Die Wunder der geometrischen Kunst Lateinamerikas

Eine der faszinierendsten Ausstellungen abstrakter Kunst, die derzeit weltweit zu sehen ist, findet in der Fondation Cartier pour l'Art Contemporain in Paris statt. Mit dem Titel Southern Geometries, from Mexico to Patagonia umfasst die Ausstellung die gesamte Geschichte der geometrischen Kunst in Lateinamerika. Die ausgestellten Werke repräsentieren ein Erbe, das von den Valdivia-Leuten stammt, die vor etwa 3500 Jahren in Ecuador siedelten, bis in die Gegenwart. Die Gründe, warum diese Ausstellung besonders ist, gehen über die Tatsache hinaus, dass die Arbeiten visuell beeindruckend sind. Sie ist auch außergewöhnlich, weil sie indigenen Künstlern ihren gebührenden Platz einräumt, indem sie ihre Werke gleichwertig neben den Arbeiten kolonialer, modernistischer und zeitgenössischer abstrakter Künstler und Designer ausstellt. Die Kuratierung zerschlägt viele alte Illusionen. Auf subtile Weise hat sie für mich die Illusion zerschlagen, die ich häufig hege, dass es einen grundlegenden Unterschied zwischen geometrischer Abstraktion und der sogenannten "biomorphen" Abstraktion gibt. Tatsächlich wurde ich während dieser Ausstellung so daran gewöhnt, geometrische Muster zu erkennen, dass ich begann, sie in den verschiedenen Materialien, die in den ausgestellten Arbeiten verwendet wurden, offen zu sehen. Geometrische Muster lauern in den linearen Strukturen von Holz und den kristallinen Formationen von Steinen, ganz zu schweigen von ihrer Präsenz in Früchten und Gemüse, was beweist, dass Geometrie tatsächlich ein wesentlicher Bestandteil der organischen Welt ist. Aber die größte Annahme, die die Ausstellung zerschlägt, ist der Glaube, dass die westlichen Gesellschaften des 19. und 20. Jahrhunderts den Anspruch auf die Erfindung der abstrakten Kunst erheben. Die Kulturen, die die ältesten Objekte in dieser Ausstellung geschaffen haben, waren lange vor Malevich, Picasso und Mondrian mit geometrischer Abstraktion beschäftigt. Anstatt das Genie in ihren materiellen Schöpfungen zu erkennen, assimilierten europäische Kolonisten sie in ihre eigene Kultur und gingen davon aus, dass diese überlegen sei. Diese Objekte, die selbstbewusst ihren unbestreitbaren Status neben neueren Schöpfungen verkünden, sind eine eindringliche Erinnerung an die falschen Vorstellungen unserer kolonialen Vergangenheit. Es ist eine dringend benötigte Anerkennung der ununterbrochenen ästhetischen Linie, zu der die zeitgenössische Kunst eindeutig gehört, und beweist, dass Abstraktion seit Beginn unserer Kultur Teil der menschlichen visuellen Kultur ist.

Auf Tradition aufbauen

Das erste, was mir an dieser Ausstellung auffiel, ist die geometrische Qualität des Gebäudes, in dem sie untergebracht ist. Die linearen Balken und rechteckigen Fenster werden durch ein dreieckiges Metallstütznetz ausgeglichen. Die Struktur ist unbestreitbar modern, und doch wirft eine massive Installation der paraguayischen Architekten Solano Benitez und Gloria Cabral im Hauptatrium die Frage auf, ob das zugrunde liegende Design des Gebäudes wirklich so modern ist, wie wir denken. Mit zerbrochenen Ziegeln und Beton haben diese Designer eine modulare Skulptur aus Dreiecken geschaffen, die in eleganter Konversation mit den architektonischen Grundelementen des Gebäudes spricht. Die Materialeigenschaften ihres Werkes rufen das handwerkliche Erbe der menschlichen Architektur in Erinnerung und erinnern uns daran, dass die Muster und Rhythmen, die in unserer zeitgenössischen Welt eingesetzt werden, bis zu unseren frühesten Vorfahren zurückreichen. Doch in derselben Galerie erinnern 23 filigrane Drahtskulpturen der venezolanischen abstrakten Künstlerin Gego uns daran, dass es in der Tat einige zeitgenössische Künstler gibt, die die Erforschung der geometrischen Abstraktion zu erstaunlichen neuen Höhen geführt haben. All das Wunderbare, was möglich ist, wenn die moderne Vorstellungskraft mit modernen Materialien und Techniken kombiniert wird, kommt in diesen fantastischen Werken zum Ausdruck.

"Südliche Geometrien, von Mexiko bis Patagonien, Installationsansicht in der Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, 2018. Foto © Thibaut Voisin"

In der Hauptgalerie zeigt sich jedoch die wahre Kraft dieser Ausstellung. Hier vermischen sich 220 Kunstwerke von 70 Künstlern, die mehr als 15 Nationen repräsentieren, über den Zeitraum hinweg. Inspiration fließt selbstbewusst in jede Richtung. Jahrhundertealte Vulkangesteinskulpturen stehen im Kontrast zu einer hängenden Baumwollskulptur des 21. Jahrhunderts von Olga de Amaral, die selbst an ein misslungenes „Penetrable“ von Jesús Rafael Soto aus dem 20. Jahrhundert erinnert. Die linearen geometrischen Designs auf jahrhundertealten indigenen Gehstöcken sprechen in perfektem Dialog mit den Mustern, die die „Torres de Satélite“ (1968) in Mexiko schmücken, die von dem mexikanischen Architekten Luis Barragán, dem Maler Jesús Reyes Ferreira und dem Bildhauer Mathias Goeritz entworfen und für diese Ausstellung in einem von Armando Salas Portugal aufgenommenen Foto festgehalten wurden. In jedem ausgestellten Objekt scheinen die Muster, Formen und Gestalten zu erklären, dass sie jede Art von künstlicher Abgrenzung von Medium oder Methode übersteigen. Wir sehen dasselbe visuelle Lexikon, das auf Gebäuden, Keramiken und Textilien gemalt ist, auch auf Leinwänden der in Kuba geborenen Malerin Carmen Herrera und des brasilianischen Künstlers Luiz Zerbini.

"Südliche Geometrien, von Mexiko bis Patagonien, Installationsansicht in der Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, 2018. Foto © Thibaut Voisin"

Vermächtnisse verloren und gefunden

Unter den komplizierteren Aspekten der Ausstellung, zumindest für mich, sind die Fotografien, die die bemalten Körper indigener Menschen zeigen, die im frühen 20. Jahrhundert in Chile lebten. Es ist nicht die Körpermalerei, die mich perplex macht. Im Gegenteil, das ist der Aspekt der Fotografien, der mich berührt hat, mit seinem Ausdruck von etwas zutiefst Schönem und Spirituellem. Was mich vielmehr stört, ist, dass nur der Fotograf namentlich genannt wird. Der Fotograf war Martin Gusinde, ein österreichischer Priester, der als Missionar nach Südamerika kam. Sein Studium dieser Menschen war anthropologisch im weitesten Sinne. Aber in einem anderen Sinne ist es von dem unverkennbaren Nebel der angenommenen kulturellen Überlegenheit umhüllt, der alle Missionsexpeditionen begleitet. Wurden diese Fotografien von einem bescheidenen Ethnologen aufgenommen, der einfach die Unterschiede zwischen verschiedenen Menschen verstehen wollte? Oder wurden sie von jemandem aufgenommen, der glaubte, seine Mission sei es, sogenannte primitive Menschen zu einem anderen Glaubenssystem zu bekehren?

"Südliche Geometrien, von Mexiko bis Patagonien, Installationsansicht in der Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, 2018. Foto © Thibaut Voisin"

Vielleicht spielt es letztendlich keine Rolle, welchen Kontext ich den Fotografien oder den anderen Werken in dieser Ausstellung zuschreibe. Es gibt wahrscheinlich ebenso viele Argumente gegen Fotografien, die von Missionaren aufgenommen wurden, wie es Argumente gegen die Ausstellung von 3500 Jahre alten Skulpturen gibt, die von Eroberern aus ihrem Ruheort entfernt wurden. Der Punkt dieser Ausstellung ist nicht, zu kritisieren, wie diese Objekte hierher gekommen sind, noch was die Absichten derjenigen waren, die sie gefunden oder geschaffen haben. Der Punkt ist rein visuell. Es wird eine definitive Aussage von den Kuratoren über die Universalität der Wertschätzung für geometrische abstrakte Kunst gemacht, dass es etwas ist, das eindeutig menschliche Kulturen aller Art und aus allen Epochen verbindet. Südliche Geometrien, von Mexiko bis Patagonien ist bis zum 24. Februar 2019 in der Fondation Cartier pour l'Art Contemporain in Paris zu sehen.

Titelbild: Southern Geometries, von Mexiko bis Patagonien, Installationsansicht in der Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, 2018. Foto © Thibaut Voisin
Von Phillip Barcio