Un Art Autre - Abstraktion im Nachkriegs-Paris bei Levy Gorvy
Im Jahr 1952 prägte der französische Kunstkritiker und Kurator Michel Tapié den Ausdruck „Un Art Autre“, was „Kunst einer anderen Art“ bedeutet, um einen Trend zu beschreiben, den er in der abstrakten Kunst wahrnahm, der sich von der Rationalität hin zur Spontaneität bewegte. Der Trend manifestierte sich nicht nur in Frankreich, wo Tapié ansässig war, sondern es war nach Frankreich, dass viele Künstler aus der ganzen Welt in den 1950er und 60er Jahren reisten, um ihre Erkundungen dieses ästhetischen Phänomens zu teilen. Einige waren Veteranen des Zweiten Weltkriegs, die entweder nach dem Krieg in Europa blieben oder dorthin zurückkehrten, um zu studieren und zu arbeiten. Andere wurden einfach von der Aufregung einer Stadt und Kultur angezogen, die versuchte, sich neu zu erfinden. Indem sie die einzigartige „Café-Kultur“ von Paris nutzten, teilte dieses internationale Kollektiv von Künstlern und Denkern ihre Ideen frei und schuf eine aufregende, urtümliche Szene. Diese faszinierende Kultur ist derzeit Gegenstand einer Ausstellung bei Levy Gorvy in London, die ihren Namen von der Bewegung hat, der Tapié einen Namen gab. Un Art Autre zeigt 22 Gemälde von fünf Malern – Pierre Soulages, Zao Wou-Ki, Jean Paul Riopelle, Joan Mitchell und Sam Francis – von denen jeder in den 1950er und 60er Jahren Paris zeitweise als Heimat hatte. Diese Künstler, die jeweils Frankreich, China, Kanada und die Vereinigten Staaten repräsentieren, brachten eine individualistische Weltanschauung und persönliche Geschichte mit. Jeder hatte eine völlig andere Beziehung zur Malerei und zum Leben. Dennoch teilten sie alle den Wunsch, sich mit etwas Intuitivem und Freiem zu verbinden. Diese fünf Künstler waren keineswegs die einzigen Stimmen der „Kunst einer anderen Art“, die aus den Nachkriegsjahren in Europa hervorgingen, aber ihre Werke zusammen in dieser Ausstellung zu sehen, bietet einen eindringlichen Zugang zu der Bewegung, zu der sie gehörten. Es gibt auch zeitgenössischen Betrachtern die Möglichkeit, die Unterschiede zwischen dieser Bewegung und ähnlichen Tendenzen zu untersuchen, die sich zu dieser Zeit an anderen Orten manifestierten, wie dem Abstrakten Expressionismus in den Vereinigten Staaten.
Farbe und Schwarzweiß
Heute wird Pierre Soulages von vielen als der größte lebende Maler angesehen. Er ist bekannt für seine eleganten und oft emotional überwältigenden schwarzen Gemälde. Selbst als Soulages nach dem Krieg in Paris seine einzigartige Stimme entwickelte, hatte er ein tiefes Verständnis dafür, wie die Farbe Schwarz in seinen Gemälden funktionierte. Er sah sie nicht als Mittel, um Dunkelheit zu zeigen, sondern als Möglichkeit, "Licht zu schaffen". Durch das Nebeneinander von glänzenden und matten Oberflächen und die Schaffung von Beziehungen zwischen schwarzen und weißen Bereichen der Leinwand schuf er Gelegenheiten für das Licht, mit den Texturen und Farbtönen zu interagieren. Die Beziehungen zwischen den verschiedenen Bereichen der Leinwand sind ein Teil dessen, was seine Gemälde so leuchtend macht. In dieser Ausstellung sehen wir fünf seiner Leinwände. Trotz ihrer strengen kompositorischen Struktur in Gemälden wie "Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957" (1957) und "Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957" (1957) erwecken ihre lebendigen Schwarztöne und kraftvollen Pinselstriche ihre Oberflächen zum Leben. Sie sind alles andere als reines Schwarz, aber das Zusammenspiel der Ockertöne, Blau- und Weißtöne lässt das Schwarz umso mehr strahlen.
Joan Mitchell - Untitled, 1957. Öl auf Leinwand. 69 x 58 1/2 Zoll (175,2 x 148,5 cm). Privatsammlung, Santa Barbara. © Nachlass von Joan Mitchell.
Die Farbbeziehungen waren auch für Joan Mitchell von größter Bedeutung, deren vier Werke in dieser Ausstellung zu sehen sind. Alle vier – die den meisten Besuchern wahrscheinlich neu sein werden, da sie ausschließlich aus privaten Sammlungen zusammengestellt wurden – zeigen die meisterhafte Fähigkeit, die Mitchell hatte, emotionale Stimmung durch ihre Farbpalette zu vermitteln. Was wir in ihren Werken sehen, ist eindeutig etwas „Naturhaftes“, obwohl die Bilder völlig abstrakt sind. Dieses Gefühl von Naturhaftigkeit wird nur durch den fast ekstatischen gestischen Stil verstärkt, den Mitchell während ihrer häufigen Besuche und ihrem späteren Umzug nach Frankreich entwickelte – ein Stil, der in den Werken dieser Ausstellung wunderschön repräsentiert ist. Ihre Kompositionen sind die lockersten und freisten aller Werke in der Ausstellung: ein Zeugnis ihres Wunsches, beim Malen in sich selbst zu verschwinden und ein Gefühl von etwas Persönlichem basierend auf ihren eigenen Erinnerungen an die natürliche Welt einzufangen.
Sam Francis - Arcueil, 1956/58. Öl auf Leinwand. 80 3/4 x 76 Zoll (205,1 x 193 cm). Mildred Lane Kemper Art Museum, Washington University in St. Louis. Geschenk von Mr. und Mrs. Richard K. Weil, 1962. © Sam Francis Foundation, Kalifornien / DACS 2019.
Die volle Bandbreite des Impulses
Die ausgestellten Werke von Jean Paul Riopelle zeigen den dramatischen Wandel, der in seinen Methoden in den frühen 1950er Jahren stattfand. Das bekannteste Werk in der Ausstellung ist „Abstraktion (Orange)“ (1952). Eines der größeren Werke in der Ausstellung, seine hektische gestische Aktion zieht sofort einen Vergleich zu den Spritzgemälden, die am häufigsten mit abstrakten Expressionisten wie Jackson Pollock in Verbindung gebracht werden. In späteren Werken wie „Horizontal, Schwarz und Weiß“ (1955) sehen wir, wie Riopelle eine viel überlegtere Technik entwickelt, mit engen, gemessenen, angstvollen Pinselstrichen, während er dennoch die impulsive Energie beibehält, die sein Werk so lebendig macht. Am fast entgegengesetzten Ende der Impuls-Skala sehen wir drei sublime Gemälde von Zao Wou-Ki. Ihre gedämpften Farbpaletten und ausgewogenen kompositorischen Harmonien zeigen einen Maler, der ein wunderbar eindringliches Gleichgewicht zwischen freiem Ausdruck und gemessener Ruhe findet.
Jean Paul Riopelle - Horizontal, Schwarz und Weiß, 1955. Öl auf Leinwand. 28 3/4 x 36 1/4 Zoll (73 x 92 cm). Foto: Øystein Thorvaldsen. Henie Onstad Kunstsenter Sammlung, Høvikodden, Norwegen. © SODRAC, Montreal und DACS, London, 2019.
Der Maler, mit dem ich aus dieser Ausstellung am wenigsten vertraut bin, ist Sam Francis. Nachdem ich die fünf Beispiele seiner Arbeiten in der Ausstellung gesehen habe, habe ich das Gefühl, dass es noch viel mehr über ihn zu lernen gibt. Die ätherische Leichtigkeit einer unbetitelten, orange, gelb und blauen Komposition weckte in mir Gedanken an Hellen Frankenthaler, während seine „Blue Series No. 1“ (1960) sofort an Yves Klein erinnerte. Zwei andere Werke – „Komposition“ (ca. 1957-58) und „Untitled“ (1959) – boten etwas Distinkteres: eine fast elektrische Aufregung, als ob ich buchstäblich Bilder von Fluktuation und Fluss betrachtete. Diese Konzepte stehen tatsächlich im Mittelpunkt dessen, was diese Ausstellung über die „andere Art von Kunst“ zu sagen hat, die in den 1950er und 60er Jahren in Paris entstand. Es ist schwer, es genau zu fassen und schwer zu benennen, aber es war eine Kunst, die durch ihre Fähigkeit, sich zu verändern, und ihre Bereitschaft, loszulassen, definiert war. Un Art Autre ist bis zum 5. Juli 2019 in Levy Gorvy London zu sehen.
Vorschaubild: Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. Öl auf Leinwand. 31 7/8 x 51 3/16 Zoll (81 x 130 cm). Privatbesitz. © DACS 2019.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
