Zwei große Mary Heilmann-Ausstellungen schenken der Künstlerin die längst überfällige Aufmerksamkeit.

Mary Heilmann erhält gerade viel Aufmerksamkeit, was sie wahrscheinlich als Erste zugeben würde, ist alles, was sie sich je wirklich gewünscht hat. Das ist keine Kritik. Ich gebe nur wieder, was Heilmann 2016 in einem Interview mit dem Guardian sagte. Als sie jung war, wollte sie Sportlerin werden, weil sie dadurch Aufmerksamkeit bekam. Also wurde sie Taucherin, doch später, als Surfen in Mode kam, wurde sie Surferin, um in der Szene mitzumischen. Im Studium beschäftigte sie sich mit Poesie. Erst als sie für ihr Können im Töpfern Aufmerksamkeit bekam, wandte sie sich der Kunst zu. Aber was ist daran falsch? Was ist falsch daran, etwas zu tun, weil es einem Aufmerksamkeit bringt? Was ist falsch daran, keinen altruistischen Grund für die Kunst zu haben? Manche Künstler behaupten, sie schaffen Kunst aus einem inneren Drang zu gestalten. Andere geben hochtrabende philosophische oder poetische Gründe an. Wieder andere weigern sich einfach zu erklären, warum sie tun, was sie tun, als sei es unergründlich oder mit bloßen Worten nicht auszudrücken. Heilmann, die Anfang dieses Jahres 77 wurde, ist sich selbst genug vertraut, um die Wahrheit zu sagen: Sie hat einfach Freude daran, Dinge zu schaffen, und da es interessant, spaßig ist, Aufmerksamkeit bringt und die Rechnungen bezahlt, macht sie es weiter. Im Vergleich zu ihren Freunden, zu denen im Laufe der Jahre Richard Serra, Philip Glass, Andy Warhol, Bruce Nauman und Dutzende andere berühmte Künstler gehörten, führte Heilmann ein relativ unbekanntes Leben. Das änderte sich 2007, als eine große Retrospektive ihrer Werke zwei Jahre lang durch die USA tourte. Seitdem beansprucht sie allmählich ihren rechtmäßigen Platz als einflussreiche Kraft der zeitgenössischen abstrakten Kunst, die sie wirklich ist. Wenn Sie noch nie von Mary Heilmann gehört haben, sind derzeit mehrere Elemente ihres umfangreichen Werks in zwei gleichzeitig stattfindenden Einzelausstellungen nahe beieinander in New York zu sehen, was die perfekte Gelegenheit ist, ihre Kunst zu entdecken.

Die Kunst der Ehrlichkeit

Mary Heilmann hat im Laufe ihrer Karriere dutzende Interviews gegeben. Das allein würde sie nicht unbedingt von anderen Künstlern abheben. Was sie aber unterscheidet, ist ihre Bereitschaft, in ihren Interviews brutal ehrlich zu sein. Auf entspannte und ungezwungene Weise sagt sie genau, was sie wirklich denkt, was es schwer, wenn nicht unmöglich macht, sie wirklich zu kritisieren – obwohl viele es im Laufe der Jahre versucht haben. Zum Beispiel gibt es jene, die Heilmanns Werke als abgeleitet bezeichnen und behaupten, sie wiederhole nur müde Motive der Vergangenheit und kopiere sogar offen die Errungenschaften anderer berühmter Künstler. Doch in einem Interview mit Ross Bleckner für das BOMB Magazine sprach Heilmann stolz darüber, dass sie oft Inspiration von Künstlern der Vergangenheit zieht, deren Werke sie bewundert. An einer Stelle des Interviews zeigt sie Bleckner ein neues Werk und sagt, es sei ein Calder. Und es sind nicht nur berühmte Künstler, die Heilmann nachahmt. In mehreren Interviews sagte sie mit einem Lächeln, dass sie die Farbkombinationen der Fernsehserie Die Simpsons liebt. Sie kopiert die Farben auf ihren Leinwänden, in der Hoffnung, dieselbe Lebendigkeit und Reinheit zu erreichen, die sie beim ersten Sehen in der Zeichentrickserie empfand. Manche Kritiker nennen Heilmann faul. Doch in ihrem Interview mit ART21 nahm sie ihren Kritikern den Wind aus den Segeln, lachte über ihre Faulheit und bemerkte, dass sie niemals so hart hätte kämpfen können wie die Abstrakten Expressionisten. Sie gibt zu, dass sie aktiv nach den schnellsten und einfachsten Wegen sucht, ihre Werke zu realisieren. Offen spricht sie darüber, Photoshop zu nutzen, um ihre Ideen zu entwickeln, und scherzt, dass einige ihrer Gemälde nur wenige Minuten brauchen, um fertiggestellt zu werden. Und dann gibt es die bekannteste Kritik, die sie erhielt, als der Kunstkritiker David Hickey Heilmann vorwarf, nichts über das Handwerk des Malens zu wissen. Auf die Frage nach diesem Essay heute stimmt Heilmann zu und räumt ein, dass Hickey damals Recht hatte.

Mary Heilmann – Installationsansicht, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Foto: Bill Jacobson Studio, New York

Narren und ihre Torheiten

Doch die Denkweise all jener Kritiker, die Mary Heilmann fälschlicherweise für eine Närrin halten, ist genau verkehrt herum. Zunächst vergessen sie die Weisheit des Dichters William Blake, der feststellte, dass der Narr, der in seiner Torheit beharrt, weise wird. Tatsächlich, obwohl Heilmann anfangs in den frühen 1970er Jahren nichts vom Malhandwerk verstand, brachte sie es sich selbst bei. Sie studierte die Werke ihrer Idole. Sie tauschte sich mit anderen Künstlern aus, mit denen sie verkehrte und arbeitete. Sie setzte auf ihren Wettbewerbsgeist, ihr Genie und ihre Beharrlichkeit, um so viel über das Malhandwerk zu lernen, dass sie es schließlich professionell lehrte. Und für eine angeblich faule Künstlerin hat Heilmann zweifellos ein bemerkenswert umfangreiches Werk geschaffen, das sich nebenbei bemerkt in vielen der renommiertesten Sammlungen der Welt findet. Und für eine Künstlerin, die angeblich abgeleitet ist, ist es bemerkenswert, wie prägnant und sofort erkennbar dieses Werk geworden ist. Vielleicht verstehen die Kritiker nicht, dass es nicht ihre Aufgabe ist, die Voraussetzungen dafür festzulegen, was einen Künstler ausmacht. Der amerikanische Schriftsteller Kurt Vonnegut wies in einem Brief an seinen Bruder, einen angehenden Maler, darauf hin, dass ein gutes Kunstwerk dadurch bestehe, dass Menschen gerne in seiner Nähe sind. Im Fall von Mary Heilmann trifft das definitiv zu. So gut sogar, dass eine der Dinge, für die Heilmann am bekanntesten ist, ihre Neigung ist, Stühle in ihre Ausstellungen einzubeziehen, damit die Besucher sich setzen können. Sie entwirft und fertigt die Stühle von Hand. Sie sind ikonisch für ihre Farbpalette und die Welt der Formen, die sie in ihren anderen Werken entwickelt hat. Die Tatsache, dass sie überhaupt gebraucht werden – dass Besucher ihrer Ausstellungen das Bedürfnis haben, sich eine Weile zu setzen, weil sie so lange in der Gegenwart ihrer Werke verweilen möchten – ist für Heilmann Bestätigung genug.

Mary Heilmann – Sunny Chair für Whitechapel (2016) (Mint), 2016, bemaltes Sperrholz, 64,8 × 21,6 × 61,9 cm, © Whitechapel Gallery

Machtdemonstrationen

Als Mary Heilmann nach ihrem Masterabschluss an der University of California, Berkeley, 1968 erstmals nach New York City kam, bezeichnete sie sich selbst als „aggressive Hippie“. Sie glaubte, genauso gut zu sein wie Donald Judd, Robert Smithson, Richard Serra, Eva Hesse oder andere Künstler, die damals die Szene beherrschten. Sie tauchte in Bars auf, in denen solche berühmten Künstler verkehrten, und begann Streitgespräche, nur um die Konkurrenz zu reizen. Damals bekam sie etwas Aufmerksamkeit, doch die Berühmtheit, die sie sich sehnlich wünschte und für die sie sich hielt, blieb ihr verwehrt. Heute blickt sie nachdenklich auf diese Erfahrungen zurück. Sie meint, es sei vielleicht gut, dass die Aufmerksamkeit, die sie heute erhält, ihr nicht früher zuteilwurde. Sie glaubt, dass ihre früheren Werke damals nicht auf dieselbe Weise verstanden worden wären wie heute. Diese Idee berührt ein häufiges Thema bei Heilmann: das japanische Konzept von Wabi-sabi. Im Wesentlichen besagt Wabi-sabi, dass Schönheit in der Vergänglichkeit liegt. Eine getöpferte Teetasse mit Unvollkommenheiten ist schöner als eine maschinell gefertigte, weil sie die Unvollkommenheiten des Materials sowie die des Herstellers akzeptiert. Mit der Zeit altern die Dinge, und diese Alterung macht sie schöner – das ist Wabi-sabi. Hätten wir 1976 die roten, gelben und blauen Gemälde von Mary Heilmann sehen können, weiß niemand, wie wir darauf reagiert hätten. Doch jetzt, vierzig Jahre später, sind sie körperlich älter, ebenso wie wir. Wir sehen ihre Unvollkommenheiten und auch die der Künstlerin, die sie nie zu verbergen versuchte. Vielleicht bemerken wir durch diese Erfahrung auch die Unvollkommenheiten in uns selbst und erkennen ihre Anmut.

RYB: Mary Heilmann Gemälde, 1975–78, Installationsansicht bei Craig F. Starr, New York 2017, Light Blue Studio

Mary Heilmann derzeit zu sehen

Wenn Sie die Kunst von Mary Heilmann entdecken möchten, sind fünf Leinwände, ein hängendes Keramikstück sowie fünf Keramiktassen mit Untertassen derzeit im Dan Flavin Art Institute der Dia Art Foundation in Bridgehampton, New York, bis zum 27. Mai 2018 zu sehen. Gleichzeitig läuft bis zum 28. Oktober 2017 die Ausstellung RYB: Mary Heilmann Gemälde, 1975-78 in der Craig F. Starr Galerie in New York, die eine Installation von drei Keramikschalen auf einem Kaminsims sowie 12 Leinwände zeigt, die Heilmann in ihrer Durchbruchphase Ende der 1970er Jahre schuf, als sie nur Primärfarben und einfache geometrische Formen verwendete, um die Malerei neu zu denken. Meta-Beschreibung: Zwei aktuelle Ausstellungen in New York zeigen Werke von Mary Heilmann, darunter Gemälde, Skulpturen und Keramiken, und präsentieren das vielfältige Schaffen einer einflussreichen Künstlerin.

Mary Heilmann – Installationsansicht, The Dan Flavin Art Institute, Bridgehampton, New York. © Mary Heilmann. Foto: Bill Jacobson Studio, New York

Titelbild: Mary Heilmann – Mary Heilmann, Ray, 2017. © Mary Heilmann. Foto: Thomas Müller. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin

Von Phillip Barcio