Un Art Autre - Abstraktion im Nachkriegs-Paris bei Levy Gorvy
Im Jahr 1952 prägte der französische Kunstkritiker und Kurator Michel Tapié den Ausdruck „Un Art Autre“, was „Kunst einer anderen Art“ bedeutet, um eine Strömung in der abstrakten Kunst zu beschreiben, die sich von der Vernunft abwandte und der Spontaneität zuwandte. Diese Strömung zeigte sich nicht nur in Frankreich, wo Tapié ansässig war, doch nach Frankreich reisten viele Künstler aus aller Welt in den 1950er und 60er Jahren, um ihre Erkundungen dieses ästhetischen Phänomens zu teilen. Einige waren Veteranen des Zweiten Weltkriegs, die entweder nach dem Krieg in Europa blieben oder zurückkehrten, um zu studieren und zu arbeiten. Andere fühlten sich einfach von der Aufbruchsstimmung einer Stadt und Kultur angezogen, die sich wiederaufbaute. Indem sie die einzigartige „Kultur der Cafés“ von Paris nutzten, teilte dieses internationale Kollektiv von Künstlern und Denkern frei ihre Ideen und schuf eine aufregende, ursprüngliche Szene. Diese faszinierende Kultur ist derzeit Gegenstand einer Ausstellung bei Levy Gorvy in London, die ihren Namen von der Bewegung trägt, der Tapié einen Namen gab. Un Art Autre zeigt 22 Gemälde von fünf Malern – Pierre Soulages, Zao Wou-Ki, Jean Paul Riopelle, Joan Mitchell und Sam Francis – die alle irgendwann in den 1950er und 60er Jahren Paris ihr Zuhause nannten. Sie vertreten Frankreich, China, Kanada und die Vereinigten Staaten und brachten jeweils eine individualistische Weltanschauung und persönliche Geschichte mit. Jeder hatte eine völlig andere Beziehung zur Malerei und zum Leben. Doch alle teilten den Wunsch, sich mit etwas Intuitivem und Freiem zu verbinden. Diese fünf Künstler waren keineswegs die einzigen Stimmen der „Kunst einer anderen Art“, die sich in den Nachkriegsjahren in Europa entwickelte, doch ihre Werke gemeinsam in dieser Ausstellung zu sehen, bietet einen eindrucksvollen Einstiegspunkt in die Bewegung, der sie angehörten. Es gibt auch zeitgenössischen Betrachtern die Möglichkeit, die Unterschiede zwischen dieser Bewegung und ähnlichen Tendenzen zu untersuchen, die zu dieser Zeit an anderen Orten entstanden, wie etwa dem Abstrakten Expressionismus in den Vereinigten Staaten.
Farbe und Schwarz-Weiß
Heute gilt Pierre Soulages für viele als der größte lebende Maler. Er wird für seine eleganten und oft emotional überwältigenden schwarzen Gemälde geliebt. Schon als Soulages nach dem Krieg in Paris seine einzigartige Stimme entwickelte, hatte er ein tiefes Verständnis dafür, wie die Farbe Schwarz in seinen Gemälden funktionierte. Er sah sie nicht als Mittel, Dunkelheit darzustellen, sondern als eine Möglichkeit, „Licht zu schaffen“. Durch die Gegenüberstellung von glänzenden und matten Oberflächen und die Schaffung von Beziehungen zwischen schwarzen und weißen Bereichen der Leinwand eröffnete er Möglichkeiten, wie das Licht mit den Texturen und Farbtönen interagieren konnte. Die Beziehungen zwischen den verschiedenen Bereichen der Leinwand sind ein Teil dessen, was seine Gemälde so leuchtend macht. In dieser Ausstellung sehen wir fünf seiner Leinwände. Trotz ihrer straffen Kompositionsstruktur in Gemälden wie „Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957“ (1957) und „Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957“ (1957) erwecken ihre lebendigen Schwarztöne und kraftvollen Pinselstriche ihre Oberflächen zum Leben. Sie sind alles andere als reines Schwarz, doch das Zusammenspiel von Ockern, Blau- und Weißtönen lässt das Schwarz umso mehr erstrahlen.
Joan Mitchell – Unbetitelt, 1957. Öl auf Leinwand. 175,2 x 148,5 cm (69 x 58 1/2 Zoll). Privatsammlung, Santa Barbara. © Nachlass Joan Mitchell.
Farbbeziehungen waren auch für Joan Mitchell von größter Bedeutung, von der vier Werke in dieser Ausstellung zu sehen sind. Alle vier – die den meisten Besuchern wahrscheinlich neu sein werden, da sie vollständig aus Privatsammlungen zusammengetragen wurden – zeigen Mitchells meisterhafte Fähigkeit, durch ihre Farbpalette emotionale Stimmungen zu vermitteln. Was wir in ihren Werken sehen, ist eindeutig etwas „von der Natur“, obwohl die Bilder völlig abstrakt sind. Dieses Gefühl von Natürlichkeit wird nur noch verstärkt durch den fast ekstatischen gestischen Stil, den Mitchell während ihrer häufigen Besuche und ihrem späteren Umzug nach Frankreich entwickelte – ein Stil, der in den Werken dieser Ausstellung wunderschön zum Ausdruck kommt. Ihre Kompositionen sind die lockersten und freiesten aller Werke in der Ausstellung: ein Zeugnis ihres Wunsches, beim Malen in sich selbst zu versinken und ein Gefühl von etwas Persönlichem einzufangen, das auf ihren eigenen Erinnerungen an die natürliche Welt beruht.
Sam Francis – Arcueil, 1956/58. Öl auf Leinwand. 205,1 x 193 cm (80 3/4 x 76 Zoll). Mildred Lane Kemper Kunstmuseum, Washington University in St. Louis. Geschenk von Herrn und Frau Richard K. Weil, 1962. © Sam Francis Stiftung, Kalifornien / DACS 2019.
Das volle Spektrum des Impulses
Die ausgestellten Werke von Jean Paul Riopelle zeigen die dramatische Veränderung seiner Arbeitsweise in den frühen 1950er Jahren. Das bekannteste Werk der Ausstellung ist „Abstraktion (Orange)“ (1952). Eines der größeren Werke, dessen hektische gestische Aktion sofort eine Parallele zu den Spritzbildern zieht, die oft mit abstrakten Expressionisten wie Jackson Pollock in Verbindung gebracht werden. In späteren Werken wie „Horizontal, Schwarz und Weiß“ (1955) sehen wir Riopelle eine viel überlegtere Technik entwickeln, mit engen, gemessenen, von Anspannung geprägten Pinselstrichen, während er dennoch die impulsive Energie bewahrt, die seine Arbeit so lebendig macht. Am fast entgegengesetzten Ende des Impulsspektrums stehen drei erhabene Gemälde von Zao Wou-Ki. Ihre gedämpften Farbpaletten und ausgewogenen kompositorischen Harmonien zeigen einen Maler, der eine wunderbar eindringliche Balance zwischen freiem Ausdruck und gemessener Ruhe findet.
Jean Paul Riopelle – Horizontal, Schwarz und Weiß, 1955. Öl auf Leinwand. 73 x 92 cm (28 3/4 x 36 1/4 Zoll). Foto: Øystein Thorvaldsen. Henie Onstad Kunstsenter Sammlung, Høvikodden, Norwegen. © SODRAC, Montreal und DACS, London, 2019.
Der Maler, mit dem ich aus dieser Ausstellung am wenigsten vertraut bin, ist Sam Francis. Nach dem Betrachten der fünf Beispiele seiner Arbeit in der Ausstellung habe ich das Gefühl, dass es noch viel mehr über ihn zu lernen gibt. Die ätherische Leichtigkeit einer unbetitelten Komposition in Orange, Gelb und Blau erinnerte mich an Hellen Frankenthaler, während seine „Blaue Serie Nr. 1“ (1960) sofort an Yves Klein denken ließ. Zwei weitere Werke – „Komposition“ (ca. 1957-58) und „Unbetitelt“ (1959) – boten etwas Eigenständigeres: eine fast elektrische Aufregung, als ob ich buchstäblich Bilder von Schwankungen und Fluss betrachtete. Diese Konzepte stehen tatsächlich im Zentrum dessen, was diese Ausstellung über die „andere Art von Kunst“ aussagt, die in den 1950er und 60er Jahren in Paris entstand. Es ist schwer genau zu fassen und zu benennen, doch es war eine Kunst, die durch ihre Fähigkeit zur Veränderung und ihre Bereitschaft zum Loslassen definiert war. Un Art Autre ist bis zum 5. Juli 2019 bei Levy Gorvy London zu sehen.
Titelbild: Zao Wou-Ki – 16.09.69, 1969. Öl auf Leinwand. 81 x 130 cm (31 7/8 x 51 3/16 Zoll). Privatsammlung. © DACS 2019.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio
