Diese Künstler definieren die 3D-gedruckte Kunst weiterhin neu.

Ich habe einmal einen Witz bei einer Kunstausstellung gehört, die 3D-gedruckte Kunst präsentierte. Er ging ungefähr so: „Wie weißt du, dass du ein Stück 3D-gedruckte Kunst ansiehst?“ Antwort: „Weil es dir jeder sagt.“ Es hat mich zuerst zum Lachen gebracht, weil es wahr ist, die Leute sind so begeistert von diesem Medium, dass sie einfach nicht widerstehen können, darüber zu reden. Und zweitens habe ich gelacht, weil in fast jedem Fall von 3D-gedruckter Kunst, den ich gesehen habe, die Tatsache, dass es mit einem 3D-Drucker hergestellt wurde, für mich irrelevant schien. Nichts an diesen Arbeiten schien die Technologie zu verlangen. Es hätte alles auch mit anderen Mitteln gemacht werden können. Was die Frage aufwirft: Worüber reden alle? 3D-Drucker sind nur Werkzeuge, nicht anders in ihrer Natur als zum Beispiel Projektoren. Ich habe noch nie erlebt, dass jemand in einer Galerie auf mich zukam, auf eine Zeichnung zeigte und sagte: „Die wurde mit einem Projektor gemacht.“ Aber ich habe auch noch nie erlebt, dass jemand auf mich zukam und sagte: „Die wurde ganz von Assistenten gemacht, während der Künstler im Urlaub war.“ Der Punkt ist, es spielt keine Rolle. Sobald die Idee für ein Kunstwerk formuliert ist und Schritte unternommen werden, um sie zu verwirklichen, macht es keinen Unterschied, ob die eigentliche Arbeit von dieser Maschine oder jener Maschine oder von diesem Paar Hände oder jenem Paar Hände ausgeführt wird. Die Tatsache, dass ein 3D-Drucker verwendet wurde, um Kunst zu schaffen, validiert das Werk in keiner Weise – es ist nur ein Aspekt der Erfahrung und normalerweise der am wenigsten wichtige Aspekt. Das ist zumindest meine Meinung. Als ich also gebeten wurde, über Künstler zu schreiben, die 3D-gedruckte Kunst neu definieren, nahm ich die Perspektive ein, dass ich Künstler vorstellen sollte, die interessante Ideen haben und Arbeiten machen, über die ich gerne sprechen würde, unabhängig davon, wie die Arbeiten hergestellt werden. Mit dieser Einschränkung hier sind sieben Künstler, die 3D-Drucktechnologie nutzen, um ihre Arbeiten zu schaffen und durch die Stärke ihrer Ideen den Platz dieses neuen Werkzeugs in der zeitgenössischen Ästhetik neu definieren.

Rirkrit Tiravanija

Wenn Sie jemals den Begriff Relationale Ästhetik oder Relationale Kunst gehört haben, haben Sie wahrscheinlich auch von dem thailändischen Künstler Rirkrit Tiravanija gehört. Seine Arbeit war entscheidend für den Anstieg der Popularität dieser Art von Kunsterlebnis in den 1990er Jahren. Seine bekannteste Ausstellung relationaler Kunst trug den Titel pad thai. Für die Ausstellung, die 1990 in der Paula Allen Gallery in New York stattfand, kochte der Künstler pad thai im Raum und servierte es den Besuchern der Galerie, anstatt Werke zu schaffen und zu zeigen. Die Ausstellung half, die relationale Ästhetik als eine Erkundung der Idee zu definieren, dass Künstler nicht so sehr Schöpfer, sondern Vermittler von Erfahrungen sind. Die menschlichen Beziehungen, die aus diesen Erfahrungen entstehen, sind das Wichtigste.

In jüngerer Zeit erhält Tiravanija Aufmerksamkeit für seine immersive Installation auf der Art Basel Hong Kong 2017, die die Rolle von Kunst und Kunstgeschichte innerhalb der menschlichen Erfahrung in Frage stellte. Das Werk war im Wesentlichen ein riesiges Labyrinth, das aus traditionell gebundenem Bambus konstruiert wurde. Die Besucher betraten das Labyrinth und begegneten beim Suchen ihres Weges allmählich fünf 3D-gedruckten Bonsai-Bäumen, von denen jeder auf einem Holzpodest stand, das von den skulpturalen Basen inspiriert war, die einst vom Künstler Constantin BrâncuÈ™i geschaffen wurden. Die Tatsache, dass die Bonsai-Bäume 3D-gedruckt sind, ist nicht das Wichtigste. Es ist die Tatsache, dass sie künstlich sind, die zählt. Der Sinn eines Bonsai-Baums besteht darin, dass es sich um ein natürliches Objekt handelt, das von menschlichen Händen so beeinflusst wird, dass das menschliche Eingreifen nicht erkennbar ist. In diesem Fall kombiniert die Künstlichkeit der Bäume mit den evocativen Vorstellungen, die durch das Labyrinth inspiriert wurden, und vermischt sich mit den kunsthistorischen Referenzen, um den Zuschauern eine abstrakte, offene Erfahrung zu bieten, die soziale Interaktion erfordert, um ihre potenziellen Bedeutungslevels zu verstehen.

Rirkrit Tiravanija - Untitled 2017 (kein Wasser kein Feuer), 2017. 3D-gedruckter Bonsai-Baum auf Holzsockel. © Rirkrit Tiravanija, Courtesy of gallery Neugerriemschneider, Berlin

Jahrhunderte Somers

Das Wort vanitas stammt aus dem Lateinischen und bedeutet Leere. Es wurde in den Niederlanden im 16. und 17. Jahrhundert als Bezeichnung für eine Art von Stilllebenmalerei verwendet. Vanitas-Gemälde sind im Grunde Stillleben, die Sammlungen banaler, materieller Objekte zeigen, normalerweise zusammen mit menschlichen Schädeln, und die Sinnlosigkeit der Verfolgung irdischer Dinge veranschaulichen. Die niederländische Künstlerin und Designerin Wieki Somers verwendete die visuelle Sprache, die für Vanitas-Gemälde typisch ist, in einer Reihe von 3D-gedruckten Kunstwerken, die sie 2010 als Antwort auf einen Designwettbewerb schuf, der die Designer aufforderte, "über den Begriff des Fortschritts nachzudenken." Die Serie mit dem Titel Consume or Conserve umfasste drei skulpturale Stillleben-Tableaus. Jedes Tableau bestand aus banalen, alltäglichen Produkten wie einer Waage, einem Staubsauger und einem Toaster, die vollständig aus den Überresten menschlicher Asche 3D-gedruckt wurden.

In ihrer Erklärung zu der Arbeit wies Somers darauf hin, dass die menschliche Technologie so weit fortgeschritten ist, dass wir bald mit der Aussicht auf ewiges Leben konfrontiert sein könnten. „Aber“, fragte sie, „was nützt ein ewiges Leben, wenn wir es nur dazu verwenden, weiterhin bloße Verbraucher zu sein, die nach immer mehr Produkten streben, unabhängig von den Konsequenzen? Wenn wir diesen Weg der unkritisierten Innovation weitergehen, könnten wir eines Tages feststellen, dass wir zu den Produkten geworden sind, die wir zusammenstellen.“ Sie folgte diesem Konzept bis zu seiner logischen Schlussfolgerung und schuf buchstäblich Produkte aus den Überresten einst kostbarer menschlicher Leben.

Wieki Somers - Konsumieren oder Konservieren, 2010. 3D gedruckte menschliche Überreste. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

Die in New York ansässige Künstlerin Stephanie Lempert schafft Werke über Kommunikation. Sie hofft, unsere Aufmerksamkeit auf Sprache und die Wege zu lenken, wie wir sie nutzen, um unsere Geschichten, unsere Geschichten und unsere Erinnerungen zu kommunizieren, um Bedeutung in unserem Leben zu schaffen. Als multidimensionale Künstlerin verwendet Lempert eine Vielzahl von Medien. Eines ihrer prägnantesten Werkgruppen ist eine Serie mit dem Titel Reconstructed Reliquaries, für die sie skulpturale Reliquien geschaffen hat, die buchstäblich aus Sprache gebaut sind. Diese Objekte sprechen auf mehreren Ebenen für sich selbst. Lempert hat sie mithilfe von 3D-Drucksoftware erstellt. Sie zieht es jedoch vor, die branchenübliche, aber weniger aufregende Terminologie rapid prototype sculpture zu verwenden.

Stephanie Lempert - Rekonstruierte Reliquiare, Auf der Suche nach der verlorenen Zeit, 2011. Rapid Prototype Skulptur. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

Der niederländische Künstler Theo Jansen wurde in den 1990er Jahren bekannt, als er seine Strandbeests, gigantische, kinetische Kreaturen, die scheinbar von selbst umherlaufen, zu schaffen begann. Sie sind, wie er sie nennt, „selbstantriebende Strandtiere“. Vielleicht haben Sie Aufnahmen gesehen, wie sie poetisch über Strände auf der ganzen Welt krabbeln. Teil Designer, Teil Ingenieur und Teil Künstler, sagte Jansen einmal: „Die Wände zwischen Kunst und Ingenieurwesen existieren nur in unseren Köpfen.“ Normalerweise bestehen seine großen Kreationen aus PVC-Rohren. Aber kürzlich begann er, seine Kreationen fast jedem zugänglich zu machen, indem er Miniatur-3D-gedruckte Strandbeests zum Verkauf für nur 160,00 € anbietet. Am wunderbarsten ist, dass jeder, der die Pläne bekommt, einen drucken lassen kann. Wie auf seiner Website steht: „Theo Jansens Strandbeests haben einen Weg gefunden, sich zu vervielfältigen, indem sie ihre digitale DNA direkt in 3D-Drucksysteme injizieren.“

Theo Jansen - Miniatur 3D-gedruckter Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Die Arbeiten des belgischen Künstlers Nick Ervinck schreien vor lebendigen Farben und aufregenden Formen und verkörpern die Vorstellung, dass ein Objekt, das Raum einnimmt, auch Raum schaffen kann. Seine Skulpturen gibt es in allen Größen, von Miniaturen bis hin zu monumentalen öffentlichen Arbeiten. Indem er seine eigenen 3D-Druckwerkzeuge und -techniken entwirft, erweitert er die Grenzen dieses Werkzeugs und nutzt es nicht nur als Zweck an sich, sondern als idiosynkratische Methode, um seine persönlichen visionären Kreationen zu verwirklichen.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyurethan und Polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Hoffnung

Der in Brooklyn ansässige Künstler Shane Hope verwendet 3D-gedruckte Zellstrukturen als ein Element seiner abstrakten Gemälde. Aus der Ferne erscheinen sie als malerische Werke, die hoch mit Impasto-Pinselstrichen aufgetürmt sind, aber bei näherer Betrachtung offenbaren sich Stapel aus zusammengesetzten Nano-Strukturen. Dass dieses Element 3D-gedruckt wurde, ist nicht offensichtlich und auch nicht notwendig für die Wertschätzung der Werke, aber die Berücksichtigung der Implikationen der Technologie fügt Schichten zu ihrer potenziellen Bedeutung hinzu.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-gedruckte PLA-Molekülmodelle auf Acrylsubstrat. © Shane Hope, courtesy of Winkleman Gallery, New York

Monika Horcicova

Die Arbeiten der tschechischen Künstlerin Monika Horcicova sind eindringlich und schön. Sie kehrt zu Themen menschlicher Knochen und skelettaler Strukturen zurück und schafft Kompositionen, die unsere Vorstellungen von unserem eigenen Zweck und Potenzial herausfordern. Obwohl sie nicht ausschließlich in diesem Medium arbeitet, verwendet sie oft 3D-Drucktechnologie, um ihre Gipsverbundskulpturen zu erstellen.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D-gedruckter Gipsverbund. © Monika Horcicova

Vorschaubild: Rirkrit Tiravanija - Untitled 2013 (indexical shadow no.1), 2013-2017. Edelstahlbasis (3 x Platten), 3D-gedruckter Kunststoff (Bonsai-Baum), Edelstahlwürfel (Sockel). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 Zoll, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija und Pilar Corrias Gallery, London
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio