Diese Künstler definieren die 3D-gedruckte Kunst weiterhin neu.

Ich hörte einmal einen Witz bei einer Kunstausstellung mit 3D-gedruckter Kunst. Er ging ungefähr so: „Woran erkennt man, dass man ein Stück 3D-gedruckter Kunst betrachtet?“ Antwort: „Weil es dir jeder sagt.“ Das brachte mich zuerst zum Lachen, weil es wahr ist – die Leute sind so begeistert von diesem Medium, dass sie einfach nicht widerstehen können, darüber zu reden. Und zweitens lachte ich, weil in fast jedem Fall von 3D-gedruckter Kunst, den ich gesehen habe, die Tatsache, dass sie mit einem 3D-Drucker hergestellt wurde, für mich irrelevant schien. Nichts an diesen Werken schien die Technologie zu erfordern. Alles hätte auch mit anderen Mitteln gemacht werden können. Das wirft die Frage auf: Worüber reden alle so aufgeregt? 3D-Drucker sind nur Werkzeuge, nicht anders in ihrer Natur als zum Beispiel Projektoren. Noch nie ist jemand in einer Galerie auf mich zugekommen, hat auf eine Zeichnung gezeigt und gesagt: „Das wurde mit einem Projektor gemacht.“ Aber andererseits ist mir auch noch nie jemand gekommen und hat gesagt: „Das wurde vollständig von Assistenten gemacht, während der Künstler im Urlaub war.“ Der Punkt ist, es spielt keine Rolle. Sobald die Idee für ein Kunstwerk entstanden ist und Schritte unternommen werden, sie zu verwirklichen, macht es keinen Unterschied, ob die eigentliche Arbeit von dieser Maschine oder jener Maschine, von dieser Hand oder jener Hand ausgeführt wird. Die Tatsache, dass ein 3D-Drucker zur Herstellung von Kunst verwendet wurde, bestätigt das Werk in keiner Weise – es ist nur ein Aspekt der Erfahrung und meist der unwichtigste. Das ist zumindest meine Meinung. Als ich also gebeten wurde, über Künstler zu schreiben, die 3D-gedruckte Kunst neu definieren, nahm ich die Perspektive ein, Künstler vorzustellen, die interessante Ideen haben und Werke schaffen, über die ich gerne sprechen möchte, unabhängig davon, wie die Werke entstehen. Mit diesem Vorbehalt hier sieben Künstler, die 3D-Drucktechnologie nutzen, um ihre Werke zu schaffen und durch die Kraft ihrer Ideen den Platz dieses neuen Werkzeugs in der zeitgenössischen Ästhetik neu definieren.

Rirkrit Tiravanija

Wenn Sie schon einmal den Begriff Relationale Ästhetik oder Relationale Kunst gehört haben, kennen Sie wahrscheinlich den thailändischen Künstler Rirkrit Tiravanija. Seine Arbeit war entscheidend für den Aufstieg dieser Art von Kunsterlebnis in den 1990er Jahren. Seine bekannteste relationale Kunstausstellung hieß pad thai. Für die Ausstellung, die 1990 in der Paula Allen Galerie in New York stattfand, kochte der Künstler anstatt Werke zu schaffen und zu zeigen Pad Thai im Ausstellungsraum und servierte es den Besuchern. Die Ausstellung half, die relationale Ästhetik als Erforschung der Idee zu definieren, dass Künstler weniger Schöpfer als vielmehr Vermittler von Erlebnissen sind. Die menschlichen Beziehungen, die aus diesen Erlebnissen entstehen, sind das Wichtigste.

Kürzlich erhielt Tiravanija Aufmerksamkeit für seine immersive Installation auf der Art Basel Hongkong 2017, die die Rolle von Kunst und Kunstgeschichte im menschlichen Erleben hinterfragte. Das Werk war im Wesentlichen ein riesiges Labyrinth aus traditionell gebundenem Bambus. Besucher betraten das Labyrinth und begegneten auf ihrem Weg allmählich fünf 3D-gedruckten Bonsai-Bäumen, jeder auf einem hölzernen Sockel, der von den skulpturalen Sockeln inspiriert war, die einst der Künstler Constantin BrâncuÈ™i schuf. Dass die Bonsai-Bäume 3D-gedruckt sind, ist nicht das Wichtigste. Entscheidend ist, dass sie künstlich sind. Der Sinn eines Bonsai-Baums ist, dass es sich um ein natürliches Ding handelt, das so von menschlicher Hand beeinflusst wurde, dass die menschliche Einwirkung nicht erkennbar ist. In diesem Fall arbeitet die Künstlichkeit der Bäume zusammen mit den anregenden Vorstellungen, die das Labyrinth hervorruft, und den kunsthistorischen Bezügen, um den Betrachtern ein abstraktes, offenes Erlebnis zu bieten, das soziale Interaktion verlangt, um seine möglichen Bedeutungsebenen zu erfassen.

Rirkrit Tiravanija – Untitled 2017 (kein Wasser kein Feuer), 2017. 3D-gedruckter Bonsai-Baum auf Holzsockel. © Rirkrit Tiravanija, mit freundlicher Genehmigung der Galerie Neugerriemschneider, Berlin

Wieki Somers

Das Wort Vanitas stammt aus dem Lateinischen und bedeutet Leere. Es wurde im 16. und 17. Jahrhundert in den Niederlanden als Bezeichnung für eine Art Stilllebenmalerei verwendet. Vanitas-Gemälde zeigen im Grunde Stillleben mit Sammlungen banaler, materieller Gegenstände, meist zusammen mit menschlichen Schädeln, um die Sinnlosigkeit der Jagd nach irdischen Dingen zu verdeutlichen. Die niederländische Künstlerin und Gestalterin Wieki Somers nutzte die Bildsprache der Vanitas-Gemälde in einer Reihe von 3D-gedruckten Kunstwerken, die sie 2010 als Antwort auf einen Designwettbewerb schuf, der Designer aufforderte, „über den Begriff Fortschritt nachzudenken“. Die Serie mit dem Titel Consume or Conserve zeigte drei Stillleben-Skulpturentafeln. Jede Tafel bestand aus banalen Alltagsgegenständen wie einer Waage, einem Staubsauger und einem Toaster, die vollständig aus der Asche menschlicher Überreste 3D-gedruckt waren.

In ihrer Erklärung zum Werk wies Somers darauf hin, dass die menschliche Technik so weit fortgeschritten sei, dass wir bald mit der Aussicht auf ewiges Leben konfrontiert sein könnten. „Aber“, fragte sie, „was nützt ein ewiges Leben, wenn wir es nur dazu nutzen, weiterhin bloße Verbraucher zu sein, die immer mehr Produkte anstreben, ohne Rücksicht auf die Folgen? Wenn wir diesen Weg der unkritischen Innovation weitergehen, könnten wir eines Tages selbst zu den Produkten werden, die wir zusammenbauen.“ Sie führte dieses Konzept zu seinem logischen Ende, indem sie buchstäblich Produkte aus den Überresten einst wertvoller Menschenleben schuf.

Wieki Somers – Consume or Conserve, 2010. 3D-gedruckte menschliche Überreste. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

Die in New York lebende Künstlerin Stephanie Lempert schafft Werke über Kommunikation. Sie möchte unsere Aufmerksamkeit auf die Sprache und die Art und Weise lenken, wie wir sie nutzen, um unsere Geschichten, unsere Geschichte und unsere Erinnerungen zu übermitteln und so Bedeutung in unserem Leben zu schaffen. Als vielseitige Künstlerin verwendet Lempert verschiedene Medien. Eine ihrer prägnantesten Werkreihen ist eine Serie namens Reconstructed Reliquaries, für die sie skulpturale Reliquien schuf, die buchstäblich aus Sprache gebaut sind. Diese Objekte sprechen auf mehreren Ebenen für sich selbst. Lempert erschuf sie mit Hilfe von 3D-Drucksoftware. Sie bevorzugt jedoch den branchenüblichen, aber weniger modischen Begriff schnell gefertigte Prototypskulptur.

Stephanie Lempert – Reconstructed Reliquaries, Auf der Suche nach verlorener Zeit, 2011. Schnell gefertigte Prototypskulptur. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

Der niederländische Künstler Theo Jansen wurde in den 1990er Jahren bekannt, als er begann, seine Strandbeests zu erschaffen, riesige, bewegliche Wesen, die scheinbar von selbst umherlaufen. Sie sind, wie er sie nennt, „selbstbewegende Strandtiere“. Vielleicht haben Sie Aufnahmen gesehen, wie sie poetisch an Stränden auf der ganzen Welt kriechen. Teil Gestalter, Teil Ingenieur und Teil Künstler sagte Jansen einmal: „Die Mauern zwischen Kunst und Technik existieren nur in unseren Köpfen.“ Normalerweise bestehen seine großen Kreationen aus PVC-Rohren. Doch kürzlich begann er, seine Werke für fast jeden zugänglich zu machen, indem er Miniatur-3D-gedruckte Strandbeests für nur 160,00 € zum Verkauf anbot. Am schönsten ist, dass jeder, der an die Pläne gelangt, sich eines ausdrucken lassen kann. Wie seine Webseite sagt: „Theo Jansens Strandbeests haben einen Weg gefunden, sich zu vermehren, indem sie ihre digitale DNA direkt in 3D-Drucksysteme einspeisen.“

Theo Jansen – Miniatur 3D-gedrucktes Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Die Werke des belgischen Künstlers Nick Ervinck schreien vor lebendigen Farben und aufregenden Formen und verkörpern die Vorstellung, dass ein Objekt, das Raum einnimmt, auch Raum schaffen kann. Seine Skulpturen gibt es in allen Größen, von Miniaturen bis zu monumentalen öffentlichen Werken. Indem er seine eigenen 3D-Druckwerkzeuge und -techniken entwickelt, verschiebt er die Grenzen dieses Werkzeugs und nutzt es nicht nur als Selbstzweck, sondern als eigentümliche Methode, seine persönlichen visionären Schöpfungen zu verwirklichen.

Nick Ervinck – EGNOABER, 2015. Polyurethan und Polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Hope

Der in Brooklyn lebende Künstler Shane Hope verwendet 3D-gedruckte Zellstrukturen als ein Element seiner abstrakten Gemälde. Aus der Ferne wirken sie wie malerische Werke, die mit dicken Pinselstrichen aufgetürmt sind, doch bei näherer Betrachtung offenbaren sich Stapel zusammengesetzter Nanostrukturen. Dass dieses Element 3D-gedruckt ist, ist weder offensichtlich noch notwendig für die Wertschätzung der Werke, aber die Überlegung der Implikationen der Technologie fügt ihren möglichen Bedeutungen Schichten hinzu.

Shane Hope – Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-gedruckte PLA-Molekülmodelle auf Acryluntergrund. © Shane Hope, mit freundlicher Genehmigung der Winkleman Galerie, New York

Monika Horcicova

Die Werke der tschechischen Künstlerin Monika Horcicova sind eindringlich und schön. Sie kehrt immer wieder zu Themen menschlicher Knochen und Skelettstrukturen zurück und schafft Kompositionen, die unsere Vorstellungen von unserem eigenen Zweck und Potenzial herausfordern. Obwohl sie nicht ausschließlich mit diesem Medium arbeitet, nutzt sie oft 3D-Drucktechnologie, um ihre Skulpturen aus Gipsverbundstoffen herzustellen.

Monika Horcicova – K2, 2011. 3D-gedruckter Gipsverbundstoff. © Monika Horcicova

Titelbild: Rirkrit Tiravanija – Untitled 2013 (indexikalischer Schatten Nr. 1), 2013-2017. Sockel aus Edelstahl (3 x Tafeln), 3D-gedruckter Kunststoff (Bonsai-Baum), Edelstahlwürfel (Sockel). 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija und Pilar Corrias Galerie, London
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio