Die Wunder der geometrischen Kunst Lateinamerikas

Eine der faszinierendsten Ausstellungen abstrakter Kunst weltweit ist derzeit in der Fondation Cartier pour l'Art Contemporain in Paris zu sehen. Unter dem Titel Southern Geometries, from Mexico to Patagonia behandelt die Ausstellung die gesamte Geschichte der geometrischen Kunst in Lateinamerika. Die ausgestellten Werke repräsentieren ein Erbe, das von den Valdivia, die sich vor etwa 3500 Jahren in Ecuador niederließen, bis in die Gegenwart reicht. Die Besonderheit dieser Ausstellung geht über die visuelle Schönheit der Werke hinaus. Sie ist auch außergewöhnlich, weil sie indigene Künstler angemessen würdigt, indem ihre Arbeiten gleichwertig neben denen kolonialer, modernistischer und zeitgenössischer abstrakter Künstler und Gestalter gezeigt werden. Die Kuratierung zerstört viele alte Illusionen. Für mich persönlich wurde dabei auch die Illusion zerschlagen, die ich oft habe, dass es einen grundlegenden Unterschied zwischen geometrischer Abstraktion und sogenannter „biomorpher“ Abstraktion gibt. Tatsächlich wurde ich im Verlauf der Ausstellung so geübt darin, geometrische Muster zu erkennen, dass ich begann, sie in den verschiedenen verwendeten Materialien offen verborgen zu sehen. Geometrische Muster verbergen sich in den linearen Strukturen von Holz und den kristallinen Formationen von Steinen, ganz zu schweigen von ihrer Präsenz in Früchten und Gemüse, was beweist, dass Geometrie tatsächlich ein wesentlicher Teil der organischen Welt ist. Doch die größte Annahme, die die Ausstellung widerlegt, ist der Glaube, dass die westlichen Gesellschaften des 19. und 20. Jahrhunderts die Erfinder der abstrakten Kunst seien. Die Kulturen, die die ältesten Objekte dieser Ausstellung schufen, beschäftigten sich mit geometrischer Abstraktion lange vor Malevich, Picasso und Mondrian. Anstatt das Genie ihrer materiellen Schöpfungen anzuerkennen, assimilierten europäische Kolonisten sie in ihre eigene Kultur und gingen von deren Überlegenheit aus. Diese Objekte selbstbewusst neben neueren Werken zu sehen, ist eine kraftvolle Erinnerung an die falschen Vorstellungen unserer kolonialen Vergangenheit. Es ist eine längst überfällige Anerkennung der ungebrochenen ästhetischen Linie, zu der zeitgenössische Kunst eindeutig gehört, und beweist, dass Abstraktion seit Beginn unserer Kultur Teil der menschlichen Bildkultur ist.

Auf Tradition aufbauen

Das Erste, was mir an dieser Ausstellung auffiel, ist die geometrische Qualität des Gebäudes, in dem sie untergebracht ist. Die linearen Balken und rechteckigen Fenster werden durch ein dreieckiges Metallstütznetz ausgeglichen. Die Struktur ist unverkennbar modern, und doch wirft eine massive Installation der paraguayischen Architekten Solano Benitez und Gloria Cabral im Hauptatrium die Frage auf, ob das zugrundeliegende Design des Gebäudes wirklich so modern ist, wie wir denken. Mit zerbrochenen Ziegeln und Beton schufen diese Gestalter eine modulare Skulptur aus Dreiecken, die in eleganter Konversation mit den architektonischen Grundzügen des Gebäudes steht. Die Materialeigenschaften ihres Werks rufen das handwerkliche Erbe menschlicher Architektur in Erinnerung und zeigen, dass die Muster und Rhythmen unserer heutigen Welt bis zu unseren frühesten Vorfahren zurückreichen. Doch in derselben Galerie erinnern 23 filigrane Drahtskulpturen der venezolanischen abstrakten Künstlerin Gego daran, dass es tatsächlich zeitgenössische Künstler gibt, die die Erforschung der geometrischen Abstraktion zu erstaunlichen neuen Höhen geführt haben. All das Wunder dessen, was möglich ist, wenn moderne Vorstellungskraft mit modernen Materialien und Techniken verbunden wird, zeigt sich in diesen fantastischen Werken.

Southern Geometries, from Mexico to Patagonia, Installationsansicht in der Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, 2018. Foto © Thibaut Voisin

Im Hauptsaal zeigt sich jedoch die wahre Kraft dieser Ausstellung. Hier vermischen sich 220 Kunstwerke von 70 Künstlern aus mehr als 15 Nationen über die Zeit hinweg. Inspiration fließt selbstbewusst in alle Richtungen. Jahrhundertealte Skulpturen aus Vulkangestein stehen neben einer hängenden Baumwollskulptur des 21. Jahrhunderts von Olga de Amaral, die selbst an ein „Penetrable“ aus der Mitte des 20. Jahrhunderts von Jesús Rafael Soto erinnert. Die linearen geometrischen Muster auf jahrhundertealten indigenen Spazierstöcken stehen in perfektem Dialog mit den Mustern, die die „Torres de Satélite“ (1968) in Mexiko schmücken, entworfen vom mexikanischen Architekten Luis Barragán, dem Maler Jesús Reyes Ferreira und dem Bildhauer Mathias Goeritz und für diese Ausstellung in einem Foto von Armando Salas Portugal festgehalten. In jedem ausgestellten Objekt scheinen die Muster, Formen und Gestalten zu verkünden, dass sie jede künstliche Abgrenzung von Material oder Methode übersteigen. Wir sehen denselben visuellen Wortschatz, der auf Gebäuden, Keramiken und Textilien gemalt ist, auch auf Leinwänden der kubanischstämmigen Malerin Carmen Herrera und des brasilianischen Künstlers Luiz Zerbini.

Southern Geometries, from Mexico to Patagonia, Installationsansicht in der Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, 2018. Foto © Thibaut Voisin

Verlorene und gefundene Erbschaften

Zu den komplizierteren Aspekten der Ausstellung, zumindest für mich, gehören Fotografien, die bemalte Körper indigener Menschen zeigen, die Anfang des 20. Jahrhunderts in Chile lebten. Es ist nicht die Körperbemalung, die mich verwirrt. Im Gegenteil, dieser Aspekt der Fotos berührte mich, mit seinem Ausdruck von etwas tief Schönem und Geistigem. Was mich eher beunruhigte, ist, dass nur der Fotograf namentlich genannt wird. Der Fotograf war Martin Gusinde, ein österreichischer Priester, der als Missionar nach Südamerika kam. Seine Untersuchung dieser Menschen war in gewissem Sinne anthropologisch. Doch in einem anderen Sinne ist sie vom unverkennbaren Nebel einer angenommenen kulturellen Überlegenheit umhüllt, der alle Missionsreisen begleitet. Wurden diese Fotos von einem bescheidenen Ethnologen gemacht, der einfach die Unterschiede zwischen verschiedenen Völkern verstehen wollte? Oder von jemandem, der glaubte, seine Aufgabe sei es, sogenannte primitive Menschen zu einem anderen Glaubenssystem zu bekehren?

Southern Geometries, from Mexico to Patagonia, Installationsansicht in der Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, 2018. Foto © Thibaut Voisin

Vielleicht ist es letztlich egal, welchen Zusammenhang ich den Fotografien oder anderen Werken dieser Ausstellung zuschreibe. Es gibt wahrscheinlich ebenso viele Argumente gegen Fotos von Missionaren wie gegen die Ausstellung von 3500 Jahre alten Skulpturen, die von Eroberern aus ihrem Ruheort entfernt wurden. Der Zweck dieser Ausstellung ist nicht, zu kritisieren, wie diese Objekte hierher kamen oder welche Absichten diejenigen hatten, die sie fanden oder schufen. Der Zweck ist rein visuell. Die Kuratoren geben eine klare Aussage über die Universalität der Wertschätzung geometrisch-abstrakter Kunst ab, dass sie etwas ist, das menschliche Kulturen aller Art und aus allen Zeiten eindeutig verbindet. Southern Geometries, from Mexico to Patagonia ist bis zum 24. Februar 2019 in der Fondation Cartier pour l'Art Contemporain in Paris zu sehen.

Titelbild: Southern Geometries, from Mexico to Patagonia, Installationsansicht in der Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, 2018. Foto © Thibaut Voisin
Von Phillip Barcio