Wer sind die innovativsten Vertreter der chinesischen abstrakten Kunst heute?

Der Ausdruck „chinesische abstrakte Kunst“ bereitet mir Schwierigkeiten. China beherbergt heute die längste, ununterbrochene Tradition der Kunstschaffung auf der Erde. Diese Tradition ist gewaltig und vielschichtig, weit mehr als die Traditionen der westlichen Kunst. Das westliche Verständnis des Wortes Abstraktion bezieht sich meist auf das Fehlen von Figuration. Doch in China hat die nicht-figurative Kunst eine ganz andere Geschichte, die ebenso politisch wie ästhetisch ist. Und das Wort Abstraktion bedeutet für die Chinesen etwas anderes als nur das Fehlen von Figuration. Dennoch denke ich immer wieder, dass auf einer tiefen Ebene ein universelles Verständnis der Bedeutung von Abstraktion entstehen könnte, wenn sich die östliche und westliche Kultur häufiger zu diesem Thema austauschen würden. In diesem Sinne hat eine kürzlich eröffnete Ausstellung chinesischer abstrakter Kunst in Hongkong für mich einige Türen geöffnet und mir ein tieferes Verständnis vermittelt. Time Line, Abstract Art From China, zu sehen in der 10 Chancery Lane Gallery bis zum 10. Oktober 2018, zeigt die Werke von vier zeitgenössischen chinesischen abstrakten Künstlern, deren Arbeit sich speziell auf das Element der Linie konzentriert. Kurator Tang Zhui weist in seinem Text zur Ausstellung darauf hin, „dass ihre ‚Abstraktion‘ sich sehr von den klassischen abstrakten Werken des westlichen Modernismus unterscheidet. Sie sind nicht darauf ausgerichtet, eine absolute Idee darzustellen, noch verfolgen sie den sogenannten ‚signifikanten Form‘-Ansatz, wie ihn der Kunsthistoriker Clive Bell formulierte, noch streben sie eine vollständige Materialität wie der Minimalismus an. Die Schöpfung wurzelt im täglichen manuellen Prozess der Werkherstellung, wobei sie ihr eigenes Sein nutzen, um über einen längeren Zeitraum einen ständigen Dialog mit dem Objekt zu führen.“ Dieser Kommentar legt nahe, dass es tatsächlich etwas Spezifisches an der Art gibt, wie chinesische Künstler das Wort Abstraktion verwenden und verstehen. Gleichzeitig deutet er an, was universell an dem Wort ist, und legt nahe, dass meine zeitgenössische, westliche Auffassung vom Wert abstrakter Kunst vielleicht doch nicht so verschieden ist.

Lineare Tiefe

Die in Time Line, Abstract Art From China vorgestellten Künstler wurden alle zwischen 1973 und 1981 geboren. Drei erhielten eine formale Kunstausbildung, einer ist Autodidakt. Ihre verschiedenen Herangehensweisen sind sehr individuell, doch sie zeigen mehrere Gemeinsamkeiten. Liu Wentao wurde in Peking und auch in Massachusetts ausgebildet. Er schafft komplexe, geometrische, trompe-l’œil-Formen mit feinen Linien, die mit Graphit auf Leinwand gezeichnet sind. Seine Bildsprache verbindet die Geschichte des westlichen Modernismus mit einer deutlich chinesischen Praxis, die auf Strenge, Einfachheit und Wiederholung beruht. Chi Qun schloss ihr Studium mit einem Master in Wandmalerei an der Zentralen Akademie der Schönen Künste in Peking ab. Ihre Gemälde besitzen eine solche Textur und Tiefe, dass sie fast wie gewebte Stoffe wirken. Doch tatsächlich sieht man bis zu acht aufeinanderfolgende Farbschichten, die sorgfältig aufgetragen und dann abgeschabt wurden. Teilweise Malerei, teilweise Relief, sprechen diese Werke für ein Denk- und Handlungssystem, das in der Natur verwurzelt ist und wesentlich auf zugrundeliegenden Beziehungen beruht.

Chi Qun - Vier Linien - Grau Blau Braun, 2017, Öl auf Leinwand, 150 x 100 cm

Jiang Weitao wurde in Shanghai formal ausgebildet. Seine Ölgemälde sind leuchtend. Sie rufen die Bildsprache des Rasters hervor, entstehen jedoch durch einen Prozess, der dem wiederholten Schreiben ähnelt, bei dem täglich neue Linienlagen aufgetragen werden, die sich allmählich zu Mustern verdichten, die über die Grenzen ihrer einzelnen Markierungen hinausgehen. Und schließlich ist Gu Benchi ein autodidaktischer Künstler, dessen Gemälde aus handgewebten Linien aus bemaltem Faden bestehen. Die Fäden verweben sich miteinander und bilden geometrische Linienmuster. Was auf den ersten Blick wie gemalte Markierungen auf einer Oberfläche aussieht, sind tatsächlich physische Materialien, die sich zu einer Art Oberfläche verdichtet haben. Die gedanklichen Implikationen dieser Werke faszinieren mich, da sie mit dem Begriff von Zwei- und Dreidimensionalität sowie mit dem vermeintlichen Unterschied zwischen Oberfläche und Linie spielen. Neben der Malerei erweitert Gu Benchi diese Technik auch auf Skulpturen und großflächige Installationen. Für diese Ausstellung schuf er eine Fensterinstallation, die die klare Glasfassade der Galerie in ein Kunstwerk verwandelte.

Jiang Weitao - Lebensmiete, 2017, Öl auf Holz, 76 x 76 cm

Unbedeutende Formen

Für mich ist offensichtlich, dass all diese Künstler vor allem an der persönlichen Erfahrung interessiert sind, die sie beim Schaffen ihrer Werke machen. Diese Erfahrung ist ihnen weit wichtiger als die Gegenstände, die aus ihren Bemühungen entstehen. Der aufschlussreichste Aspekt dessen, was Kurator Zhui über diese Ausstellung sagte, war sein Verweis auf Clive Bell, den britischen Kunstkritiker des 20. Jahrhunderts, und seine „signifikanten Formen“. Bell glaubte an „ästhetische Empfindung“. Er war der Ansicht, dass wir, wenn wir verstehen könnten, welche Eigenschaften Menschen zu ästhetischer Empfindung anregen, endlich entdecken könnten, was Kunstgegenstände von anderen Arten von Gegenständen unterscheidet. Er betrachtete eine „signifikante Form“ als eine, die eine ästhetische emotionale Reaktion hervorruft oder weckt. Wie Zhui in seinem Text hervorhebt, sind die Werke dieser Ausstellung keine Gegenstände, die darauf abzielen, Emotionen zu wecken, sondern vielmehr Gegenstände, die Prozesse und den Ablauf der Zeit offenbaren. Sie sind dazu bestimmt, in einem nachdenklichen Prozess verwendet zu werden, durch den wir die Möglichkeit erhalten, Beziehungen zu verstehen – zwischen uns und der Kunst; zwischen uns und dem Künstler; zwischen der Kunst und dem Universum; oder zwischen uns selbst und allem.

Liu Wentao - TBC, 2012, Bleistift auf Leinen, 150 x 150 cm

Mit anderen Worten, diese Kunstwerke sind unbedeutende Formen. Sie sind nicht der Zweck. Sie offenbaren einen Zweck. Doch weil sie abstrakt sind, erklären sie nicht, was dieser Zweck sein könnte, noch kritisieren sie, was ein Betrachter daraus machen könnte. Sie entstanden durch eine Reihe menschlicher Handlungen mit Materialien und Prozessen, die erklärt werden können; doch ihre Wirkung geht über eine konkrete Beschreibung hinaus, und ihre Bedeutung und ihr Zweck sind unklar. Diese Ausstellung und die begleitenden Texte offenbarten mir ein weites, transzendentes Verständnis des Wortes Abstraktion. Es ist kein Verständnis, das im westlichen Modernismus völlig fehlt. Es ist ein Ausdruck von etwas Altem und Universellem, wenn auch unmöglich – und vielleicht unnötig – zu definieren.

Gu Benchi - Endlose Linie Nr. 17, 2013, Polyesterfadenlinie, Edelstahlnagel, Acrylkleber, Acryl, 180 x 180 cm

Titelbild: Gu Benchi - Endlose Linie Nr. 56, 2017, Polyesterfadenlinie, Edelstahlnagel, Acrylkleber, Acryl, 100 x 120 cm

Alle Bilder mit freundlicher Genehmigung der 10 Chancery Lane Gallery

Von Phillip Barcio