein Werk dazu, in der Flut zu schwimmen.

Doch jedes Gemälde verändert sein Aussehen allmählich, wenn auch nur über Jahrzehnte hinweg, durch die Einflüsse von Luft, Licht und Schwerkraft. Diese Veränderungen liegen jedoch jenseits der Wahrnehmungsfähigkeit der Betrachter bei einer einzigen Betrachtung. Jeremy Blake beschleunigte diese Veränderungen. Er schuf Gemälde, die eher wie Chamäleons sind, die ihr Aussehen vor unseren Augen verändern und uns dazu bringen, zu hinterfragen, was wir genau sehen. Gleichzeitig unterlief er diese Veränderungen, indem er seine Projektionen in einer Schleife abspielte. Die Bilder verwandeln sich wiederholt und kehren dann immer wieder in ihren Ursprungszustand zurück, für immer. Wenn es ein geistiges Äquivalent gibt, dann bezieht es sich auf natürliche Zyklen, Wiedergeburt und die endlosen sich wiederholenden Konflikte des Daseins.

Jeremy Blake - Winchester-Trilogie, 2002 - 2004, Installationsansicht, Project Los Altos: SFMOMA, Silicon Valley, 2013

Bitte verantwortungsvoll betrachten

Obwohl wir viel Aufmerksamkeit auf ihre von Natur aus veränderliche Beschaffenheit richten, sind die Projektionen von Jeremy Blake auch feste Größen. Sie werden sich in Zukunft nicht weiter in neue, unvorhergesehene Dinge verwandeln. Wir können sie vollständig ansehen und dann erneut ansehen, und sie werden gleich sein. In diesem Sinne unterscheiden sie sich nicht von einer kinetischen Skulptur mit Motor oder einem Op-Art-Gemälde, das zu bewegen scheint, wenn wir es anstarren. Doch sie heben die Wirkung solcher Werke auf eine andere Ebene. Jeremy Blake hatte ein Gespür dafür, wie digitale Technik unsere Bildaufnahme beeinflusst. Er spürte, dass Menschen passiv unterhalten werden wollen und dass bewegte Bilder für viele Betrachter ansprechender sind als statische, weil sie weniger Zeit- und Geistesaufwand erfordern.

Doch es ist etwas Manipulatives an Kunst, die keine Kontemplation verlangt. Ein Betrachter wird in eine andere Beziehung zu einem Werk geführt, das ihn lenkt, als zu einem Werk, das einfach nur ist. Was wir als Betrachter nicht tun dürfen, ist, unsere Betrachtung zu hemmen, nur weil wir die bewegten Bilder nicht anhalten können. Wir müssen die Veränderungen gewissermaßen ignorieren und die Werke von Jeremy Blake als Umgebungen interpretieren. Sie sind wie ein James Turrell Skyspace. Sie verändern sich vor unseren Augen, aber wenn wir einen Weg finden, in ihnen zu sein, können wir uns mit ihnen verändern, wie Bruce Lee sagte, indem wir uns mit der Veränderung verändern und den „unveränderlichen Zustand“ erreichen.

Jeremy Blake - Slipping Into Sleep, 2003 Digitaler C-Druck 69 x 165 cm, Foto: Honor Fraser Gallery

Gemischte Absichten

Das mag alles zu schwer klingen. Die Absichten von James Turrell oder Mark Rothko mögen so weit von denen Jeremy Blakes entfernt sein, dass ein Vergleich eine Beleidigung für alle sein könnte. Was seine eigenen Absichten betrifft, sagte Jeremy Blake: „Ich versuche nur zu überlegen, wie viel Flexibilität man als Künstler braucht und wie viel man aus dem Medium herausholen kann… Aber was herauskommt, ist, denke ich, eine coole Mischung aus Neuem und Altem.“ Aber er sagte auch: „Ich möchte einen wachen Traum erschaffen, den man dann interpretieren soll.“

In einer anderen Aussage deutete Blake an, dass er vielleicht gar nicht ernsthaft mit seiner Kunst ist. „Als Kind war ich ein echter Klugscheißer“, sagte er. „Ich denke, ein großer Teil meines Ansatzes, je älter und tiefgründiger ich wurde, ist immer noch irgendwie humorvoll.“ Dennoch sind wir nicht verpflichtet, mit seinen Werken gemäß seinen Absichten umzugehen. Wir dürfen unsere eigenen haben. Betrachten Sie die Werkreihe, die Blake über das Winchester-Haus schuf, das verrückte Haus, das von der wahnsinnigen Witwe des Erfinders des Winchester-Gewehrs gebaut wurde. Das Haus wurde, wie Blake sagte, als „ein Raum zur Aufnahme von Geistern“ errichtet. Wir haben das Gefühl, dass Blake in seinem Werk dasselbe Ziel erreicht hat, egal ob wir es kontemplativ, hypnotisch, ästhetisch oder als halluzinogen wahrnehmen. Er schuf Räume, die unsere Geister aufnehmen und uns, wenn wir bereit sind, erlauben, in wache Träume einzutreten.

Jeremy Blake - Station to Station, 2001 Fünfkanalige digitale Animation mit Ton auf DVD 16-minütige Endlosschleife, Foto: Honor Fraser Gallery

Titelbild: Jeremy Blake - Sodium Fox, 2005, Standbilder von DVD, Foto: Honor Fraser Gallery
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio