Un museo en Tasmania reúne a los fundadores del movimiento artístico Zero.

El coleccionista de arte australiano y magnate del juego David Walsh inauguró recientemente una exposición emblemática del movimiento de arte Zero en su Museo de Arte Antiguo y Nuevo (MONA) en Hobart, Tasmania. Titulada ZERO, la exposición presenta obras de 16 artistas de siete países, varias de las cuales se han instalado por primera vez desde su debut hace más de medio siglo. Proporcionando aún más drama a los visitantes, y más incentivo para hacer el viaje a este remoto lugar, está el entorno en el que se lleva a cabo esta monumental exposición. MONA está mayormente subterránea. El edificio está construido varios pisos por debajo de un par de edificios emblemáticos del arquitecto modernista australiano Roy Grounds. A diferencia de la mayoría de los otros museos, que dan la bienvenida a la luz natural y se esfuerzan por hacer que los visitantes se sientan en un espacio abierto y acogedor, MONA es decididamente antinatural, y a veces incluso un poco poco acogedora. Al entrar, los visitantes descienden a un entorno algo alienígena donde la fuerza de la arquitectura a menudo compite con el arte que se supone debe apoyar. Sin embargo, el espacio también impulsa a los espectadores a buscar consuelo entre sí y con la obra. De alguna manera, el entorno es ideal para mostrar el trabajo de los artistas Zero, ya que encarna dos de sus ideas esenciales: que el arte trata sobre posibilidades y lo desconocido, y que debe involucrar experiencias reales entre personas, materiales y espacio.

Salvado por cero

El movimiento Cero fue fundado por Heinz Mack y Otto Piene en 1957 por el deseo de comenzar de nuevo. Al igual que muchos de sus contemporáneos, Mack y Piene luchaban por escapar del pasado y alejarse del egotismo y la emoción que habían tomado el control de gran parte del arte de su tiempo. En Düsseldorf, donde vivían y trabajaban, había pocas galerías de arte. Y en otros lugares, los gustos del mercado tendían hacia obras de arte que expresaban una especie de "culto a la individualidad", epitomizado por posiciones estéticas que expresaban emoción personal, como Tachisme, Art Informel y Expresionismo Abstracto. Mack y Piene consideraban que la colaboración era más importante que el individualismo. Creían que el valor del arte residía en la experiencia que podía instigar entre creadores, espectadores, materiales y entornos. Sentían que el objeto tradicional, singular, hecho por un artista estaba muerto, y querían instigar un nuevo punto de partida desde el cual pudieran permitir que el futuro echara raíces.

Otto Piene - Pirouetten (Pirouettes), años 1960; recreado en 2012. Colección More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Agencia de Derechos de Autor, 2018. Imagen cortesía del Museo de Arte Antiguo y Nuevo (Mona)

Mack y Piene realizaron su primera exposición de lo que consideraban el futuro del arte el 11 de abril de 1957, en su estudio. Fue un evento de una noche destinado a abrazar la efimeridad. La muestra generó un inmenso interés y fue rápidamente seguida por varias más exposiciones experimentales de una noche. Pero no fue hasta después de su cuarta exposición, en septiembre de 1957, que se les ocurrió la palabra Cero para describir su colaboración. La palabra estaba destinada a transmitir la idea de que el pasado había terminado oficialmente; era un punto de partida para el futuro. Como lo describió Piene: “Consideramos el término... como una palabra que indica una zona de silencio y de posibilidades puras para un nuevo comienzo, como en la cuenta regresiva cuando los cohetes despegan—cero es la zona incomensurable en la que el antiguo estado se convierte en el nuevo.”

Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum, (Sala de Rompimiento de Botellas), 1961; recreado en 2018. Colección Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Derechos de autor: Adolf Luther Stiftung. Imagen cortesía del Museo de Arte Antiguo y Nuevo (Mona)

CERO, no Cero

A pesar de la apertura del movimiento, Mack y Piene tenían una extraña concepción. Estipularon que al escribir sobre ellos, los fundadores debían ser referidos como “Zero”, mientras que otros artistas asociados debían ser referidos como “ZERO”. Por eso la exposición en MONA utiliza letras mayúsculas, porque presenta principalmente obras de la red internacional más amplia de artistas que se asocian con la filosofía. No obstante, como deja claro ZERO en MONA, no había forasteros en el movimiento. Todos eran bienvenidos. No había un manifiesto de Zero, y no había membresía oficial. Esta actitud resultó en una vasta gama de obras creadas por artistas de ZERO, encarnadas en esta exposición por la recreación de obras emblemáticas de ZERO como “Bottle Smashing Room” (1961) de Adolf Luthor, y “Mirror Environment” (1963) de Christian Megert. La actitud acogedora del movimiento también se demuestra en esta exposición con la inclusión de artistas de muchos otros movimientos internacionales que Zero ayudó a inspirar, como el Gutai Group en Japón, el Nouveau Realism en París, el Light and Space en los Estados Unidos, y el movimiento internacional conocido como Fluxus. Demostrando estas conexiones hay obras raras de Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein y Yayoi Kusama, por ejemplo, que destacan aspectos de su práctica que son muy diferentes de la obra por la que son mayormente conocidos.

Roy Lichtenstein - Seascape II, 1965. Colección Kern, Großmaischeid. Copyright: Patrimonio de Roy Lichtenstein/Agencia de Derechos de Autor, 2018. Imagen cortesía del artista y del Museo de Arte Antiguo y Nuevo (Mona)

Uno de los aspectos más importantes de esta exposición es que vuelve a centrar la atención contemporánea en la necesidad de renovar el arte contemporáneo. A pesar de que los fundadores de Zero se disolvieron oficialmente en 1966, el movimiento que iniciaron nunca ha terminado realmente. Y esta exposición también insinúa algo aún más importante: la idea de que quizás el movimiento artístico Zero nunca realmente comenzó. Quizás no fue un movimiento que se inventó en un lugar en un momento determinado, sino que realmente fue parte de un continuum mucho más grande que se extiende infinitamente, hasta el primer momento en que los humanos desearon usar fenómenos visuales para alcanzar algo puro y nuevo más allá de sí mismos. Las obras en ZERo en MONA son tan frescas y tan vitales, incluso ahora, que me inspiran a creer que ZERO podría incluso continuar hoy, siempre que grupos de artistas se reúnan para colaborar en creaciones estéticas que superen lo que se espera o lo que ya se conoce. En este momento, de hecho, esta exposición y el mensaje que envía son esenciales. Nos recuerda ese principio clave del arte Zero: que el arte se trata de experiencias y relaciones entre las personas, su entorno y sus esfuerzos colaborativos para imaginar un futuro mejor. ZERO en MONA está en exhibición hasta el 22 de abril de 2019.

Imagen destacada: Gianni Colombo - Spazio elastico, (Espacio elástico), 1967–68. Colección Archivo Gianni Colombo, Milán © Archivo Gianni Colombo. Imagen cortesía del Museo de Arte Antiguo y Nuevo (Mona)

Por Phillip Barcio