Un museo en Tasmania reúne a los fundadores del movimiento artístico Zero.

El coleccionista de arte australiano y magnate del juego David Walsh inauguró recientemente una exposición emblemática del movimiento artístico Zero en su Museo de Arte Antiguo y Nuevo (MONA) en Hobart, Tasmania. Titulada ZERO, la exposición presenta obras de 16 artistas de siete países, varias de las cuales se han instalado por primera vez desde su debut hace más de medio siglo. Añadiendo aún más dramatismo para los visitantes, y más incentivo para realizar el viaje a este lugar remoto, está el entorno en el que se lleva a cabo esta monumental exposición. MONA está mayormente bajo tierra. El edificio está construido a varios pisos bajo un par de edificios emblemáticos del arquitecto modernista australiano Roy Grounds. A diferencia de la mayoría de los otros museos, que reciben luz natural y se esfuerzan por hacer que los visitantes sientan que están en un espacio abierto y acogedor, MONA es decididamente antinatural y, en ocasiones, incluso un poco poco acogedor. Al entrar, los visitantes descienden a un entorno algo extraño donde la fuerza de la arquitectura a menudo compite con el arte que pretende apoyar. Sin embargo, el espacio también impulsa a los espectadores a buscar consuelo entre ellos y en la obra. De alguna manera, el escenario es ideal para mostrar el trabajo de los artistas Zero, ya que encarna dos de sus ideas esenciales: que el arte trata sobre posibilidades y lo desconocido, y que debe involucrar experiencias reales entre personas, materiales y espacio.

Salvados por Zero

El movimiento Zero fue fundado por Heinz Mack y Otto Piene en 1957 a partir del deseo de comenzar de nuevo. Como muchos de sus contemporáneos, Mack y Piene buscaban escapar del pasado y alejarse del egoísmo y la emoción que habían dominado gran parte del arte de su época. En Düsseldorf, donde vivían y trabajaban, había pocas galerías de arte. Y en otros lugares, los gustos del mercado tendían hacia obras que expresaban una especie de “culto a la individualidad”, personificado por posiciones estéticas que expresaban emoción personal, como el Tachismo, el Arte Informal y el Expresionismo Abstracto. Mack y Piene consideraban que la colaboración era más importante que el individualismo. Creían que el valor del arte residía en la experiencia que podía generar entre creadores, espectadores, materiales y entornos. Sentían que el objeto artístico tradicional, singular y hecho por un solo artista, estaba muerto, y querían iniciar un nuevo punto de partida desde el cual permitir que el futuro echara raíces.

Otto Piene - Pirouetten (Pirouetas), década de 1960; recreada en 2012. Colección More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Agencia de Derechos de Autor, 2018. Imagen cortesía del Museo de Arte Antiguo y Nuevo (Mona)

Mack y Piene realizaron su primera exposición de lo que consideraban el futuro del arte el 11 de abril de 1957, en su estudio. Fue un evento de una sola noche destinado a abrazar la efímera naturaleza. La muestra generó un interés inmenso y fue seguida rápidamente por varias exposiciones más experimentales de una sola noche. Pero no fue hasta después de su cuarta exposición, en septiembre de 1957, que idearon la palabra Zero para describir su colaboración. La palabra pretendía transmitir la idea de que el pasado había terminado oficialmente: era un punto de partida para el futuro. Como lo describió Piene: “Consideramos el término... como una palabra que indica una zona de silencio y de puras posibilidades para un nuevo comienzo, como en la cuenta regresiva cuando despegan los cohetes—cero es la zona inconmensurable en la que el estado viejo se convierte en el nuevo.”

Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum, (Sala de Rompimiento de Botellas), 1961; recreada en 2018. Colección Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Derechos de autor: Adolf Luther Stiftung. Imagen cortesía del Museo de Arte Antiguo y Nuevo (Mona)

ZERO, no Zero

A pesar de la apertura del movimiento, Mack y Piene tenían una extraña particularidad. Estipularon que al escribir sobre ellos, los fundadores debían ser referidos como “Zero”, mientras que a otros artistas asociados se les debía llamar “ZERO”. Por eso la exposición en MONA usa letras mayúsculas—porque presenta principalmente obras de la red internacional más amplia de artistas que se asocian con la filosofía. No obstante, como deja claro ZERO en MONA, no había forasteros en el movimiento. Todos eran bienvenidos. No existía un manifiesto Zero, ni una membresía oficial. Esta actitud resultó en una amplia variedad de obras creadas por artistas ZERO, representadas en esta exposición por la recreación de obras emblemáticas de ZERO como “Sala de Rompimiento de Botellas” (1961) de Adolf Luthor, y “Entorno Espejo” (1963) de Christian Megert. La actitud acogedora del movimiento también se demuestra en esta exposición con la inclusión de artistas de muchos otros movimientos internacionales que Zero ayudó a inspirar, como el Grupo Gutai en Japón, el Nuevo Realismo en París, Luz y Espacio en Estados Unidos, y el movimiento internacional conocido como Fluxus. Demostrando estas conexiones hay obras raras de Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein y Yayoi Kusama, por ejemplo, que resaltan aspectos de su práctica muy diferentes a las obras por las que son mayormente conocidos.

Roy Lichtenstein - Paisaje Marino II, 1965. Colección Kern, Großmaischeid. Derechos de autor: Patrimonio de Roy Lichtenstein/Agencia de Derechos de Autor, 2018. Imagen cortesía del artista y del Museo de Arte Antiguo y Nuevo (Mona)

Uno de los aspectos más importantes de esta exposición es que vuelve a centrar la atención contemporánea en la necesidad de renovar el arte contemporáneo. Aunque los fundadores de Zero se disolvieron oficialmente en 1966, el movimiento que iniciaron nunca ha terminado realmente. Y esta exposición también insinúa algo aún más importante: la idea de que quizás el movimiento artístico Zero nunca comenzó realmente. Quizás no fue un movimiento inventado en un lugar y tiempo determinados, sino que fue parte de un continuo mucho más amplio que se extiende infinitamente, hasta el primer momento en que los humanos desearon usar fenómenos visuales para ir más allá de sí mismos hacia algo puro y nuevo. Las obras en ZERO en MONA son tan frescas y tan vitales, incluso ahora, que me inspiran a creer que ZERO podría continuar hoy, siempre que grupos de artistas se reúnan para colaborar en creaciones estéticas que vayan más allá de lo esperado o de lo ya conocido. En este momento, de hecho, esta exposición y el mensaje que envía son esenciales. Nos recuerda ese principio clave del arte Zero: que el arte trata sobre experiencias y relaciones entre personas, su entorno y sus esfuerzos colaborativos para imaginar un futuro mejor. ZERO en MONA estará abierta hasta el 22 de abril de 2019.

Imagen destacada: Gianni Colombo - Spazio elastico, (Espacio elástico), 1967–68. Colección Archivo Gianni Colombo, Milán © Archivo Gianni Colombo. Imagen cortesía del Museo de Arte Antiguo y Nuevo (Mona)

Por Phillip Barcio