Die Entwürfe von Barbara Stauffacher Solomon nachverfolgen

Teil Künstler, Teil Tänzer und Teil Designer, Barbara Stauffacher Solomon ist am besten bekannt für ihre Arbeiten im Bereich Grafik. Sie war die Mastermind hinter den sogenannten „Super Graphics“, die das Erscheinungsbild von Sea Ranch prägten, einer geplanten Gemeinschaft, an der Solomon in den 1960er Jahren an der Nordküste Kaliforniens arbeitete. Heute sträubt sich Solomon jedoch gegen den Begriff Super Graphics. Als sie ihre Designs an die Wände von Sea Ranch malte, bot sie den Architekten einfach eine wirtschaftliche ästhetische Option – eine Mischung aus Kunst, Design und Notwendigkeit. Dennoch brachte ihr Engagement für das Projekt ihr weltweiten Ruhm und lebenslangen beruflichen Erfolg. Jetzt, in ihren 90ern, ist Solomon immer noch aktiv in ihrem Heimstudio in San Francisco. Allein in den letzten Jahren hat sie ein riesiges Wandgemälde im UC Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive (BAMPFA) geschaffen; zahlreiche Bücher produziert, darunter eine Memoiren; und sie ist derzeit Gegenstand einer Einzelausstellung im SFMOMA, die sich auf ihre kleinformatigen grafischen Arbeiten konzentriert, einschließlich zahlreicher Gegenstände, die sie im Laufe der Jahre für das Museum geschaffen hat. In einem kürzlichen Interview, das für einen kurzen Dokumentarfilm über ihr Leben aufgezeichnet wurde, beschrieb Solomon die Einstellung, die sie jetzt zu ihrer Arbeit hat, als „Sehr tiefgründig und sehr albern.“ Sie erinnert sich an ihren ersten Ehemann, den experimentellen Filmemacher Frank Stauffacher. Durch ihn freundete sie sich mit Persönlichkeiten wie Man Ray und Hans Richter an, die sie als „die Dada-Jungs“ bezeichnet. Sie erinnert sich daran, dass sie brillant, aber auch völlig albern waren. „Irgendwie ist all das in meinen Babykopf gegangen“, sagt sie, „und jetzt, im Alter, kommt es wieder heraus.“ Doch selbst wenn Solomon große Anstrengungen unternimmt, sich selbst nicht zu ernst zu nehmen, hat ihre verspielte Einstellung nichts dazu beigetragen, ihr Erbe zu schmälern. Generationen von Künstlern und Designern auf der ganzen Welt wurden von ihrer Arbeit inspiriert, und sie führt ihr Fachgebiet auch heute noch an.

Die Notwendigkeit des Designs

Vielleicht, wenn Solomon alles hätte tun können, was sie wollte, wäre sie Tänzerin geworden oder vielleicht eine Künstlerin wie ihr erster Ehemann und so viele ihrer Freunde. Sie wurde Designerin aus Notwendigkeit. Stauffacher starb nur sechs Jahre nach ihrer Hochzeit und ließ Solomon mit sehr wenig Einkommen und einer kleinen Tochter zurück, die sie großziehen musste. Da sie nur als Künstlerin und Tänzerin ausgebildet worden war, dachte sie, dass sie wenig Chancen hatte, mit ihren bestehenden Fähigkeiten ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Sie berechnete, dass sie jedoch als Grafikdesignerin ihren Lebensunterhalt verdienen könnte, also zog sie nach Basel, Schweiz, und schrieb sich am Basler Kunstinstitut ein. Dort studierte sie Grafik unter Armin Hofmann, von dem sie eine tiefgehende Wertschätzung für die Helvetica-Schriftart gewann. Sie verwendete die Schriftart in unzähligen Projekten, einschließlich Sea Ranch. Hofmann gab ihr auch den Rat, der den Rest ihres Berufslebens prägte. Er sagte: „Lerne die Regeln. Wenn du brillant bist, kannst du alle Regeln brechen. Wenn du nicht brillant bist, wirst du kompetent sein."

Barbara Stauffacher Solomon - Programmführer des San Francisco Museum of Art, März 1964, 1964. Offset-Lithografie. 7 x 7 Zoll (17,78 x 17,78 cm). Sammlung SFMOMA. Geschenk des Künstlers. © San Francisco Museum of Modern Art.

Salomon kehrte in die Vereinigten Staaten zurück, nachdem sie gehört hatte, dass John F. Kennedy für das Präsidentenamt kandidieren würde. Kennedy inspirierte ihre idealistischste Natur und ließ sie glauben, dass sie Kunst und Design einsetzen könnte, um eine gerechtere Welt zu schaffen. Sogar die bescheidene Helvetia-Schrift, auf die sie eifrig hinweist, wurde ursprünglich als die demokratischste angesehen. Einfach, klar und leicht zu lesen, implizierte sie, dass alles, was man damit schrieb, wahr sein musste. Sie nennt es das grafische Äquivalent der modernen Architektur. Und viele Jahre nach ihrer Rückkehr in die USA verwendete Salomon ihre Arbeiten auf eine Weise, von der sie fühlte, dass sie direkt oder indirekt das Leben der Menschen im Alltag verbesserten. Aber genau wie bei der utopischen Architektur von Le Corbusier symbolisierten die grafischen Sensibilitäten, die Salomon annahm, schließlich den Kapitalismus, nicht den Sozialismus. Heute ist die moderne Architektur, genau wie sie, fast ausschließlich das Gebiet der Reichen geworden, und fast jedes kommerzielle Unternehmen verwendet Helvetica oder etwas Ähnliches für ihr Logo und ihre Websites. (Das Logo von Adobe, dem Unternehmen, das ihre oben erwähnte aktuelle Dokumentation produziert hat, veranschaulicht diesen Trend.)

Barbara Stauffacher Solomon - Programmführer des San Francisco Museum of Art, Januar 1968, 1967. Offset-Lithografie. 7 x 7 Zoll (17,78 x 17,78 cm). Sammlung SFMOMA. Geschenk des Künstlers. © San Francisco Museum of Modern Art.

Das Bedürfnis nach Spaß

Anstatt sich über die harte Wahrheit, dass Kunst und Design allein die Welt nicht zu einem besseren Ort machen können, abgestumpft zu fühlen, legt Solomon jetzt die Politik beiseite. Sie arbeitet weiter, weil es Spaß macht: weil es sowohl ihren Intellekt als auch ihren Sinn für Humor anspricht. Ihr jüngstes Wandgemälde im BAMPFA ist ein gutes Beispiel – intellektuell spricht es mit den bestehenden Linien der Architektur, während es verspielt, so Solomon, „die Rockettes, die hochspringen“ imitiert. Ein weiteres Beispiel ist das 2,5 Meilen lange „Promenade Ribbon“, eine erhöhte, betonierte Linie, die die Küste entlang des Embarcadero in San Francisco folgt. Solomon arbeitete 1996 mit Vito Acconci und Stanley Saitowitz an dem Projekt zusammen. Unmittelbar nach der Fertigstellung begann das Ribbon, von der Natur und von Menschen verwüstet zu werden. Wasser ließ das elektrische Element, das das Ribbon zum Leuchten brachte, ausfallen, und Skateboarder überrannten die Struktur und fanden ihre zahlreichen Kanten perfekte Stellen zum Grinden. Der Schaden empörte Saitowitz, aber Solomon sagte: „Ich liebe es, dass die Skateboarder es lieben“, ein Gefühl, dem Acconci zustimmte.

Für Solomon ist die Lektion, die in der Geschichte des "Promenade Ribbon" eingebettet ist, die gleiche wie die, die im Begriff "Super Graphics" und in der Unternehmensaneignung der Helvetica-Schriftart und der modernen Architektur sowie in der Transformation von Sea Ranch von einem utopischen Kibbutz zu einem Zufluchtsort für Zweitwohnungen von Multimillionären eingebettet ist. Die Lektion ist, dass Menschen, die schaffen, nicht kontrollieren können, was mit ihren Kreationen geschieht. Für viele Künstler und Designer verursacht diese Lektion hohe Angst. Eine Zeit lang mag sie sogar Solomon gestört haben, aber nicht mehr. Jetzt ist es einfach Teil des Spaßes, die unbeabsichtigten Folgen ihrer Arbeit zu beobachten. Wie Solomon kürzlich Sarah Hotchkiss von KQED Public Media in Kalifornien sagte: "Es ist an einem bestimmten Punkt sehr schwer, ernst zu sein. Ich bin ernsthaft albern geworden. Ich denke, das ist alles, was man heutzutage über irgendetwas tun kann."

Vorschaubild: Barbara Stauffacher Solomon - Programmführer des San Francisco Museum of Art, Juli 1971, 1971. Offset-Lithografie. 7 x 7 Zoll (17,78 x 17,78 cm). Sammlung SFMOMA. Geschenk des Künstlers. © San Francisco Museum of Modern Art.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio