Die Rolle biomorpher Formen in der abstrakten Kunst

Biomorphismus stammt von den griechischen Wörtern bio, was Leben bedeutet, und morphe, was Form bedeutet. Es bedeutet jedoch nicht Lebensform. Vielmehr bezeichnet es die Tendenz, das Aussehen oder die Eigenschaften eines lebenden Wesens zu zeigen. Obwohl es wissenschaftlich klingt, wurde der Begriff erstmals verwendet, um biomorphe Kunst in der Ausstellung Kubismus und Abstrakte Kunst von 1936 im MoMA zu beschreiben. Verfasst von Alfred H. Barr, definierte der Katalog dieser Ausstellung Biomorphismus als „kurvenreich statt geradlinig, dekorativ statt strukturell und romantisch statt klassisch in seiner Erhebung des Mystischen, des Spontanen und des Irrationalen.“ Barr prägte den Begriff, um den Betrachtern die Natur einer bestimmten Art von Abstraktion zu erklären, die seit dem frühen 20. Jahrhundert in der modernen Kunst auftauchte. Biomorphe Abstraktion verwendet eine Bildsprache, die auf biomorphen Formen basiert – knollenartige, üppige, prachtvolle Formen –, die weder gegenständlich noch geometrisch sind, aber auf unheimliche Weise vertraut wirken; Menschen erkennen sie und verbinden sich auf einer urtümlichen Ebene mit ihnen, obwohl sie sie noch nie zuvor gesehen haben.

Die Wurzeln des Biomorphismus

Ein französischer Philosoph namens Henri Bergson brachte die Konzepte, die dem Biomorphismus zugrunde liegen, Anfang des 20. Jahrhunderts erstmals zum Ausdruck. Zu dieser Zeit war die vorherrschende Haltung der Intellektuellenklasse, dass Vernunft und Wissenschaft die besten, wenn nicht die einzigen Wege seien, die wirkliche Welt zu verstehen. Eine besonders beliebte Sichtweise war die teleologische Perspektive. Die Teleologie besagt, dass alles zwei Arten von Zwecken hat: natürliche, angeborene oder innere Zwecke und unnatürliche, aufgezwungene oder äußere Zwecke. Zum Beispiel wäre der innere Zweck einer Blumenzwiebel, zu einer Blume zu wachsen. Der äußere Zweck einer Blumenzwiebel wäre, Einnahmen für den Besitzer eines Blumenzwiebelgeschäfts zu schaffen.

Henri Bergson glaubte, dass Zweck weder innerlich noch äußerlich sei, sondern formbar, unerkennbar und vielleicht nicht existent im Sinne einer objektiven Definition. Er hielt Intuition, basierend auf Erfahrung und Instinkt, für ebenso wichtig, wenn nicht wichtiger als Wissenschaft und Logik. Er erklärte, dass Kreativität sich auf dieselbe Weise wie die Natur entwickelt, durch Prozesse von Fruchtbarkeit, Mutation und das, was er als unvorhersehbare Neuheit beschrieb. Er war der Ansicht, dass es eine Grenze für Vernunft und Planbarkeit gibt und dass Zufälligkeit sowohl in der natürlichen Welt als auch im kreativen Schaffen der Künstler von wesentlicher Bedeutung ist. Wesentlich für seine Philosophie war Automatismus; die Idee, dass natürliche Systeme und kreative Individuen unabhängig und unvorhersehbar handeln können, ohne Vorbild oder Erklärung.

Wassily Kandinsky - Studie für Komposition II, 1910. 97,5 x 130,5 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York City, NY, USA

Biomorphe Kunst

Die von Bergson vorgeschlagenen Ideen standen im starken Gegensatz zur analytischen Herangehensweise vieler Künstler an ihre Arbeit. Eine der frühesten ästhetischen Manifestationen der natürlichen Prozesse, die Bergson beschrieb, war das Gemälde Le Bonheur de Vivre von Henri Matisse. Das Gemälde ist gegenständlich, aber abstrakt. Es zeigt Menschen, die nackt in einem edenähnlichen Paradies ruhen. Biomorphe Formen bilden die natürliche Umgebung, und die menschlichen Figuren sind korpulent und organisch wirkend. Die natürliche Umgebung scheint sich im Wandel zu befinden, und die Bildsprache, die sie mit den menschlichen Figuren teilen, deutet darauf hin, dass die Menschheit ebenfalls mit dem ständig sich entwickelnden Zustand der Natur verbunden ist. Die Ästhetik dieses Gemäldes bildete die Grundlage dessen, was später als biomorphe Abstraktion angesehen wurde.

Biomorphe Abstraktion war für viele Maler eine Alternative zum absichtlichen Formalismus, der die präzisen, geometrischen abstrakten Tendenzen von Stilen wie Konstruktivismus und Konkreter Kunst dominierte. Wassily Kandinsky interessierte sich besonders für die spirituellen und musikalischen Aspekte der abstrakten Kunst. Er verband biomorphe Formen mit den geometrischen Linien und Formen in seinen frühesten, rein abstrakten Gemälden. Obwohl der Maler Joan Miró darauf bestand, dass seine Gemälde nicht abstrakt, sondern darstellend seien und die Traumgestalten zeigen, die er in seinem Kopf sah, integrierte er auch berühmt biomorphe Formen in seinen ikonischen, eigenwilligen Stil.

Henri Matisse - Le Bonheur de Vivre (Die Freude am Leben), 1905-1906. Öl auf Leinwand. 175 x 241 cm. Barnes Foundation, Lower Merion, PA, USA

Biomorphe Skulptur

abstrakte Bildhauer war Jean Arp. Er integrierte zunächst biomorphe Formen in seine Wandreliefs, die eiförmigen Objekten ähnelten, mit Formen, die ineinander verschachtelt waren. Danach erweiterte er sein Schaffen auf biomorphe Skulpturen in einer großen Vielfalt von Formen und Größen und entwickelte im Laufe seiner Karriere eine umfangreiche Sprache organischer, natürlicher Formen.

Die Sprache der knollenartigen Formen, die Arp schuf, wurde zu einer tiefgreifenden Inspiration für die beiden britischen Bildhauer der Mitte des Jahrhunderts, die die Sprache der modernistischen biomorphen abstrakten Skulptur wirklich prägten. Der erste war Henry Moore, der Biomorphismus nutzte, um die wesentliche Verbindung zwischen Natur und Menschheit auszudrücken, und der vor allem für seine monumentalen biomorphen Abstraktionen liegender menschlicher Figuren bekannt ist. Die andere war Barbara Hepworth, die eine enorme Vielfalt an Materialien und Techniken einsetzte und die Sprache des Biomorphismus in ihrem monumentalen Werk stark erweiterte.

Joan Miró - Gemälde, 1933. Öl auf Leinwand. © 2008 Successio Miró / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Surrealismus und die andere Form

Einer der einflussreichsten Stile, auf die der Biomorphismus Einfluss nahm, war der Surrealismus. Yves Tanguy malte unheimliche, seltsam lebensechte, aber entfremdete Formen in seinen trostlosen surrealistischen Landschaften. Ihr hartes Licht und die unnatürliche Umgebung rufen apokalyptische Vorstellungen hervor, und die Formen selbst wirken eher wie Knochen und Überreste als wie Leben. Unterdessen bewohnen die schmelzenden, tropfenden, sich ständig verändernden Formen in den Gemälden von Salvador Dali einen Raum irgendwo zwischen Leben und Tod. Selbst das, was wie Stein erscheint, droht in seinen traumhaften Bildern zum Leben zu erwachen.

Die surrealistische Verwendung biomorpher Formen fügt der Betrachtung biomorpher abstrakter Kunst eine zusätzliche Deutungsebene hinzu. Diese Maler hatten eine besondere Verbindung zum Grundwort morphe. In der griechischen Mythologie ist Hypnos der Gott des Schlafes. Sein Sohn heißt Morpheus und ist der Gott der Träume. Der Surrealismus basierte auf der Erforschung des Unterbewusstseins und wurde stark von der Traumwelt beeinflusst. In diesem Sinne war er die ultimative Manifestation des Biomorphismus, da er auf wahrem Automatismus beruhte, dem perfekten Ausdruck von Freiheit und unvorhersehbarer Neuheit, und er bewohnte auch das Reich des Morpheus, des Gottes der Träume.

Die zeitgenössische biomorphe Tradition

Heute haben biomorphe Formen ihren Platz im allgemeinen ästhetischen Wortschatz der abstrakten Kunst gefunden, und viele zeitgenössische Künstler integrieren die Traditionen des Biomorphismus in ihre Arbeit. Der in Los Angeles ansässige abstrakte Maler Gary Paller erforscht diese Traditionen direkt, indem er intuitive, vielschichtige Kompositionen organischer Formen schafft, die zusammenzuschmiegen scheinen, eingebettet in die Rhythmen von Prozess und Entwicklung. Und der in Boston geborene New Yorker Künstler Dana Gordon integriert biomorphe Muster in seine Erkundungen formaler abstrakter Anliegen wie Farbe, Struktur und Linie.

Obwohl das zugrundeliegende Denken des Biomorphismus als Reaktion gegen Vernunft und Wissenschaft entstand, hat die Entwicklung des Biomorphismus in der Kunst uns geholfen zu erkennen, dass Menschen nicht mehr zwischen Vernunft und Instinkt wählen müssen. Sie hat uns geholfen, die rationale, analytische Seite unserer Natur mit der unheimlichen, natürlichen Schönheit dessen zu verbinden, was Alfred H. Barr die „mystische, das spontane und das irrationale“ biomorphe Welt nannte.

Titelbild: Yves Tanguy - Ich erwarte dich, 1934. Öl auf Leinwand. 72,39 x 114,3 cm. Rahmen: 88,9 × 127 × 2,54 cm. LACMA Sammlung
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio