Transzendierende Praktiken - Die Kunst von Julian Schnabel

Eine Ausstellung neuer Werke von Julian Schnabel wurde kürzlich in der Almine Rech Galerie in New York eröffnet. Sie enthält ein paar glitzernde Stühle und eine Auswahl neuer Gemälde. Die Arbeiten sind eindeutig schnabelhaft. Das bedeutet, dass einige Leute sie verabscheuen, andere schwärmen davon, viele sie ablehnen und zahlreiche sie besitzen möchten. Nach Ansicht vieler Menschen in der professionellen Kunstwelt – jenem abgeschotteten Teil der Kultur, in dem Kreativität und Vorstellungskraft als ernstzunehmende Werte gelten – ist Julian Schnabel seit langem ein Held: der Künstler, der den rohen, ursprünglichen Akt des Malens in einer Zeit, in der hyperintellektuelle, akademische Gegner verzweifelt versuchten, ihn zu zerstören, wieder legitimierte. Für viele andere in derselben Welt ist Schnabel jedoch selbst ein Schurke: ein egozentrischer Selbstdarsteller mit wenig Talent, der nur eines gut kann: ein Spektakel schaffen. Ganz gleich, auf welcher Seite dieser Spaltung man steht oder ob man ein neutraler Beobachter des Konflikts ist, die Tatsache bleibt, dass Julian Schnabel eine lebende Legende ist. Und seine jüngsten Werke enttäuschen nicht. Im Verlauf seines Schaffens sind sie genau richtig: roh, aggressiv, unverhohlen einfach und unbestreitbar vergnüglich anzusehen. Und das ist die wichtigste Erkenntnis. Schnabel ist eine Kraft des Guten, weil er Dinge schafft, die Menschen gerne betrachten und über die sie sprechen. Er ist ein Vorbild für zukünftige Künstler, weil er lebendig verteidigt, dass Kunst etwas Mächtiges ist, was sie lohnenswert macht – sowohl zum Schaffen als auch zum Besitzen. Kreuzigt ihn, wenn ihr wollt. Er ist dennoch ein Retter.

Von New York nach Texas

Julian Schnabel wurde 1951 in Brooklyn geboren. Seine Familie lebte in einer lebendigen, lebhaften Gemeinschaft, die von Menschen aus verschiedenen ethnischen und religiösen Hintergründen geprägt war. Schnabel war besonders aufmerksam und inspiriert von den intensiven religiösen Praktiken der katholischen und jüdischen Gemeinden, die in seiner Umgebung lebten. Doch im Alter von 13 Jahren verließ seine Familie New York und zog an einen Ort, der leicht als sein genaues Gegenteil beschrieben werden kann: Brownsville, Texas, eine Grenzstadt am Rio Grande gegenüber von Matamoros, Mexiko.

In Brownsville fasste Schnabel den Entschluss, das Leben eines Künstlers zu führen. Und obwohl er sich in einer viel weniger bevölkerten und weniger städtischen Umgebung befand, fand er dennoch ähnliche Inspiration in der Kultur seines neuen Zuhauses wie zuvor in New York. Er war erneut fasziniert von lokalen religiösen Traditionen, sowohl denen der Texaner als auch der Menschen jenseits der Grenze. Für ihn besaßen die ästhetischen Qualitäten der mexikanischen religiösen Kunst eine wesentliche Ursprünglichkeit, geprägt von Volksbräuchen und handwerklicher Kunstfertigkeit. Und die Kultur in Brownsville war allgemein weniger mit der hochkonzeptuellen intellektuellen Elite verbunden, sondern drückte sich viel einfacher und anmutiger durch gewöhnliche, direkte Sprache und Bräuche aus. Sowohl die Ästhetik als auch die Haltung dieses Ortes sollten in die Kunst einfließen, die Schnabel bald als Erwachsener schaffen würde.

Julian Schnabel – Re-Reading, Installationsansicht, Almine Rech Galerie, New York, 2017

Das Malen ist nicht gestorben

Nach seinem BFA-Abschluss an der Universität Houston im Jahr 1973 kehrte Schnabel nach New York City zurück, wo er sich als Student im Independent Study Program des Whitney Museums einschrieb. Zu dieser Zeit begann er, seine frühen figurativen Gemälde zu schaffen, Ölgemälde auf Leinwand, die sich durch ihre Ablehnung der minimalistischen Ästhetik der Zeit auszeichneten. Er begann auch, Gemälde mit unkonventionellen Materialien wie Wachs, Modellierpaste, Fiberglas und Gipskarton zu schaffen. Die Themen seiner Werke bewegten sich in einer Art formalen Mittelstellung zwischen Abstraktion und Figuration, doch die Titel seiner Gemälde zusammen mit einigen Bildmotiven machten deutlich, dass er Werke schuf, die als gegenständlich oder sogar erzählerisch gelesen werden sollten.

Sein Stil machte ihn zum Gegenspieler des aufkommenden Künstlerchors der vorherigen Generation, die erklärt hatten, dass das Malen tot sei. Schnabel wies diese Idee sowohl kühl als auch aggressiv zurück und bewies bis Ende der 1970er Jahre endgültig, dass das Malen tatsächlich noch nicht gestorben war. Sein entscheidender Moment kam bei seiner ersten Ausstellung im Februar 1979 in der Mary Boone Galerie in New York. Unter den ausgestellten Werken befanden sich seine bald berüchtigten Teller-Gemälde: zerbrochene Teller, die mit Bondo auf Holzflächen befestigt und dann mit Ölfarben übermalt wurden. Wie bei seinen Wachsgemälden und frühen Ölgemälden zeichneten sich die Teller-Gemälde durch flache, figurative Bildsprache aus. Sie besaßen die raue Energie der Art Brut, die Emotion und Leidenschaft des Expressionismus und eine Art arrogante, städtische Haltung, die für die aufkommende Generation von New Yorker Malern typisch war, die bald als Neo-Expressionisten bekannt werden sollten.

Julian Schnabel – Re-Reading, Installationsansicht, Almine Rech Galerie, New York, 2017

Haltung ist nicht alles

Alle Werke seiner ersten Galerieausstellung waren vor der Eröffnung ausverkauft, was Schnabel sofort als aufstrebende Marktgröße etablierte. Dennoch erklärte er, ein überzeugter, eingefleischter Bohemien zu sein. Um dies zu beweisen, trat er in den 1980er Jahren häufig in der Öffentlichkeit im Schlafanzug auf, wirkte ungepflegt und schmutzig, obwohl er sich in Gesellschaft von Persönlichkeiten wie Andy Warhol und anderen großen Berühmtheiten der Zeit befand. Für manche wurde dies nur als Schauspiel wahrgenommen: ein Versuch, einen Kult der Persönlichkeit zu schaffen, der den Wert seiner ästhetischen Werke steigern könnte. Doch diese Vorstellung wird durch die Tatsache widerlegt, dass es die Werke selbst waren, die den größten Eindruck hinterließen. Schnabel schuf Arbeiten, die herausforderten, wie Gemälde aussehen können, und tat dies auf eine ästhetisch kraftvolle, interessante Weise. Die Werke waren relevant und gut. Sie veränderten die Wahrnehmung von Kunst zu jener Zeit, was sie wichtig machte – unabhängig davon, was der Künstler beim Kaffeetrinken trug oder was er in der Presse sagte.

Was seine Äußerungen in der Presse betrifft, so hat Schnabel sich durch seine Worte viele Feinde gemacht. Viel Spott wurde über ihn ausgeschüttet wegen eines bestimmten Zitats, in dem er sagte, er sei so „nah an Picasso“ wie es heutzutage wohl möglich sei. Doch einige seiner anderen Zitate geben weit mehr Aufschluss über seine Absichten als Künstler. Schnabel sprach zum Beispiel ausführlich darüber, wie er in Mexiko oder Spanien unterwegs war, auf einen gebrauchten Abdeckstoff oder eine alte Plane stieß und von deren Eigenschaften angezogen wurde. Er ist fasziniert von der Idee, etwas, das bereits benutzt wurde, zu nehmen und diese fragmentierte Bedeutung – diese visuelle Erinnerung – in das Flickwerk von etwas Neuem einzubringen. Er sagte: „Nach all den Jahren versuche ich immer noch, eine Spur zu hinterlassen, die eine körperliche Eigenschaft hat, die auf etwas anderes verweist“, und fragte: „Was heißt es, lebendig zu sein? Das ist die Frage. Und wie weißt du, ob du es bist oder nicht?“ Solch grundlegende und kraftvolle Ideen wie Anspielung und die Natur des Daseins sind universell in seinem Werk verankert. Und Zitate wie diese zeigen die intuitive Aufrichtigkeit und Ernsthaftigkeit eines Suchenden.

Julian Schnabel – Re-Reading, Installationsansicht, Almine Rech Galerie, New York, 2017

Es kommt nicht darauf an, was du malst

Ein weiteres bekanntes Zitat von Schnabel besagt im Grunde, dass es nicht darauf ankommt, was man malt, sondern wie man es malt. Und wenn man seine neuesten Werke in der Amine Rech betrachtet, ist das vielleicht die wichtigste Erkenntnis. Einige der Stücke sind fast reine Aneignung: Bilder, die aus anderen Quellen stammen und auf Holzplatten montiert wurden, dann in scheinbar schneller oder sogar schlampiger Weise übermalt sind. Es wäre leicht, sich über solche Werke zu ärgern. Sie wirken wie Sarkasmus aus der Kunstschule oder ein Unfall aus dem Hinterzimmer eines Secondhandladens. Doch sie besitzen auch eine unbestreitbare Kraft an Haltung und Energie. Die Geste in den Markierungen, die Wahl der angeeigneten Bilder und die ästhetische Präsenz der gesamten Ausstellung deuten auf eine Vision der Zukunft hin, die sich noch in den Kinderschuhen befindet.

Wenn wir glauben sollen, dass Julian Schnabel einst ein Prophet war, fällt es nicht schwer, den Sprung zu machen zu „einmal Prophet, immer Prophet“. In diesen neuen Werken liegen Schichten von Emotionen, die so roh, rau und aggressiv sind wie alles, was Schnabel in den vergangenen fünf Jahrzehnten geschaffen hat. Es gibt auch Anzeichen dafür, dass Schnabel etwas Frisches zu teilen hat: etwas Analoges, das gerade jetzt dringend gebraucht wird. Etwas Ähnliches wie das, was er in den 1970er Jahren vermittelte: nicht über das Malen an sich, sondern über Kunst im Allgemeinen. Etwas wie „Kunst ist nicht tot“ oder „Vielleicht hat Kunst noch nicht gelebt“. Julian Schnabel: Re-Reading ist bis zum 14. Oktober 2017 in der Almine Rech Galerie, 29 East 78th Street, 2. Stock, New York, New York, zu sehen.

Julian Schnabel – Re-Reading, Installationsansicht, Almine Rech Galerie, New York, 2017

Titelbild: Julian Schnabel – Re-Reading, Installationsansicht, Almine Rech Galerie, New York, 2017

Alle Bilder mit freundlicher Genehmigung der Almine Rech Galerie, New York

Von Phillip Barcio