Transzendierende Praktiken - Die Kunst von Julian Schnabel

Eine Ausstellung neuer Arbeiten von Julian Schnabel wurde kürzlich in der Almine Rech Gallery in New York eröffnet. Sie enthält ein paar mit Strass besetzte Stühle und eine Auswahl neuer Gemälde. Die Arbeiten sind entschieden schnabel-esquistisch. Was das bedeutet, ist, dass einige Menschen sie verachten, einige Menschen schwärmen dafür, viele Menschen sie abtun und viele Menschen sie besitzen wollen. Nach Meinung vieler Menschen in der professionellen Kunstwelt – diesem quarantinierten Segment der Kultur, in dem Kreativität und Vorstellungskraft als ernstzunehmende Ware geschätzt werden – ist Julian Schnabel seit langem ein Held: der Künstler, der den rohen, primalen Akt des Malens in einer Zeit wieder legitimiert hat, in der hyper-intellektualisierte, akademische Bösewichte verzweifelt versuchten, ihn zu zerstören. Aber für viele andere in dieser gleichen Welt ist Schnabel selbst ein Bösewicht: ein egoistischer Publicity-Hure mit wenig Talent, der nur in einer Sache gut ist: ein Spektakel zu schaffen. Egal auf welcher Seite dieser Kluft Sie stehen oder ob Sie ein neutraler Zuschauer im Konflikt sind, die Tatsache ist, dass Julian Schnabel eine lebende Legende ist. Und seine neuesten Arbeiten enttäuschen nicht. In der Linie seines Oeuvres ist es genau auf den Punkt: es ist roh, aggressiv, ungeniert grundlegend und unbestreitbar unterhaltsam anzusehen. Und das ist die ultimative Erkenntnis. Schnabel ist eine Kraft des Guten, weil er Dinge schafft, die die Menschen gerne anstarren und darüber reden. Er ist ein Modell für zukünftige Künstler, da er eine lebende Verteidigung der Idee ist, dass Kunst etwas Mächtiges ist, was es wert macht, getan und besessen zu werden. Kreuzigt ihn, wenn ihr wollt. Er ist immer noch ein Retter.

Von New York nach Texas

Julian Schnabel wurde 1951 in Brooklyn geboren. Seine Familie lebte in einer lebhaften, pulsierenden Gemeinschaft, die von Menschen aus einer Vielzahl von ethnischen und religiösen Hintergründen bevölkert war. Schnabel war besonders bewusst und inspiriert von den intensiven religiösen Praktiken der katholischen und jüdischen Gemeinschaften, die in seiner Umgebung lebten. Aber im Alter von 13 Jahren verließ seine Familie New York und zog an einen Ort, der leicht als sein genaues Gegenteil beschrieben werden kann: Brownsville, Texas, eine Grenzstadt gegenüber von Matamoros, Mexiko, jenseits des Rio Grande.

Es war in Brownsville, dass Schnabel entschlossen wurde, das Leben eines Künstlers zu führen. Und obwohl er sich in einer weit weniger bevölkerten und weniger städtischen Umgebung wiederfand, fand er dennoch ähnliche Inspiration aus der Kultur in seinem neuen Zuhause, wie er sie zuvor in New York gefunden hatte. Er war erneut von den lokalen religiösen Traditionen fasziniert, sowohl von denen der texanischen Ureinwohner als auch von den Menschen, die jenseits der Grenze lebten. Für ihn besaßen die ästhetischen Qualitäten der mexikanischen Religionskunst eine wesentliche Rauheit, die von Volkstraditionen und handwerklicher Kunstfertigkeit geprägt war. Und die Kultur in Brownsville im Allgemeinen war weniger mit der intellektuellen Elite des hohen Konzepts verbunden und drückte sich viel einfacher und anmutiger durch gewöhnliche, klare Sprache und Bräuche aus. Sowohl die Ästhetik als auch die Einstellung dieses Ortes würden sich in die Kunst einarbeiten, die Schnabel bald als Erwachsener schaffen würde.

Julian Schnabel - Re-Reading, Installationsansicht, Almine Rech Gallery, New York, 2017

Die Malerei hat nicht gelebt

Nachdem er 1973 seinen BFA an der University of Houston erworben hatte, kehrte Schnabel nach New York City zurück, wo er sich als Student im Whitney Museum Independent Study Program immatrikulierte. Zu dieser Zeit begann er, seine frühen figurativen Gemälde zu schaffen, Ölgemälde auf Leinwand, die für ihre Ablehnung der minimalen Ästhetik der damaligen Zeit bemerkenswert waren. Er begann auch, Gemälde mit unkonventionellen Materialien wie Wachs, Modellierpaste, Fiberglas und Gipskarton zu erstellen. Der Inhalt seiner Arbeiten befand sich in einer Art formalen Mittelweg zwischen Abstraktion und Figuration, aber die Titel, die er seinen Gemälden gab, kombiniert mit einigen der Bilder, machten deutlich, dass er Werke schuf, die als repräsentativ oder sogar narrativ gelesen werden sollten.

Sein Stil machte ihn zu einem Antagonisten des aufkommenden Chors von Künstlern der vorherigen Generation, die erklärt hatten, dass die Malerei tot sei. Schnabel wies eine solche Idee sowohl kühl als auch aggressiv zurück und bewies bis Ende der 1970er Jahre endgültig, dass die Malerei in der Tat noch nicht gelebt hatte. Sein prägendster Moment kam bei seiner ersten Ausstellung im Februar 1979 in der Mary Boone Gallery in New York. Unter den anderen Werken, die bei der Ausstellung zu sehen waren, befanden sich seine bald berüchtigten Plattenmalereien: zerbrochene Teller, die mit Bondo an Holzoberflächen befestigt und dann mit Ölen übermalt wurden. Wie bei seinen Wachsmalereien und frühen Ölgemälden waren die Plattenmalereien durch flache, figürliche Bilder geprägt. Sie besaßen die raue Energie von Art Brut, die Emotion und Leidenschaft des Expressionismus und eine Art arrogante, städtische Haltung, die einzigartig für die aufkommende Generation von New Yorker Malern war, die bald als Neo-Expressionisten bekannt werden sollte.

Julian Schnabel - Re-Reading, Installationsansicht, Almine Rech Gallery, New York, 2017

Einstellung ist nicht alles

Alle Arbeiten seiner ersten Galerieausstellung waren vor der Eröffnung ausverkauft, was Schnabel sofort als aufstrebende Marktgröße etablierte. Dennoch erklärte er, dass er ein überzeugter, eingefleischter Bohemien sei. Um dies zu beweisen, erschien er in den 1980er Jahren häufig in der Öffentlichkeit in seinem Schlafanzug, sah zerzaust und schmutzig aus, obwohl seine Gesellschaft Persönlichkeiten wie Andy Warhol und andere große Prominente der Zeit umfasste. Für manche wurde dies als nichts anderes als ein Akt wahrgenommen: ein Versuch, einen Personenkult zu schaffen, der den Wert seiner ästhetischen Arbeiten steigern könnte. Doch eine solche Vorstellung wird durch die Tatsache widerlegt, dass es die Arbeiten selbst waren, die den größten Eindruck hinterließen. Schnabel schuf Werke, die herausforderten, wie Malereien aussehen konnten, und tat dies auf eine ästhetisch kraftvolle, interessante Weise. Die Arbeiten waren relevant und gut. Sie veränderten die Wahrnehmung, die die Menschen damals von Kunst hatten, was sie wichtig machte, unabhängig davon, was der Künstler trug, als er Kaffee holte, oder was er in der Presse sagte.

Was das betrifft – was er in der Presse gesagt hat – hat Schnabel durch seine Worte viele Feinde gewonnen. Viel Spott wurde ihm für ein bestimmtes Zitat entgegengebracht, in dem er erklärte, dass er so "nah an Picasso" sei, wie es die Menschen heutzutage wahrscheinlich nur sein können. Aber einige seiner anderen Zitate sind viel aufschlussreicher über seine Absichten als Künstler. Schnabel hat zum Beispiel ausführlich darüber gesprochen, in Mexiko oder in Spanien zu reisen und auf einen gebrauchten Malerleinwand oder eine alte Plane zu stoßen und von ihren Qualitäten angezogen zu werden. Er ist fasziniert von der Idee, etwas zu nehmen, das zuvor verwendet wurde, und diese fragmentierte Bedeutung – diese visuelle Erinnerung – in das Patchwork von etwas Neuem zu integrieren. Er hat gesagt: "Nach all diesen Jahren versuche ich immer noch, einen Weg zu finden, einen Eindruck zu hinterlassen, der ein physisches Merkmal hat, das auf etwas anderes anspielt," und hat gefragt: "Was bedeutet es, lebendig zu sein? Das ist die Frage. Und wie weißt du, ob du es bist oder nicht?" Solche grundlegenden und kraftvollen Ideen wie Anspielung und die Natur der Existenz sind universell in seiner Arbeit präsent. Und Zitate wie diese offenbaren die intuitive Aufrichtigkeit und Ernsthaftigkeit von jemandem, der auf der Suche ist.

Julian Schnabel - Re-Reading, Installationsansicht, Almine Rech Gallery, New York, 2017

Es ist nicht das, was du malst.

Ein weiteres bekanntes Zitat von Schnabel besagt im Grunde, dass es nicht darum geht, was man malt, sondern wie man es malt. Und wenn man sein neuestes Werk, das in der Amine Rech Galerie zu sehen ist, betrachtet, könnte das die wichtigste Überlegung sein, die man im Hinterkopf behalten sollte. Einige der Stücke sind fast reine Aneignung: Bilder, die aus anderen Quellen entnommen und auf eine Platte montiert wurden, dann in einer Art und Weise übermalt, die schnell oder sogar schlampig erscheint. Es wäre leicht, über Werke wie diese wütend zu werden. Sie sehen aus wie der Sarkasmus einer Kunstschule oder ein Unfall aus dem Hinterzimmer eines Second-Hand-Ladens. Aber sie besitzen auch eine unbestreitbare Kraft von Haltung und Energie. Die Geste, die in den Strichen enthalten ist, die Auswahl der angeeigneten Bilder und die ästhetische Präsenz der gesamten Ausstellung deuten alle auf eine Vision der Zukunft hin, die sich noch in der Kindheit befindet.

Wenn wir glauben sollen, dass Julian Schnabel einmal ein Prophet war, ist es nicht schwer, den Sprung zu wagen: „Einmal ein Prophet, immer ein Prophet.“ In diesen neuen Arbeiten gibt es Schichten von Emotionen, die so roh, so rau und so aggressiv sind wie alles andere, was Schnabel in den letzten fünf Jahrzehnten gemacht hat. Es gibt auch Hinweise darauf, dass Schnabel etwas Frisches zu teilen hat: etwas Analoges, das gerade jetzt dringend benötigt wird. Etwas wie das, was er in den 1970er Jahren kommunizierte: nicht unbedingt über Malerei, sondern über Kunst im Allgemeinen. Etwas wie: „Kunst ist nicht tot“ oder „Vielleicht hat die Kunst noch nicht gelebt.“ Julian Schnabel: Re-Reading ist bis zum 14. Oktober 2017 in der Almine Rech Gallery, 29 East 78th Street, 2. Stock, New York, New York zu sehen.

Julian Schnabel - Re-Reading, Installationsansicht, Almine Rech Gallery, New York, 2017

Vorschaubild: Julian Schnabel - Re-Reading, Installationsansicht, Almine Rech Gallery, New York, 2017

Alle Bilder mit freundlicher Genehmigung der Almine Rech Galerie, New York

Von Phillip Barcio